艺术家

《艺术家》的结尾，我很喜欢：两人一起跳舞，像舞王和他的金牌女搭档，一曲舞毕，紧张看着工作人员。

这时声音来了，急促呼吸，现场声响，影片出现了第一句有声对白。

掌声，欢呼，嘈杂现实声响。

一切回归到了现实，一切回归到了电影。

电影的本质是什么？

是影像，场面，特效和明星吗？

不，是情感。

永远。

很喜欢，看哭了。

人生的悲欢离合，腾达和落魄，写得很动人。

有几场戏写得特别好，男主角在背景布下方看见一双跳舞的脚，隔着幕布，两人对舞。

他轻轻的为她点上一颗痣，从此颠倒众生。

她穿上他的衣服，自己和自己调情。

大火中他抢救出最后一盒胶片，最初的邂逅，切掉的片段。

《大艺术家》向很多经典电影致敬，尤喜男主角在女主角家中发现一间屋，全是自己变卖的家产。

阴森森的雕像们俯瞰狰狞，像《公民凯恩》的巨大宫殿。

虽是无声片，其实有声，有声的段落有两个：一个是男主角被有声片冲击，噩梦中杯盘有声，万物有声，各种自然声响都是对他的压迫和打击。

固然有声片的出现是故事的一个重要拐点，这也让绝大多数人都将有声片与无声片的讨论搬上最前线，从而变成了影片必须或唯一要讨论的元素。

若从一个编剧的角度来看，有声片的出现（或者默片时代的终结）只是一个背景。

最重要的是乔治拍了一部“爱的眼泪”，用他高傲自负的“艺术家”的坚持。

“爱的眼泪”这个名字取得很妙，几乎可以涵盖所有流行文化。

这样一个片名及拍摄这样一部影片的行为将主人公的自负概括到了极致。

因为你能预想到它的失败。

这跟电影技术革新是没有关系的，仅仅与人物有关。

一切都再清晰不过。

Jean Dujardin之所以优秀，就是因为他只需要用笑容就可以涵盖这个人物所有复杂或简单。

当他在电影公司楼梯上与佩蒂相遇，那笑容与他们第一次碰面几乎无异，风度翩翩的轻蔑与倨傲，但却有着截然不同的处境。

乔治走下楼梯，依然是巨星的风范，然而他的处境也随之急转直下，自己都来不及思索；佩蒂充满朝气，快乐而开放，一个新的签约演员，步伐轻盈地走上台阶。

纵然，无声的“爱的眼泪”已经无法打动新一代的观众，人们涌进影院接受新的面孔，让耳膜辅助视网膜去理解故事情节。

甚至乔治也成了其中的一员，他才渐渐意识到自己已经被人遗忘；他才相信人们已经厌倦了老一代演员的挤眉弄眼。

之后的故事完全就是“爱的眼泪”——流行文化永恒不变的主旋律。

而至于默片还是有声片，艺术家还是明星，全都与关紧要。

如果卓别林开口说话了，你会愿意倾听么？

看完《艺术家》，我在回家吹着小风的路上，冒出这个问题。

如果你看过他的所有喜剧，无论是城市之光里善良的夏尔洛，还是你最最熟悉的摩登时代，你是愿意听他开口用对白讲一遍他的故事呢，还是会捂着耳朵，大声叫嚷“这样就好，这样就好，干嘛加对白嘛！

”这位有声电影诞生之后坚决抵制了其十几年的默片大师曾经说过：“有声电影彻底埋葬了传统的哑剧，而这却是电影艺术的基础。

电影演员应该懂得，是镜头在讲述故事，而不是对白。

”1895年，电影在巴黎诞生，无声电影红红火火的捧起了一代人，这一切，在这个荧幕上，缩影在《艺术家》里的科顿身上。

他拥有最好的肢体语言和表情，眉毛、鼻子、嘴巴有着丰富的表达，甚至连胡须都会说话，幽默的笑容与生俱来让人觉得明朗快乐，绅士风度华丽丽的让他变成了大众情人，这一切还不够，缺乏了某种戏剧效果，所以，他还拥有一只可爱聪明训练有素的小狗，在镜头里，他是一个完美的无可挑剔的男人。

