造梦之家

《造梦之家》是近年来最好的“电影情书”，也是斯皮尔伯格作为电影大师相对真诚的自我剖析和总结。

影片在主观性和客观性之间取得良好的平衡，这是很多同类型电影处理不当的地方。

简单的例子就是《好莱坞往事》和《巴比伦》。

《好莱坞往事》偏重昆汀个人视角下的好莱坞电影业和“曼森事件”，通过真实和虚构的融合，在历史真实事件的基础上重构出另一个真实。

这个经过重构的现实洋溢着导演对电影这个小圈子的疯狂热爱，在客观上疏离了观众的个人体验。

这是导演个人的电影幻想，与观众无关。

《巴比伦》的叙事野心非常庞大，旨在描绘好莱坞电影工业发展史。

导演达米恩·查泽雷塑造了一个热爱电影的底层墨西哥移民，投身电影业，历经默片、有声电影、彩色电影三个时代，见证了好莱坞发展的辉煌，也展现了好莱坞阴暗的角落，通过对好莱坞亮面与暗面不加修饰的展露，抒发电影人在时代潮流之中的脆弱。

是的，电影有其丰厚的历史脉络和文化资产，但对多数观众而言，电影只是娱乐。

《巴比伦》所要表达的永恒感在“当下”的电影潮流前显得不合时宜。

这个梦过于宏大飘渺，个人零碎的情绪显得毫无意义。

《造梦之家》是一部传记电影，有着无可争辩的客观性：导演斯皮尔伯格个人的电影成长史。

如果说，电影大师这个称号的内在意义是什么，那就是它代表了“活着的电影史”。

在这个意义上而言，斯皮尔伯格的伟大毋庸置疑。

他题材多变，电影类型涵盖科幻、冒险、惊悚、历史、战争、传记等。

同时，他是传统特效和CGI特效结合的推动者，《侏罗纪公园》开创了好莱坞大制作电影的先河。

在《造梦之家》中，斯皮尔伯格着重刻画了其日后电影成就的征兆。

电影主人公Fabelman从小对影像有着敏锐的感知力，当他一遍又一遍翻看自己的首部战争片时，他发现，自己所拍摄的战斗场面过于虚假，没有任何感染力。

经过一番研究，他发现特效的秘密：为了增加影像的真实感，电影需要特效，特效虽然是人为的虚假，却能还原影像的真实。

真实的生活是无序和单调的，由于我们生活其中，所以感受不到；一旦生活的片段被记录下来放在银幕上，这种真实化的无聊感便被放大。

电影需要重点，或者说，任何艺术需要对观众注意力的引导，而这就是特效的意义。

断臂维纳斯的断臂、蒙娜丽莎的微笑，何尝不是另一种形式的特效？

同时，Fabelman的犹太人身份在片中饱受凌辱，这也为日后斯皮尔伯格电影中的犹太主义-视角埋下伏笔。

《造梦之家》的客观性建立在斯皮尔伯格的个人经历上，而其主观性来自于斯皮尔伯格个人对其经历的阐释。

换句话说，生活的经验是客观实存的，生活的意义是主观赋予的。

意义虚化成了梦，意义实化便是家；家是梦的摇篮。

《造梦之家》中，主人公Fabelman（也就是斯皮尔伯格）成长的载体是他的家庭，这是他生活的兆始。

电影的英文名字《The Fabelmans》直译就是法贝尔曼一家。

斯皮尔伯格不厌其烦地向观众构建家的含义，在剧作技巧上是比较保守的。

毕竟family这个主题经由唐老大的发掘，已经被玩烂了，当下影迷是比较害怕family的。

但是，近年来奥斯卡的评奖标准恰恰侧重于“家庭”这个概念。

远的不说，今年奥斯卡最佳电影《鲸》就是一部主打家庭温情和自我救赎的电影。

所以，将梦与家绑定，也是最为保险、通用的做法。

一方面，家很容易理解，另一方面，家很容易得奖。

从一层意义上讲，斯皮尔伯格实在是太懂奥斯卡了。

那么，最后只有一个问题：大师的家和普通的家有什么不同之处吗？

答案是：没有。

