芝加哥

芝加哥算是第一部认真看完的音乐剧，不谈三观问题，只是讲讲我片面的观影感受。

之前看过电影里的片段，私心偏爱Velma。

电影看完后对Velma的评价会更加中肯一点，但相较于Roxie还是更喜欢Velma。

清纯中带点小性感怎么说呢？

我不单单只是讨厌Roxie的狡猾多端，其实最让我无法忍受的是她对待Amos的态度。

Amos算是全片三观最正常的一个人，他虽然是Roxie的舔狗，无论发生什么总是无条件相信Roxie（我看到她那张脸也不会怀疑她），但Amos是个懂得把握尺度的舔狗。

在知道Roxie与家具男有染时，他拒绝帮Roxie顶罪；在知道孩子不是自己的时，他毅然决然选择离婚。

反观Roxie，她因为Amos没有帮自己顶罪而恼羞成怒；当所有人抛弃她后，只有Amos在意她，而她却并不在意。

许多这样忘恩负义的时刻就注定了我不会太喜欢Roxie。

Roxie是真切的有一个明星梦，她的出身，她的经历，她的情史都过于普通。

在她作为一个家庭主妇时她没能出名，锒铛入狱后竟然因为恶名成为了“大明星”，但她也只是短暂的被芝加哥爱了一下，就像Billy所说：

That’s Chicago.但并不能说我一点也不喜欢这个角色。

我对Roxie的爱存在于她在舞台上故作性感时略显滑稽的模样，她清纯外表下那颗火热的心真的让我爱到不行！

舞台上的Roxie如果说按照故事性来看，Roxie是女主角；那我认为从综合上看，Velma才是当之无愧的女主角。

舞台上的VelmaVelma与Roxie最直观的不同点在于她对性感的把控更加熟练。

舞台上她永远是风情多种的，即使在杀人后接受记者采访时，她也是一种慵懒的美；而当她渐渐过气，无人问津时，她的光芒也依旧没能被掩盖，出证法庭时还是有把我惊艳到。

即使没有多余的妆容修饰，也依旧美得不可方物Velma的性格也很吸引我。

她懂得变通，初见她时，她因为发现妹妹和丈夫有染，不顾情面的“解决”了他们。

敢爱敢恨，十分果断。

并且在亲手杀了两个亲人后，可以不慌不忙地赶往夜总会进行最后一场演出，在表演时看到警察她也依旧从容，没有出现差错。

即使身为狱中囚，她也依旧保留着独属她的那份傲气和高贵。

而在意识到自己情况不如先前时，她也可以放低身价主动找Roxie希望合作。

I Can't Do It Alone.剧中的每一个舞蹈选段都堪称经典。

我最喜欢的Top3分别是《Cell Block Tango》《We Both Reached For The Gun》以及《Nowadays》。

◾️Cell Block Tango：五位谋杀亲夫的快乐寡妇为您带来一段精彩的女子监狱探戈。

我更改了这个选段原先的介绍，片中的介绍是“六位”，但事实上有一位匈牙利姐姐是被诬陷的杀人凶手，她也是全片最悲惨的一个人物。

唯一无罪的一个人竟然是库克郡立女子监狱第一个被处死刑的人，而真正犯罪的人却摇身一变成为了舞台上的明星，既讽刺又无奈。

我真的太喜欢那句“I didn't do it, But if I'd done it,How could you tell me that I was wrong?”真带感，感觉自己三观开始扭曲惹。