可是这一切的表达里，他不能用声音为媒，他是无声电影演员。

无声是一个什么样的世界？

能带给你什么？

美好的时刻里，你捂上耳朵，看到美丽的烟花。

那就像是天上开出的花儿。

而在煞风景的时刻，你有可能是在公车上看到一个完美的背影，看了很久很久，觉得气质娴静，迷人的无可附加，可是，这个时候，包里铃声一响，你不喜欢的调子，她接起电话，声音是你不熟悉的方言，在讲柴米油烟的琐事儿。

甚至是抱怨公司的领导、同事，你如梦初醒，索然无味，女神不见了，仙气儿飘飘摇摇的散开去了车窗外。

玲珑的人太少，如果只以最美好，想象空间最大的一面示人，一切或许就会完美一点吧。

而无声电影里，就有一种完美，那是丰富的肢体语言和会说话的美丽的脸，就可以缔造的。

电影，在诞生之初，看上去就像是一个幻术，而它的本质，也不过是一个幻术，不过在这个幻术里，你可以做一场梦，关于任何的任何，而无声电影里，声音就是你可以做梦的空间，一个美丽的主角儿讲的所有的话，都可以是你已知的最好的声音，他的面貌，可以搭配任何语言，低沉优雅的法语，甚至是70年代电影的播音腔。

只要你认为它够好，够贴切。

它都可以为你于荧幕构建某种完美。

所以，改编自小说的电影，往往是苦差，改编经典名著，更是一个险活儿。

往往不论如何努力，都会骂声一片。

你错就错在，坏了一场美梦。

而科顿，他是如此熟悉镜头、荧幕和观众，他熟悉无声世界里他们喜欢的一切，所以，当他亲手为她点上了一颗痣，一切如此自然，她注定了会红。

一张脸因为一颗痣，不仅仅迷人，更增加了荧幕的辨识度。

她不能讲话，在无声的世界里跑着龙套，直到时代列车轰轰隆隆的开到了有声电影的站台，她才作为一个愿意被倾听的新鲜人走到日光下。

而他，作为无声的巅峰，却在瞬间惨遭遗弃，他把腰杆子挺得笔直，无声电影已经被他巅峰造极了。

这是神话，是他的信仰，谁动了这个神话，就是要他的一身荣耀暗淡、散尽。

于是卓别林抵抗有声电影，电影中科顿也是同样，拒绝接受拍摄有声电影。

抱着旧梦，继续拍摄无声电影。

可是时代，是不宠爱怀旧的人的，怀旧是落后，停滞的代名词。

他在旧梦里轰轰烈烈的破产。

所以，他的故事开始了悲剧进程。

一个夜里的一场梦里，在一个没有声音的场景里，他突然发现，杯子落在桌子上是有声音的。

那是电影里第一次出现声音，一切像是从梦里骤然坠跌到现实，他自己的声音不见了，外面一切一切都是有声的，姑娘们的嬉笑声，门关上的重重声音，羽毛落在地下，那细小的声音在潜意识里却振聋发聩。