斯皮尔伯格为《造梦之家》构建的家依然是老掉牙式的：中产家庭感情为纽带，父母出轨为矛盾，孩子青春为契机，完成所有人的自我救赎和妥协。

最终，Fabelman从最初对梦的恐惧完成了对梦的捕捉，Fabelman在家庭的支撑下，开始自己的逐梦之路。

令人惊喜的是，影片最后，对主角之梦完成敲打的，正是由导演大卫·林奇客串的伟大导演。

大卫·林奇对超现实梦境的影像构建独具一格。

当老头子抽着雪茄，在烟雾缭绕的办公室里教育斯皮尔伯格时，这个场景实在梦幻。

总的来说，《造梦之家》平实、易懂，富有一定的教育意义，没有陷入导演个人的偏执视角，也没有极端追求假大空的历史叙事，在如今这个极端追求资本回报率的电影市场里，当属清流。

或者，某种意义上而言，正是因为斯皮尔伯格经受了市场和艺术的双重考验，才有资格摆出《造梦之家》这样的电影。

难怪短评说这是我的区长父亲，原来这是自传，但即使自吹自擂这部影片依旧是很好的鼓励人去学电影的读物，都说看作品看的就是作者本人，即使这个人掩藏得再好她的作品里也总会出现自己的观念和影子，我对电影和摄影媒介这种东西本身兴趣不大，但是我却在这部电影里明白了为什么有人会那么喜欢讲故事，因为真的很有趣。

本来只想写短评的但是一不小心就字数超出了所以附录在影评里就当话接上文了。

总的来说我觉得这部电影很好看，家庭，电影，梦想，都说得清清楚楚而且线索交织，包括一些细节也真的很有意思，比如从前总是用一次性餐具的母亲在后来看了医生后用上了普通餐具，养的猴子就是精神的寄托，还有母亲为了家庭放弃了梦想，姥姥的哥哥让主角不要放弃希望，说艺术和家庭之间的冲突会让人遍体鳞伤，都是呼应和细节，可能是最近烂片看太多了看到这种真的能让人看进去的有趣的故事太惊喜了吧。

继续说地平线，我觉得结局的处理方式也很好，不是常规的和谁拜师学艺了进入什么制片公司了前途一片大好就结束，而是导演的那句问话，你在这幅画里看到了什么，地平线在哪里？

对于真的懂行的人来说，一句点拨后藏着的是巨大的财富以及随之而来的创造力，这才是真正的教导，不是教你怎么用技术怎样拍出更好的镜头，而是告诉你还可以这么拍，还可以这么想，有一种灵机一动，世界打开的感觉，作为结尾真的是生机勃勃充满希望了。

整体来说很完整很好的一部电影，很有逻辑也很符合电影学，最近看多了莫名其妙的文艺片再看这种成熟规矩的东西真的😄如听仙乐耳暂明。

这部电影它不是一个励志的故事，也不是一个关于救赎的故事，而是一个孩子从小到大的“自恋”的故事，一个由爱好转向至职业的故事。

我们甚至能看到，在里面霸凌欺凌男主的人也为他的电影所折服。

（倒不如说，导演在自传中对自己莫过于的自信了）有一个要注意的点，其实我们不难发现男主的家境其实还蛮殷实的，在那个年代（包括现在）不常见的电影机却能轻易买下来....（其实有些事情还是需要经济基础的）说几个让我很喜欢的点吧：1-男主刚拍出那第一部电影，自己想办法做出了枪子弹打出来的效果，让我感受到他的钻研坚持2-男主和那位怪老头亲戚在房子里交流时3-结尾遇见大导演，大导演所说的“地平线”，再加上最后电影镜头往上面挪一下，很有力的表述了为何地平线在上面是“有趣的”4-古典乐！

电影使用的配乐恰到好处的烘托着环境和氛围...（主要是自己喜欢）整部电影一直在烘托着自恋。

母亲自恋的爱着叔叔，父亲自恋的认为能给家里面带来更好的生活，男主自恋着渴望能够拍电影，甚至让我感觉影片烘托出一种：做艺术的人需要自恋....于是影片在自恋中照应出了一片亲切感。