◽️We Both Reached For The Gun：一段十分经典的极具黑色幽默的木偶戏！

这一段正面体现出Billy的辩护能力之强，难怪经他手下没有一个死刑犯被判处死刑。

这段也很形象地表现出了Billy的辩护特点，在他的辩护过程中，整个法庭仿佛变成了一个木偶剧场，而他则是操控这一切的上帝。

Roxie身为被告，也只是剧场中的一个普通木偶，她甚至不用说话，全凭Billy为她制定的专属台词就能一炮成名。

Roxie和Velma之所以是主角就在于她们都不会轻易服从于Billy的操控，她们有自己的意识，会反抗Billy的一些对自己无益的决定。

♠️Nowdays：两名重获自由的监狱之花带来的一场末日狂欢！

平分秋色这段是Roxie和Velma两大女主在电影最后共同在芝加哥大剧院的表演。

也是全片最荒诞无经的一个部分。

为什么呢？

“唯一无罪的女人被处以死刑，而真正的杀人犯却在掌声和灯光下再次持枪。

”电影最后两名女主谢幕时不计前嫌挽手迎接观众们的欢呼喝彩，以及Roxie的那句“Thank you！

believe us，we could not have done it without you！

”真是全片最大的讽刺。

一言以蔽之，看这部电影千万要放下你的三观。

最后，我只想说：I love The Musicals forever!!!

《芝加哥》欲望总是能让你不择手段的失去自我。

同为迷失在都市中的两个可怜女人，却都同样沉迷于内心那份贪婪的欲望。

城市的浮华，人性的躁动，没什么能比歌舞类型片更贴切的表现那个娱乐至死的时代。

暗色系的现实生活，用浮夸的歌舞外放人物的心理活动，用这种略有戏谑的方式将人性的表里不一刻画的淋漓尽致。

作为第75届奥斯卡最佳影片得主，电影胜在剧情与歌舞的充分融合，丰满人物的塑造，以及对特定年代社会形态的冷嘲热讽。

值得一提的是在这个几乎为全女性的故事里，爱情（甚至包括友情）不再呈现出任何美好与憧憬，而是作为一切恶行的源头出现，讽刺的是你只有彻底舍弃这份情感，才有可能获得新生，这算得上是一黑到底了吧。