他梦到自己被一个人遗弃在了无声的世界。

这种孤独感，是无法无法言说的。

可以将人的信仰击溃。

但与此同时，那个爱慕她，在镜头前，说说笑笑的姑娘。

却风光霁月的大红大紫起来，那是有声电影的躯壳。

年轻、新鲜、美丽。

万人迷恋。

他不理会这一切，关上了门，躲在无声电影的世界里。

她远远的看着她，以最默默的方式，一次次的雪中送炭，可是物质上的任何帮助，都不能挽救一颗枯萎、颓废的心，他一把火将所有的胶片烧了。

将自己也仍在火海里。

死里逃生的他后来知道了她做的一切，这一切如此的屈辱，他的骄傲无法承受这个结局，他回到已经烧毁的旧屋，拿出了火舌未吞没的枪，他打算了结自己，与此同时，她开着车横冲直撞的到了他家楼下，这个时候，字幕说，砰的一声响，以为是他已经开了枪，自杀了，下一个场景，却是她的车撞到了他楼下的树，观众松一口气，这当真是只属于无声电影的悬念。

分析电影隐喻，在我看来，是一件很附会的事儿，但是，在这部像无声电影致敬的片子里，却是觉得贴切。

在她的狂飙路上，我在想念那个眉毛会飞舞，让人无比开心的科顿。

有声电影从无声电影里走出来，并不是粗暴的抛弃，将无声电影赶上绝境。

这种关系是爱，又像是一份情，彼此牵着最柔软的部位。

我从你这儿生长出来，我爱你、敬你。

最终他获救了，很喜欢导演最后的处理，那是时代的遴选眼光，他最终没有妥协去拍有声片，他不愿意在镜头前说话，他也觉得他已经开不了口了，他和他的影迷都无法去打碎那个梦了，聪慧女主角便带着他去跳他们相遇时的踢踏舞。

这是一种新的类型片的诞生么？

我没有考究，但是，无疑这是一种进步。

这个结局的妙，比让他接受有声电影来得更真实。

也更加暖心，因为，结束的时候，我也莫名的松了一口气，他最终没有开口，将这个气氛破坏。

瞧瞧！

我也是个如此的观众。

1936年，《摩登时代》里，一直拒绝有声电影的卓别林，在电影结束时哼了一支歌，那是他自己亲自哼的。

虽然如此这部电影一般被看作依然是一部无声电影。

但是，是第一部可以听得到卓别林本人的声音的电影。

电影教科书里说，电影是一门综合艺术。

电影学院里的拉片课程，有时候，会关掉声音，看看纯粹的没有声音的电影，我想说，如果关掉声音，还是能让观众耐着性子看完的电影，一定不是一个太坏的故事。

无声有声大变革为背景的爱情佳作。

怀旧。

对，黑白默片。

爵士配乐，歌舞风情都为影片增色很多。

音乐敲到好处，在这个人们已经静不下来欣赏”挤眉弄眼“时，强烈的旋律和多样的变化，强烈的迎合情节，喜欢听音乐的朋友看片肯定会很兴奋的。

歌舞也对演员提出了很高的要求。

因为看歌舞青春大热，就知道，要想复制雨中曲的舞步已经不太现实，但本片真的做到了。

特别是男主，拿奖也就水到渠成了。

真的，艺术家的表演绝对口吃的国王好看。

强烈推荐。

简直棒呆!好感还是基本得益于男主的表演。

原本沉浸在一位没落艺术家的骄傲与格格不入中，我仿佛看到许多艺术家在绝望中挣扎并消逝。

谁知峰回路转，柳暗花明，结尾竟然又以"蹦擦擦"结束了。

法国人那刻进骨子里的浪漫像一把小锤，总能"砰"一下敲碎我冰封的世界。

它一次次出击，我一次次中招，乐此不疲。

鉴于国内上映后又是一波高贵冷艳默片逼开始进攻，自视逼格甚高的，敬仰并深度怀念默片的资深艺术家粉请去围观那些满分评论。

链接一篇技术流友邻分析帖http://movie.douban.com/review/5278799/=================不喜点叉走好不送分割线==================================确定要看？