这部电影不像导演先前一样，致敬好莱坞或其他。

这是一部送给他家庭的致敬与一份厚礼...总体感受还是不错的

(本文有剧透倾向，请斟酌阅读。

本文只是本人一些随想，非专业影评。

)有幸在多伦多电影节观看了The Fabelman的全球首映。

这部斯皮尔伯格的半自传电影，用独特的方式解构了斯皮尔伯格本人对电影，艺术，和家庭等议题的看法与感受，让人回味良多。

影片开场， 男主母亲一句, 电影就像做梦，你永远不会忘, 奠定了本片的基调。

做梦就自然有美梦，也有噩梦，男主在造梦的过程中，美梦成真，噩梦相随。

电影前半，男主Sammy的童年时期，就如同一个长长的美梦，在母亲的启蒙下，发掘了自己拍摄电影的天赋，也改变了导演本人一生的轨迹。

轻松明快的基调在一次野营之后急转直下。

电影画面从母亲一身长裙翩翩起舞，这样的唯美画面，瞬间切换到外婆垂死躺在医院的病床上，这种反差，不得不让人感到压抑和不安, 预示着男主的生活从这里进入了下一个阶段。

宿营期间，男主偶然拍摄到的片段，让男主第一次意识到，影片不光可以造梦，也会毁灭他的希望。

这让男主深受打击，甚至想放弃自己的对电影的热爱，可能这是男主第一次知道电影的力量。

同时，全片的一大看点就是男主父母与他们的朋友Bennie的三角关系。

这种中年危机的无力感，在男主充满希望的青春的反衬下显得更加令人抑郁。

男主全家为了科学家父亲的事业，两次搬迁，男主深爱自己的妻子，爱自己的孩子们，但是他对科学和事业的着迷也埋下了幸福家庭大厦倾塌的隐患，等他意识到时，已经无力挽回。

父亲的挚友和多年的同事, Bennie, 早已成为了家庭的一份子，被家庭里的每个成员接纳，但是这种边界感的模糊，终于让他越了界。

个人认为，男主母亲, Mitzi,是全片最闪亮的一个角色，甚至超过了男主本身。

一个一头金发的犹太人的形象可能已经暗示了她的“离经叛道”。

她不是一个好的主妇，却用尽全力照顾家人衣食起居。

她的梦想本身是成为一个艺术家，一个钢琴演奏家，可是最终将自己的梦献祭给了家庭。

她有一颗向往自由和刺激的灵魂，可以在龙卷风到来时毫无迟疑，带着孩子奔向风暴。

她嫁给了一个好男人，好丈夫，但是这个好男人，却并不理解她。

内心的空虚，让Bennie趁虚而入， 直至无法自拔，或许风趣鬼马Bennie原本就是她的良人。

但是她深知作为一个母亲的责任，很长一段时间她选择独自承受这份痛苦，尽管最后她还是选择离开，遵循自己的本心，还是不禁令人唏嘘。

再美好的爱情也总有落幕的一天，相伴一生，也不代表可以相爱一生。

选择重新开始，还是委曲求全？

影片中段，母亲多年未见的叔叔以一种戏剧式的方式登场，暗示了这与本片主线故事无关。

短暂的出场中，他宛若古希腊神话的先知，衣衫褴褛，疯人疯语，他因为年少离家追寻艺术，一直不被家人所接受。

他向男主警示，热爱艺术的人终将遭受痛苦，就像男主的母亲，这是他，是男主，也是男主母亲的宿命。

男主本人，可能是由于过早发现了自己的拍摄天赋，让他习惯于在生活中做一个旁观者，他尽量避免冲突，只有忍无可忍时才会爆发。

尽管如此，他也坚持做一个好的讲述者，忠于呈现最好的影片。

在高中Ditch Day的影片拍摄中，男主如实还原了曾经霸凌过他的校霸的矫健身姿，男主的不计前嫌，让其无地自容。

除了电影，男主在生活中似乎是一个失败者，不擅长运动或数学，不会和女生搭讪，大二就从大学辍学，但是只要在拍摄时，他的眼睛就是有光的，他就是闪耀的，我想，有梦的人最美。