8分。

Ps：相比蕾妮·齐薇那张永远浮夸委屈的脸，凯瑟琳·泽塔-琼斯的表演确实要好出太多了。

在看完《歌厅》之后会惊讶没想到歌舞片还能这样拍，同样《芝加哥》再次打翻了我对歌舞片的认知。

All That Jazz的开头就非常吸引人，之后更是通过剧情设计和快节奏的把控，让你没有停下喘息的机会，不愧是奥斯卡最佳。

看完之后心潮澎湃所以跑来写了人生第一篇影评，为了方便，我将印象深刻的内容总结成了五点。

【1】首先来谈谈歌舞部分体现出的再现魅力。

最大的特色当然是歌舞片段和现实片段的交错融合，这个在歌舞片里也不是什么新鲜事物，把灯光黑下来，男女主角开始换装，然后变成舞台戏份，开始载歌载舞。

但是决定歌舞片成功与否的往往是歌舞片段是否比说台词来得更加吻合主旨。

简而言之，歌舞不是为了“唱出台词”那么简单，而是通过浓缩的精华表达出潜文本和主题。

而无疑该片的大多数歌舞片段都完美地承担了这个功能。

并且最突出的是，该片通过歌舞片段淋漓尽致地“再现”（Represent），最明显的代表就是“木偶戏”。

当Roxie犯案后出来回应媒体，Roxie言听计从地重复律师教她背诵的“官方回答”，木偶戏完美地将人物内心和客观状况进行了刻画和模拟。

木偶戏【2】歌舞+监狱的搭配。

正如片中Roxie说的Criminal is an Act，导演大胆地把监狱背景和歌舞片组合。

形式上导演把监狱变成了舞台，把犯人变成了明星，搭配强烈的视觉冲击和危险的诱惑与威胁。

内容上，该片的故事选择了从两个因为谋杀罪入狱的女人尝试洗清罪名的角度切入，他们虚荣的舞台梦想贯穿始终，这一点也体现了歌舞和监狱的融合。

歌舞与监狱，欲望与危险【3】前面说到剧情非常具有设计感，是因为你可以看到各个人物主人公的动机和行动变化轨迹，步步地通过人物内在动机和外在动机推动剧情发展。

比如说Roxie从傻白甜到手段高超的自我包装高手，有她想成名的内在动机的步步转变，也有律师和外界给她带来的关注的推动作用。

同理可推，每个人物的转变都是有依据的。

虽然这样的手段并非高超，但是却十分精准，通过人物动机转变推动剧情转变。

同样地由于匈牙利女人的被处刑触动了Roxie请回律师这一点也非常明显地证明了这一点。

或者说，剧情充满了反转，但是反转的设计恰又是十分到位的。

除此以外，剧情的主题表达也是非常饱满的。

剧情的主题围绕着人对于浮华的渴望，以讽刺的手法多次正反说明了浮华的沉浮只是一场关注力的游戏，每个人都将只是游戏的一个过时小丑。

女主1和女主2是最正面说明这个主题的例子，而律师则是通过为己所用的方式来印证这个虚伪的系统背后的人性逻辑，连群众都是明晰这个主题的，比如卖报小男孩在最终审判前就印刷好了“有罪”和“无罪”两版报纸来满足大家变态的好奇心，不管审判过程和最终结果如何，大家只关心这个八卦。

（也侧面讽刺了当时的新闻真实性）【4】再来谈谈节奏。

节奏方面从头到尾都非常紧凑，这也是让我感觉到编剧能力和导演调度能力厉害的地方。

强势且抓人耳目的开头让观众一直到舞台开始之后（2:48）才窥见了女主2的真面目，可谓是吊足了胃口。

随后主题故事慢慢展开，高潮层层出现，在即将疲惫的时候又会抖出大包袱来惊吓观众。

而在无聊的片段，又会通过小插曲的快速切入给观众提神。

比如在最终审判的那场戏里，女主的一个撩起裙摆的设计让严肃的场景瞬间又活泼了起来，群众的注意力再次被刺激。

总结来说，全片快速的剪辑和镜头移动让人感觉一直在一场嘉年华狂欢之中，这也恰好是影片中give them some razzle dazzle所讽刺的东西，吻合了主题。

【5】最后来谈谈镜头剪辑。

镜头的剪接沿袭了《歌厅》的特色，前后歌舞和现实的拼接造成了强烈的讽刺效果。

比如最后律师在辩护的时候，口若悬河地开始表演，下一秒的反应镜头直接采用了歌舞片段的观众反应，“再现”了观众的反应效果。

但是最讽刺的还是匈牙利女人被处刑的片段，把她现实被处刑的过程和展示“大变活人”的歌舞剪切在一起，在她被悬挂而死的下一刻，采取的是“大变活人”后观众欢呼的反应。

现实中人们有没有欢呼并不重要，导演只是利用这种手段达到他戏谑的效果。

如果这还不是“蒙太奇”手法的一种高级应用的话，我想不到还有别的形容。

最后一点点杂谈，本人此前对“芝加哥”文化没有了解，或许就像是洛杉矶LaLaLand意味着异想天开做白日梦一样，“芝加哥”这个“形容词”意味着名气和虚荣的稍纵即逝，每个人都可以在这座城市“成名15分钟”。

以上所有东西纯属个人观点，没有学术依据，因为看完电影太嗨了所以跑来分析一番。

非常喜欢《芝加哥》还有《歌厅》，这两部歌舞电影用饱满的表达和设计让我对电影艺术大开眼界。

2019年2月24日 写于上海

电影《芝加哥》中，没有故事，没有新闻，只有炒作，只有若有若无的绯闻计划，只有充满着酸甜苦辣的人生百味，一部歌舞剧竟道出这般深刻的人生哲理，从这个层面上讲，《芝加哥》着实不失奥斯卡水准，当然，亦是一部难得的佳片。

依常理，但凡歌舞剧，其势必喧嚣，其舞蹈必曼妙，要么谈情，要么说爱，风花雪月，才子佳人，加入煽情的成分则华丽转身，变穷小子追逐富家女的千古绝恋，《红磨坊》即如此，但风月归风月，其情虽刻骨铭心，但其理却尽显苍白肤浅。

人间冷暖，人生悲欣，在《芝加哥》中得到了淋漓尽致的完美呈现，观其外，音乐优美，舞蹈华丽，美女帅哥，动人心魂，摄人心魄；品其内，则酸甜苦辣，人生百味尽显无余，细细品味，则觉其内涵越深，其外延越广。