真的要看？

那好吧=============今天早上心血来潮早期看直播啊，看得我叫一个义愤填膺。

果然马屁片得逞了，评委们觉得人家这马屁拍得很诚恳很受用啊。

一堆之前就开始叫嚣的影评人又开心了，什么实至名归之类的。

昨天看到朝廷六套介绍这部片子啊，我觉得非常到位非常欢乐：这是一部黑白默片，在法国本土票房惨淡，导演改变了荧幕比例，导致很多观众以为放映出了事故，甚至有观众愤然离场要求退票……所以很多电影院会善意提醒：您将观看的是一部黑白默片。

这说明什么，说明这部冲着让奥斯卡评委身心舒畅去的片子完全脱离了群众。

看看小胡子拿影帝时说了什么：I love this country。

为什么，因为本土的凯撒奖就没给他，法国佬自己都不待见这片子。

半个月前我就下了这片子，看了一半实在是看不下去了，这故事哪里讲得好了，前40多分钟我刷了十几次微博才勉强忍下来。

今天看完直播切了一下午的西瓜才平复下心情，接着把后半段看完。

这片子除了用老手法老套路新演员新技术讲了一个努力伪装成的老故事以外，我还真看不出哪里好的。

不说别的，俩主角气质就都不对，就不是那个味儿非要装出那个范儿，累不累。

且不论男主那猥琐小胡子，女主那妖艳轻浮的样子，哪里像默片时代的好莱坞女星了，也不像法国女星，人是拉美人，有办法么？

我要是说我没觉得这故事哪里讲得好了，估计又有一堆逼犯说你太浮躁，你不懂经典，你不配说它不好。

可事实就摆在那儿，就是一个普通得不能再普通的故事，讲也讲得平淡无奇，索然无味。

越喜欢装逼的人越要说这片好啊，为什么，因为它显老啊。

很多年前，大概是从金庸剧翻拍潮开始的时候，就有一堆人抱着老版的大腿不放，根本没看过翻拍版就开始在那儿装出一副资深业内人士的姿态对翻拍版嗤之以鼻，更可恶的是那些新版老版都没看过就跟着瞎起哄的，说老版怎么怎么经典，怎么怎么无法超越。

我擦，你们看过么？

看过再来说好么。

老版那画面服装化妆背景我是真心忍受无能啊，管你剧情再忠于原著，演技再超凡脱俗，看不下去就是看不下去，新版有那么差么？

起码人家在投资上做足了诚意。

其实对他们来说，不可战胜的是记忆，他们觉得小时候看的就是沧海了，以后见到太平洋都觉得像小溪。

可是对我们来说，新版才是沧海。

这导演就是吃准了小金人评委们的软肋，想着这帮老家伙一定都怀念着以前，怀念着小时候看的黑白默片，怀念着那种叙事拍摄方式，就像《午夜巴黎》里总是那么多人觉得上一个时代才是美好时代。

老家伙们一个个都到了油尽灯枯的年纪，面对着一轮轮高科技，新思想对电影的侵蚀，让他们对自己原本最熟悉的行业渐渐不熟悉了。

你说一个手机只会拨号打电话的人让他怎么接受3D，挨拍的拿来只能照镜子的人让他怎么理解机器人可以画画，所以《雨果》悲剧了嘛。

所以下次再让我看到有人对《艺术家》给予“向伟大的黑白默片致敬之作”、“真正的艺术家不需要多余的言语”、“经典默片的剪辑，两处画龙点睛的音效处理，杜雅尔丹精彩绝伦的表演，还有好莱坞默片时代的神韵”、“温情美好，笑中带泪”、“反讽与暗喻，对默片时代的感怀，对现代电影的反思”“用无声奏出了这个时代的最强音”之类的给马屁片拍马屁的评论直接拖黑不解释。