最后，大卫林奇的take away送给大家，When horizon is at the top, it’s interesting; when horizon is at the bottom, it’s ininteresting; when horizon is at the middle, it’s fucking boring. 可能，这句话也是导演自己人生态度的写照，人生需要有up and down, 平淡乏味的人生才最无聊。

sammy用超8拍出第一部影片时，他把他的电影捧在了手心里。

光影魔法的梦在这个家庭中诞生，想要摄影机就有摄影机，想要剪辑台就有剪辑台，刚进入行业就见到了梦想中的大导演，这个大导演还是大卫林奇，谁能不羡慕…影片的每一帧都很真诚、渗透了浓烈的个人情感，画面、声音、节奏把欢乐、悲伤的回忆，成长的历程，梦想的破灭与坚持，家庭与艺术中夹击背叛分崩离析，一切都那么饱满，令我感动。

和《当我望向你的时候》一样，强大的心脏将自己剥开展现给观众，在“造梦之家”放下了自己的生活和对当下电影产业的思考，收起了锋芒把地平线放到了中间，柔软的直觉依然可以让我看到小时候看《E·T》时对这个传奇导演的想象。

不仅仅是对电影的情书了，他作为“电影小子”，已经把电影写进了他的生命里。

做梦是爱好，也可以是我们为之奋斗一生的梦想，兼具史诗感的家庭故事献给所有热爱电影的人们！

近幾年大導演建構自身童年回憶作品熱潮中，主題啟蒙最關乎電影，火侯掌握也最為勻稱的一部。

從小便拿起8厘米家庭錄像機拍攝，高中換拿起16厘米拍紀錄片電影，家庭之於藝術，藝術之於家庭，影像的創作、光影的構築皆源自於生活，父母給予極大的自由讓他把持著他的「嗜好」，然而當嗜好不再只是嗜好，而是自己生命的一部分時，便是藝術家必須在家庭與藝術之間拉扯的時候。

影像的捕捉讓他在構築美好的過程，發掘了不美好的事實，影像不會說謊，但是剪接可以說謊，在充滿愛的環境下終究得面對原生家庭不完美的現實。

母親的秘密是他初嘗構築影像時必須面對的酸甜苦辣，再者猶太人的身份讓他在加州的高中顯的格格不入，直到再次拿起了攝影機勇抱影像，生活才又開始有了顏色。

然而每一次逐夢的心血要呈現在眾人面前時，現實的重擊總是在該開心的時刻變的百感交集。

老史大可通篇以迷影情懷視角去講一路成為大導演的過程，但他最後仍然以兒時最私人的複雜家庭樣貌，去讓觀眾感同身受母親內心所苦、父親內心所苦、自身受家庭、猶太人身份影響，其內心的百感交集。

這並不是什麼單純大導演自肥迷影情懷作，這是在回溯過往成長史中，創作者逐步與過往自我、父母和解的家庭故事。

這同時也是老史在調度上最無炫技氣息的電影，通篇都是原生家庭的自我解構，人物情感才是主要核心。

這部作品也要看個人是否對史匹柏特別有愛，如果有愛絕對會喜歡這部電影，如果還好就看個人感受了。

蜜雪兒威廉斯和青少年老史有幾場互動是真的想哭，在講述母親內心抑鬱之苦上，老史做到了能讓觀眾感同身受的刻畫，母親是愛他的，但她也愛沙漠、愛鳳凰城、愛班尼，放她自由才是終結抑鬱唯一的方式，蜜雪兒威廉斯的表演確實值得影后的提名，青少年老史的第一部電影演出，在大導演的調教下自然又輕盈，外型也真的神似年輕時的老史。

從鳳凰城到亞歷桑納州，最後再輾轉到加州，成長環境都在沙漠中，也不難懂為何老史第一部長片《決鬥》通篇背景都是沙漠；畢業舞會女友在車內狂噴髮膠致敬第二部長片《橫衝直撞大逃亡》；為學校拍的紀錄片《翹課日》，豔陽沙灘下男男女女的鏡頭捕捉，背景多少有《大白鯊》的既視感。

林區最後以約翰福特的身份客串，「地平線的頂部和底部視角呈現會很有趣，但是中間會很無趣」，短短的幾句忠告，便養成了大導演日後調度上的準則，永遠不要讓視角侷限。

收尾鏡頭地平線從中間調成底部格外俏皮有趣，有種準備迎向夢想，闖出自己的一片天的感覺。

《大白鯊》、《第三類接觸》、《ET》、《印第安納瓊斯》、《侏羅紀公園》、《辛德勒名單》，老史的經典實在是多的不勝枚舉，30年前的《辛德勒名單》是為自身為猶太人的身份而拍，30年後的《法貝爾曼》總算是為了家庭、為了自我，以大導演的身份下去拍。