一个是怀揣着明星梦想的美丽女子被情人所蒙骗，结果，一怒之下，开枪将其击毙；一个是歌舞巨星因无法忍受男友和妹妹的暧昧而开枪将两者击毙，两人都被送往医院，等待法院的裁决。

主角的人生就犹如一场过山车游戏，先喜，再悲，再喜，再悲，最后皆大欢喜。

情节曲折，亦耐人寻味，她成功摆脱死刑的判决，和其懂得利用媒体和人们的同情心借机炒作密不可分，其在遭遇读者和媒体的冷漠后，不失时机的炒作自己，炒作大众话题，将其本人事件炒作的风生水起。

在芝加哥没有永远的明星，一切都是浮云，没有什么是恒久的，人们喜欢的只是那一个个的绯闻和炒作，这亦是当今这个媒介社会的真实写照，人生如戏，戏如人生。

《Chicago》只能用一个词来形容，就是惊艳。

作为一部歌舞电影，《Chicago》的成功不仅在于其深刻揭露了生活的真相与本质，更在于其使用高超独特的拍摄技法造成了不同寻常的视觉效果。

从整部电影的摄影来看，用光方面，影片大量使用戏剧光效，将戏剧光效和自然光效结合，自然光效提醒真实事件的发展，而戏剧光效引发观众的思考和对影片中人物的读解。

片中多处出现过曝光的大气透视效果和蓄意光不接，描述人物的心理感觉。

在暖色调里出现的阴影充满了不安全感，表现人物不稳定的内心状态。

色彩方面，影片中不断变化的色调呈现大的反差，突出表现了主要人物的个性。

有一小段消色处理作为报道内容与现实生活的区分。

构图方面，在运用假定的戏剧光效描述人物心理活动时，使用舞台调度方法，小景深，具有美感。

多用音乐歌舞剧形式来烘托角色，反映人物内心情绪变幻，增添华美情趣。

运动的人物大部分时候处于画面的黄金分割处，多变的背景使画面饱满而充满动感。

摄影机在拍摄舞台式场景时，多使用运动镜头，表现一种旺盛的精力和强盛的欲望，虚幻却强烈；在真实场景里多用固定镜头，与舞台式的场景进行区分，表现出稳定性和真实感。

镜头的推拉表现出片中主人公起伏不定的情绪和人物与环境的关系。

电影第一个镜头出现的是一双眼睛的特写，从之后的内容我们可以知道，这是女主角的眼睛，镜头慢慢推近，推至一只眼睛眼球直至瞳孔的特写，接着使用后期剪辑特效将画面渐变为电影名称中间的字母，自然而然引出电影标题。

从画面内容上说，首先是Roxie的眼部，眼睛微红，充满了渴望的神情，与电影开场后看Kelly表演时的状态前后呼应；以人脸的局部示人，有神秘感，容易引发人的观看兴趣。

镜头推近的运动方式象征着一种靠近和探索，充满索取和不依不饶的意味，这又和主人公的性格吻合。

表面简单的特效在我看来是有所用意的，Roxie这个人物就仿佛一种象征，她是Chicago这个大城市背景下的一个小人物，但她的经历有着鲜明的代表性，在Chicago这个城市，有着太多和她经历类似的人，她就是Chicago的代表。

某种程度上说，是环境极大影响甚至造就了人的命运。

紧随着一个男人口中快速念节奏的声音，Kelly引燃歌舞热力的开场序曲响起，电影镜头从男人的侧面剪影快速切换到剧场的顶灯，强光暗示着人们，又一个充满诱惑和欲望的夜晚开始了。

伴随热力十足的节奏，镜头快速切换和移动，由场内的顶部移至形态各异的人群。

从最开始的几个镜头就出现了明显的色偏，偏蓝的镜头迅速切换到灰黄色的场景，之后的镜头显示出剧院内有两大类不同色调的灯，一类是蓝色的冷色调灯光，一类是橘黄的的暖色调灯光，两种颜色搭配，造成一种刻意的不和谐。