之前看到有人说那些讲英雄迟暮，老来凄凉的片子都能成功戳中小金人评委们的泪点，这他妈狗爹还不够凄凉么。

人家看着自己镜头里的样子都忍不住哀叹：I used to be Sid Vicious。

从堕落颓废朋克青年癫到各种反派各种魔头，癫到老骨头都快散架了，学院派老古董就商量着，我们要不要刺激这个老头一下，给他提个名吓唬吓唬他。

然后人家就揣上两颗救心丸带着像女儿一样的老婆来了啊。

然后结果就是眼睁睁看着被法国猥琐小胡子抢尽了风头啊，可以想象老奸巨猾的评委躲在幕后看着狗爹着急找水吞药的样子就乐呵啊，这个老家伙，目中无人一辈子还不是向我们低了头哈哈哈哈哈。

（带药那段纯属个人YY请无视。

）所以还是话痨伍迪英明吧，小金人？

你爱给不给，我就是不来。

老奸巨猾老谋深算的评委们其实想要通过这部马屁片向我们传达一种信息：在我们有生之年，你们想要获得专业的认可，还是要讨好我们的。

我们就是标准，就是法则。

我们伟大的国师张看到这里就要angry了，擦，老子不也是挖空心思按着你们的套路讨你们欢心么？

大制作，风尘东方妞，二战题材，美帝明星，你们给我奖了么？

提名都没有！

别怪我们肿菊不给你们配额，想要配额先给我颁奖！

要是黑白默片，老故事老叙事方法才是真正的好片，那电影这些年他妈的就都白发展了。

经典可以留着去怀念，人总是要向前看的。

世界是你们的也是我们的，但终究是我们的哼！

╭(╯^╰)╮听说小李子看完这届小金人，决定接下来的一年全部改接黑白默片了。

10/10 第84届奥斯卡最佳影片+最佳导演+最佳男主角 当电影褪去了华丽的色彩，优美的声音之后会变成什么样？

答：别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声。

一封写给电影的情书，导演带着观众穿越回了那个默片时代，而观众也穿越到了那个曾经的童贞的电影迷，电影里外的一切都会到了最初的美好～这才是真正的艺术家，是有操守，有追求，有艺术性的，尤其在从默片时代到有声时代急剧变化之中，依旧保有对艺术的信仰，这正是不忘初心，正如当年的卓别林一般，但艺术自身也是会不断发展的，不忘初心方得浴火涅槃，最后成为真正的Artist。

感谢这个时代还能有如此伟大的默片演员，还能还我一个最初的电影梦，不枉我在观影中途多次落泪，这样的感觉太好了。

配乐也是神了，通过音乐表达文字的典范，小狗也是拼了。

时代的交替，不可逆转的变更。

由沉默到欢脱， 一切都塑造得如此完美，完美再现了好莱坞古典主义时期的电影叙事手法，对当年的那些来到好莱坞发展的欧洲导演， 对好莱坞经典叙事，对黑白“无声”电影，几乎都是一次的完美的致敬！