拍出眾多經典大片的背後並沒有什麼夢幻的成長史，只有父母的愛與鼓勵，以及伴隨著愛背後不完美的原生家庭。

拍片50多年終於迎來史匹柏的私人解構，身為老史粉很開心看到了這部，拍了眾多大片依然能保持初心，在這部電影中徹徹底底的返璞歸真，不炫技、不自肥、不矯揉造作，好萊塢電影化後的半自傳作品，雖然虛虛實實還有待商確，但已明顯能感受到創作者的成長溫度與初衷。

Life can't be like a Hollywood movie, but life can dream like a Hollywood movie.★★★★☆#法貝爾曼#TheFabelmans #蜜雪兒威廉斯#保羅迪諾 #賽斯羅根#加布拉貝爾 #大衛林區#史蒂芬史匹柏 #約翰威廉斯

8.5/10，是一部贯彻着“交织”的电影。

首先分别由父母从理/感性的角度解释“电影”的本质，之后整个电影就是个人经历和影史发展的交织，从类“火车进站”，到30s开始的传统西部片、战后电影，最后到60s兴起的导演大卫·林奇本人，交织于自己/萨米的童年、少年和最后青年时期见到自己的偶像John Ford，甚至包括老斯本人过去多部影像的影子也交织在其中老斯调度没啥好说的，已入化境，不会被质疑也不可能被质疑全片最喜欢的两个片段：萨米发现了母亲的背叛，在不解和愤怒过去后，在影像的作用下，他最后原谅了母亲，因为在影像里，他终于看见母亲真正快乐的样子，也是通过影像，萨米和母亲才敞开心扉、谅解彼此；当其他孩子知道这件事后，萨米却毫无反应，镜子里的他的眼睛，就像镜子本身，也像一台摄像机，客观地注视也记录着这一切，而在这一刻，导演本人和萨米真正模糊在一起了有意思的转折：萨米被告知艺术和家人不能兼得，他却用影像和母亲完成和解；萨米被告知电影不是生活，导演本人却拍下了这部半自传电影

7.5分。

斯皮堡半自传体电影，凡尔赛版本的《八部半》。

看完这部片子，就能更精准地理解王宜文那本电影史中对斯皮尔伯格的描述：“通俗电影的旗手和领军人物、世界主流电影发展史的缩影、不触及真正的社会问题/电影核心功能是维系既有秩序”等等...全片的镜头运动手法纯熟，不着痕迹让观众无意识地陷入他制造的梦境中。

叙事节奏也很舒适，虽然没有什么奇观化的情节，但导演依靠他大师级的叙事功力使影片毫不枯燥。

片尾大卫·林奇扮演的约翰·福特也是亮点。

贡献了摄影构图的金科玉律“When the horizon's in the middle,it's boring as SHIT!”（当地平线在画面中间时，像屎一样无聊）斯皮尔伯格作为主流文化的代表/美国中产阶级的化身，这部电影的核心问题也是“太轻了”，所有的矛盾冲突、所有的麻烦困境都太轻了——当贫民窟的孩子们深陷帮派暴力和毒品麻烦时候，小伯格已经开始用8毫米胶片拍电影了；当街头的孩子们为了一顿饱饭而摸爬滚打的时候，小伯格遭遇的困境是父亲不给他买一台高配置的线性剪辑机；而少年伯格在为母亲精神出轨而困扰的时候，黑小子们长到十几岁却还不知道自己生父是谁...然而，世界是残酷的，电影是宽容的。

“幸运的人用童年治愈一生”。

那么，让我们来梳理一下这位世界级导演的家庭背景：他出生在一个美国中产阶级犹太家庭，父亲是高级电气工程师，二战时在部队做通讯官，退役后在美国大厂（通用电气）工作（相当于现在年入200w以上的阿里P8or华为19级？