舞厅的灯光是纯人工光，在拍摄时便于控制，此处的蓄意光不接意在说明剧场内的混乱，到处藏着冒险和成功的机遇，这便交代了芝加哥大环境缩影的基本状态。

而整体戏剧光效的使用则暗示着人们的虚伪，人性的异化。

Kelly的出场主要用了跟拍的形式，先是通过近景跟拍凌乱的步伐，侧面展现其内心的慌乱与不安。

接着将人物纳入后台的环境中，用中全景继续跟拍，晃动的镜头也暗示这画面中人物的情绪。

而一直用从人物背面跟拍的形式，能够很好的调动观众的兴趣，并达到之后人物登台表演的震撼效果。

之后的表演由两条线索构成，表演中的Kelly和与送奶工偷情的Kelly的仰慕者Roxie。

在色彩上，舞台中央的Kelly所处的环境呈幽蓝色，在光线的照射下产生了大气透视效果，显得朦胧而充满了诱惑；与此同时，Roxie处在一种由浅灰色转向昏黄的色调里，充满了阴暗的欲望和挑逗。

两位女性的动作和情绪都是不断变得激烈和兴奋，这其实暗示了两人日后的交集和互通的命运。

之后镜头集中于Roxie经历和变化，在室内出现的争执场面光效接近自然光，但由雾气制造出一种暧昧的氛围。

作为一部由经典歌舞剧改编的电影，歌舞场景自然少不了。

接着出现的就是Roxie的第一个舞台镜头，明黄色的灯光从左上方摄下，营造出温暖静谧之感。

在深蓝色的背景前，一束灯光直射在她的身上，而人物基本处于视觉中心的位置，又是受光点，能够完美地展现出舞者的表演，色彩和大气透视效果表现出一种虚幻，暗示观众这是主人公意念里的想象，与现实里的正常光效形成区分和对比。

一段表演过后，影片出现了多画面构图，左侧是舞台上暖色光照射下的Roxie，右侧是她坐在明亮灯具下全身却呈现惨淡青色的丈夫。

色彩和光线的区分显示出夫妻两人貌合神离的情形，红色象征着愤怒和压迫，青色则代表着压抑和痛苦。

画面中大部分时候都是处于偏上方向的位置，站立着；而她的丈夫以坐姿居于偏下的位置，这也暗示了两人的关系是压迫与被迫，欺骗与被骗。

整体的戏剧光效以及明显的大气透视效果呈现出一种虚幻的，明显区分于现实的情景，表明这一切只存在于为了登台而疯狂的女主人公脑海中。

同样，监狱长莫顿的舞台表演式出场也只是存在于Roxie的想象里，而影片利用歌舞表演的镜头极大地丰富了电影的内容，作为人物的内心独白，使得主要人物的形象变得丰满许多。

监狱里整体的灰色场景和酒吧里色彩饱和度极高的场景形成鲜明对比。

现实的残酷加重了主人公错乱程度，而歌舞便是人物最真实的内心独白。

监狱长联合囚犯，办任何事情都要高价收费的情况，暗示了芝加哥是个充斥着金钱和交易的城市。

接着就是女囚群舞一段上演了。

说到这一段，不得不提到影片优秀的音响效果。

整部电影用的大部分配乐是爵士音乐和探戈音乐，而在女囚歌舞这一段中，音乐与画面的配合非常到位。

水龙头的画面出现后接着想起滴水声，其后从女犯们口中发出的声音开始，每个声音都对应着视觉对象。

画面随着声音的加快，切换速度也不断加快，形成节奏。

接着女囚一个个出场，至此监狱已经完全变成了舞台。

女囚们在光线中舞蹈着，美感中充满怨恨和杀气。

每个女囚跳舞结束时都有几句歌曲和一段探戈舞结束，形成重叠以加强效果。

每段舞蹈的高潮时，灯光都会转为红色，作为死亡和鲜血的象征。

而舞蹈中她们每人手上都拿着的红丝巾也同样作为鲜明的意象，有着强烈的震撼力。

片中男主角Billy的出场仍然选用歌舞剧形式。

不同于监狱长莫顿的出场，Billy的出场没有真实场景进行切换，完全由在舞台上的表演构成。

人物在舞台上的活动也完全使用纯粹的舞台调度方法。

而对灯光的拍摄则是对情况假定性的一种强调。

在之后Roxie和Billy答记者提问的那一段，戏剧光效镜头和自然光效镜头进行切换，自然光效下看似正常的场景掩盖了真相，是虚假表像，而舞台上看似夸张的表演恰恰是对真相的揭露。