坐在电影里仿佛自己完成了一次时空穿越，I love it

关于电影片名，有说它就不该叫《艺术家》（The Artist）。

就像今时今日，如果哪个国内电影明星被称作艺术家或者德艺双馨，那基本是调侃，再不然就是挖苦讽刺。

诚实来讲，影片要是改叫《演员》（The Actor）或《大明星》（The Big Star），似乎更符合故事内容。

台湾人更夸张，索性往前面加一个大，《大艺术家》。

多个大字，广告效果就来了，堪比大片、大电影。

那演员明星和艺术家之间到底有何区别？

我想，这就是《艺术家》的命门所在。

放当时来看，拍电影的恐怕都不是什么艺术家。

更何况，主人公乔治没落不谈，他还导了一部失败作品。

艺术的分门别类中，电影一直是位居最末。

原因不外诞生时间短，再者它融合了很多项艺术的表现手法，占了其他艺术的大便宜。

最早的电影是魔术杂耍，后面慢慢纳入商业放映，进而又形成了自己的一套艺术表现手法，比如剪辑、蒙太奇。

所以，《艺术家》把电影演员抬升为“艺术家”，那更多是站在了后世人的观点上。

别的不管，先就把致敬的旗杆杵在那了。

《艺术家》的故事发生在1927年到1932年间，那也是电影从默片（无声片）转向有声片的关键阶段。

1927年，有记录在案的第一部有声片《爵士歌王》诞生了，它以难以置信的速度把电影工业撕成两半。

如同电影诞生后三十年间的风风雨雨，推动这一次变革的原因仍是技术，音轨录制和电影拍摄可以分离开来。

很显然，有声片的成功不在默片大导演和大明星的预料当中。

就连默片败下阵来的速度，那也远比黑白电影败给彩色电影的速度要来得快。

不仅好莱坞如此，以当时另一电影大国德国为例，1928年有声片所占比例仅为7%，到了1929年，这一比例迅速上升到了86%。

有声片的出现不仅淘汰了一堆默片明星，就像《艺术家》里的乔治，当时连在戏院演奏的乐队和辩士（讲解电影剧情的人员）也失了业。

对于这一变革的惨烈，黑泽明在自传里就有提及：大批辩士冲入影院，捣毁导致他们失业的声音设备。

由于压力，他的哥哥（辩士组织的负责人）更是选择了自杀。

因而，如果有人认为乔治的落魄反应过于夸张，那么，他们当真不知道默片时代的薄暮之歌，更不理解这一改变曾经深深影响过那么多的人。

好在惨烈归惨烈，如果《艺术家》往惨烈的方向走，它一定会被奥斯卡打入冷宫。

导演哈扎纳维希乌斯擅拍喜剧，这一回借得默片的壳，套上一个通俗浪漫爱情剧的壳，弄得皆大欢喜满堂彩，当真是没啥难度。

电影主线是一个默片男星的没落，另一边是有声女星的崛起。

两人不断对位，内心情感的反差、地位境况的强调。

说到底了就跟跷跷板游戏一样，不管谁上谁下，他们玩的都是同一个游戏（电影）。

《艺术家》没有把他们的关系做成最俗气和大路货的男欢女爱，比如插段床戏。

更多时候，两人好像若即若离，却又被电影的魔力给吸引着。

好比在电影院里，她看他的电影，他看她的电影，互相欣赏。

好事者当然可以进一步阐释，这也是现代人眼中默片和有声片的依赖关系。

尽管取代了默片，但有声片一直“深爱”着默片，始终没有忘本。

除去明星光环和显而易见的影史关系，《艺术家》更是一部立足于电影本身的片子。

众多的戏中戏（乔治演的片子大多有出处）、片场拍摄（选角、NG和实拍）、幕后制片人（他们对金钱利益有着灵敏嗅觉）甚至是看电影的普通观众，他们都再三出现。

就单说乔治，导演在他身上安放了有趣的细节设置。

和妻子的感情有如死水，对方恳求他说话交流，结果他就是不说。

包括那个噩梦和打趣小狗，观众都开始纳闷，他为什么不说话。

或许，声音不好是一个原因，但对当时的大牌明星来说，要他们开口说话，那就有如小丑表演，损害了他们业已树立好的形象。

同时可以看到，默片时代的明星更重视肢体语言，略带浮夸更好。

饰演乔治的让·杜雅尔丹本是肌肉型男，他在片中的形象，静有克拉克·盖博的影子，动起来又沾染了吉恩·凯利的风采。

当然，后两者都是有声片时代的明星。

类似看上去很和谐，实际上却又跳脱的细节，《艺术家》里还有很多处。

它所引用和致敬的对象（包括电影配乐），经常不在1927年到1932年的时间范畴。

事情到最后就变得清晰起来了，《艺术家》真的不是一部默片，它只是拿默片说事。

好在，即便说了这么多，甭管搬用了《公民凯恩》还是影射了《一个明星的诞生》，它们都阻碍不了普通观众的理解，更不会影响他们的观赏体验。

因为即便《艺术家》致敬了一大堆的片子，它更像是丢给影评人和老先生看的，讨个巧罢了。

对多数人来说， 它只会被当做一部爱情片来看待——一部看上去有些不一样的爱情片。

已不多见、被等同为卓别林的黑白默片，字数长短不限、可以妙用的字幕卡，旧式画幅比和动作稍快的诙谐人物，当这些东西和一部爱情片发生关系，那么，《艺术家》至少是讨喜的，活跃气氛，不用商量。