），父亲性格严谨沉闷，但知识渊博。

母亲是名钢琴家，性格活泼烂漫，天真自由（当家里刮龙卷风的时候，所有人都仓皇逃跑，母亲却开车带着3个孩子去追逐风暴...）众所周知，电影是艺术与技术的结合，小伯格从母亲那遗传了艺术气质和探索精神，又从父亲那学习了filmmaker必备的理工知识，加上丰富的实践经验——从6岁就开始实拍，小时候用8mm胶片拍摄，十几岁时又认识富豪女朋友借到16mm的ARRI使用，具备手动回放功能的线性剪辑机也是一应俱全。

优渥的家庭条件提供了完备的物质基础，但是太过于平坦的人生经历却是伟大艺术家诞生的绊脚石。

巧合的是，少年斯皮堡因犹太血统遭遇的校园暴力和父母的离异又补齐了成为一名艺术家的最后短板——童年创伤和精神阴翳。

So，一名世界级导演终于诞生了。

看完电影，五味杂陈。

看吧，这世界就是这么不公平——你觉得他在凡尔赛，但这就是他真实的人生经历。

你觉得他的电影烈度不够（不触及灵魂），但票房总是能证明他的成功。

多说一句：曾经的好莱坞也曾“文艺”过，但斯蒂文75年的一部《大白鲨》以几十倍的投资回报比（900w美元成本，全球4.7亿票房）让所有“新好莱坞”的文艺逼们又滚回去拍商业片了。

真实的经历无可厚非，真实的情感无可指摘，真实的票房让特吕弗走向另一条路。

如果是梦，电影也是关于真实的梦。

看完《造梦之家》在整个前半部分都有点自惭形秽地难以带入。

不是斯皮尔伯格的问题，是来自于我出生的典型东亚式家庭尚且无法把家庭成员之间的“爱”放置显性和重要的位置之上。

因而大多情况下，沉默和突然爆发的愤怒取代了彼此的拥抱和哭泣间的理解与救赎。

从《头号玩家》开始，斯皮尔伯格就已经不加掩饰地向电影告白。

这种追索式的影片在导演职业生涯的早期和末期分别以不一样的姿态呈现。

看的时候一直忍不住在体验着斯皮尔伯格与他记忆的互文。

尤其是在主角对一直霸凌他的反犹同学说：“我不会说出去的，除非我把这一刻拍成电影。

”轻巧地击穿了主角与斯皮尔伯格，电影与现实记忆之间的壁垒。

观看电影的本身变成了记忆的读取，而无处不在又细致入微的调度时刻在提醒我幕后仍有一双手在剪辑台上控制一切。

整部电影都让我无法不想到《痛苦与荣耀》，让阿莫多瓦让男主角与母亲在最后一场戏中就该不该把她与她邻居的故事写下来拍出来时，我们正在看这一场戏。

观看的当下已然对流动的记忆产生了来自未来的答复。

疫情即将结束，看完《阿凡达2》和《造梦之家》都有一种心满意足。

我想他们也一样，都在珍惜地平线出现在银幕之上的每一秒。

全片核心矛盾是“家庭与艺术不可得兼”“利他与利己难以抉择”，片尾的地平线正是对此给出了回答。

孤独憔悴的父亲希望男主上大学，从事科学工作，父亲已经失去了母亲，男主不想再让他失望。

然而不让父亲失望，男主就要放弃心爱的电影事业。

男主在“上大学”和“拍电影”、在“安慰父亲”和“满足自我”之间举棋不定，持续内耗，两边都无法放下，安慰不了任何人，还把自己拉入了痛苦的深渊，就像一道平庸的、落在画面中央的地平线。

“地平线在下面，有意思。

地平线在上面，有意思。

地平线在中间，那是垃圾。

我说完了，现在滚出我的办公室，祝你好运。

”一语点醒梦中人。

家庭与艺术不可得兼，选哪个都没错，只要对自己的选择落子无悔做到极致，怕就怕在二者之间犹豫不决虚度时光，最终平庸而悔恨，一事无成。

所以男主听懂后大彻大悟，一身轻松地选择了拍电影，选择了实现自我。

男主的母亲也是，年轻时选择了家庭放弃了艺术，后来的出轨其实也是想回归艺术，“身在曹营心在汉”使家人和她自己都很痛苦，在反复纠结痛苦之后，她最终做出了果断的选择。