对吧？

没有3D，不是飞机撞轮船的大场面。

这样的年头，已经很少见了。

去年奥斯卡推结巴国王，今年索性来个哑巴影帝，谁敢说不可能呢？

总而言之，面对《艺术家》，那绝没有凭吊默片般的肃穆沉痛，再者，它也没有承担讲述经典爱情故事的义务和必要。

围绕《艺术家》的争议都出在姿态高低上，如果你觉得哈扎纳维希乌斯摆出了高姿态，用糖衣炮弹去迷惑了美国人，那么《艺术家》恐怕会是变质的味道。

如果你熟知好莱坞和奥斯卡的游戏法则，那么再看法国人鼓捣的《艺术家》，或许它还是有可取之处的。

更何况，谁说入围奥斯卡拿了奖就名垂青史，其实未必。

不见戛纳时候，《艺术家》还是给竞赛单元打替补。

影史多少事，到最后，若能跟那条活泼有爱的小狗一样，都付笑谈中。

我想，这便足够了。

【国际先驱导报】

今年的奥斯卡季有趣儿，竟有两部拼着比着向电影史致敬的作品。

好莱坞的老马丁（Martin Scorsese）用《雨果》（Hugo）向法国先驱电影艺术家乔治•梅里埃（George Méliès）致敬；法国导演迈克尔•哈扎纳维希乌斯（Michel Hazanavicius）则用《艺术家》（The Artist）向好莱坞片场与默片时代致敬。

这敬来敬去的，怎么也有一部该投奥斯卡的胃口，难怪双双提名。

我不喜欢《雨果》，因为它除了强大的技术效果和致敬心态外，在电影故事的构建与完成上却十分粗糙。

《艺术家》除了采取默片的视觉表现方式独树一帜外，情节本身说来也乏善可陈，但与《雨果》不同的是它在小细节小桥段上的巧思妙想，种种视觉小品时常看得人会心一笑。

比如仰慕默片明星乔治•瓦伦丁的女演员佩皮偷偷潜入乔治化妆室一节，佩皮抱着乔治挂在衣帽架上的西装外套花痴万分，干脆把一条胳膊伸进袖管假扮乔治抱住自己，左挑右逗，女丑形态毕露，引得全场哈哈大笑。

当然电影安排最巧妙的还是对声音的处理。

《艺术家》采取默片手法，除了背景音乐并无他音效。

但当默片明星乔治看不明影史的发展趋势落得末路潦倒时，苦闷中发梦，竟然声效突现，钟声、铃声、车声、人声、狗叫声，可就是没有乔治自己的声音。

乔治与妻子不合，所争执的关键问题就是乔治不肯同她讲话——这里“讲话”是个明显的双关语，一方面指明面上乔治冷落妻子不与其交流，另一方面则暗喻他拒绝拍摄有声电影的事业选择。

后来乔治寻死，以字幕插入的一声巨响既推进故事进程，又跟观众抖了个不大不小的包袱，下面的段落水到渠成。

这些与声音/声效有关的片段使声音脱离了一般电影的约定俗成，从一个理所当然的技术要素飞跃成为电影故事的重要角色之一，人围绕声音所作出的判断与电影工业所作出的选择彼此映照，最终不是声音为电影服务，倒是视效跟表演形式为声音的出现锦上添花了。

除了对声音效果的巧妙运用，《艺术家》对视觉效果的不吝开发也极为娴熟。

乔治独自看电影，投在屏幕上的影子弃他而去，这小花招虽耍得老套，但用在该情该景却正贴切。

乔治在片场遇见佩皮，第一次二人隔着布景斗舞，一里一外，一个俏皮一个大方，性格特色立现；第二次则一个下楼一个上楼，双方地位心态的变化被斜切画面的楼梯表现得清清楚楚。

正因为没有声音，视觉艺术的功用才更为重要，才必须调动一切画面要素与表演要素，充分渗透剧情，激发强烈的视觉表现力。

将电影技术元素与电影故事表现紧密结合是《艺术家》区别于《雨果》的成功之处。

无论是视觉效果、表演桥段还是声音元素，一切都融入《艺术家》的情节发展，彼此相互促进。

技术为电影故事提供亮点与依托，故事则为技术要素提供方向与目标。

在此之上，再加入一点爱情，一些怀旧的温柔，和很多自默片时代沿袭而来的幽默，一场声影传奇就此诞生，想不讨好莱坞电影工会大众的喜爱都难。

另外值得特别一提的是扮演乔治的法国演员让•杜雅尔丹（Jean Dujardin）。

我没看过杜雅尔丹的其他作品，可大屏幕上他留着两撇小胡子灿然一笑的滑稽样子真吸引人。

说实话乔治这个角色很不好演，尤其前半场他春风得意自信十足的戏，自负太过容易显得“二”，招人反感；而表现不足又不吻合他大明星的身份，会与接下来的剧情发展产生断层。

杜雅尔丹的自负有种“很傻很天真”的可爱劲在其中，十分难得。

不管是乔治与佩皮眉目传情还是穷途潦倒的悲苦自怜，他都把握得真挚诚恳，表情与肢体状态松弛自然，不做作，也不发力过猛。

除了最后一场的舞技不尽如人意之外，这一年还真难有能与他相媲美的最佳男主角了。

至于《艺术家》究竟算不算一部真正的默片，我觉得这根本算不上一个问题。

电影的发展是与电影技术的发展紧密相连的，纯粹出于致敬的目的故意历史倒退避而不用现时的摄影技术、机位安排、剪辑手段和音效，除了表达怀念之意外对作品的完整性并没多大意义。

《艺术家》所采取的默片时代流行片头、黑白色彩与无声手法，都与剧情发展相辅相成。

在这基础上运用超越默片的技术元素，反而独树一帜，别具一格。

怀旧但不守旧，这是《艺术家》的最聪明之处。

《大艺术家》观影感受：1、各种戏剧冲突元素搭配的非常和谐，明知道这是假的，但看着就是舒服，导演编剧功底扎实。

2、一个体系里最优秀的人物，往往在变革来临之时，死的最早、死的最彻底，用在工作中，也是如此。

3、当事情进入负环节时，错误不断。

4、经典台词：先生，请提防你的自尊心！

5、餐馆里新浪后浪的冲突解读：上位前的一步动作是，贬低和打压，这是一个寻找差异化并扩大竞争力的过程，鲜有不这么做的。

6、男主角当掉东西却还是给店家小费的解读：生活惯性，一旦养成固定稳定的生活习惯，打破这习惯的力量，需要从根本破坏维系生活的来源。

7、以两个角色，分别代表的时代，戏剧化的描述了在时代变迁的过程中，两个角色生活的变化。

在观影的过程中，注意力紧紧被男主角的经历所吸引，给人非常强烈的代入感。

在观影结束后，不得不对旧时代的开拓者，还有死在时代变迁过程中，那些曾经引发时代共鸣的人物，致以深切的缅怀。

看了今天自己写的影评，才知道如今这份工作，真的给我带来了许多改变……当初，有计算机专业的同学问我：阿通，你觉得你现在做的工作有意义么？

我还有点失落的回答：有没有意义，我已经不去思考了……现在回头想，只要能给我带来快乐，这工作，就是对我有意义的！

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