提线木偶的造型和两人一致的口型暗示着Roxie被Billy操纵的内幕，后半段女记者的加入则暗示传媒已经被收买，将进行不符实际的炒作。

将答记者会作为一场表演，也揭示出了人性的虚伪。

采访一结束立刻被报道，而关于报道内容的一段，全部是消色的。

这段情节是将报道的内容形象化，是经过舆论化的事实，不再是真相，为了与真相区分，所以采用了消色的手段。

Roxie成名后内心独白也有一段歌舞，这是一段单人表演，背景很简单，大多数为黑色，人工光照射在演员身上，很好地突出了主题。

采用舞台调度时，先是由远近推近至中景，由表现舞台环境逐渐集中表现人物的神情和动作。

为了不使画面太过单调，加入了镜子作为构图元素，使观众可以从多角度观看表演，也表现主人公的不稳定情绪。

在狱中Killiy为了说服Roxie和自己组成组合费劲口舌，Roxie脑海中Killiy的表演又被舞台化。

为了表现强有力的动感，使用的一直是运动镜头。

之后Roxie的丈夫小丑造型的表演揭示了他在整个事件中扮演的角色——在芝加哥，真心和善良被当做愚蠢，虚伪和邪恶却大行其道。

绞杀女囚的凄惨场景被处理成一场精美绝伦的演出，女人身穿白色的芭蕾舞裙，全身被灯光照亮，产生了一圈白得发亮的光晕。

而观众席上的人群都被染成了血红色。

女囚和观众产生了明显的区分，仿佛象征着女囚已经离开了尘世。

残忍冷漠的人们把绞杀看成是精彩的表演，毫无怜悯可言。

绝望的惨白色和惨烈的血红色出现在同一画面里，不仅具有极强的视觉冲击力，更强烈地震撼着人的心灵。

最后绞架上垂下的绳子作为摇晃的前景要摆在热烈欢呼的观众面前，其实也暗示了现实里人们对于一个生命消失的无情。

在两位女主人公均获得自由并最终决定合作后，她们有了一次真正的演出，这次两人身上的光都特别明亮，色偏的现象比较少，表明着通过媒体炒作的力量，她们获得了重生，获得了光明。

这部影片将人内心深处的恶揭露出来，影片中，情感是最无用的，性爱为的是名利，友情背后充满阴谋，人和人之间互相利用的关系显得那样天经地义。

在二三十年代的芝加哥，媒体炒作的水平已很是高超。

在这样的背景下，生活就像是一场舞台剧，华丽地上演着荒谬的情节。

一直以来都很喜欢歌舞片，CHICAGO的DVD和CD买了几年了一直未看，昨日先是偶然听了CD，那首“All That Jazz”实在是精彩绝伦，于是看了影片，看后深深着迷了，实在是太出色了，以至于我连续看了2天，很多片段细细欣赏了10多遍。

可以说，此片的音乐歌舞造诣在我心目中已经达到了登峰造极的高度。

本人很喜欢片中所描绘的20年代的芝加哥的场景，那种奢靡、浮华、势力的氛围实在是引人入胜。

此片的摄影水平也造诣极高，影片实在是太漂亮了，也是一场视觉盛宴。

片中2位女主角都很喜欢，相对而言，更欣赏蕾妮齐薇格，其在片中的表现无可挑剔。

相对之下，凯瑟琳泽塔琼斯的表现力因为剧本关系则相对要薄弱点。

此片中的每首歌舞都堪称精品。

开头的“All That Jazz”真是爱死了，这也是我最喜欢的JAZZ风格的曲调。

其后齐薇格的“Funny Honey”真的快让我融化了。

“Cell Block Tango”这个片段我看了不下10篇，实在是很震撼，当然可能有些人不大能接受这种风格。

“If You Are Good To Mama”唱的真的很有韵味。

“We Both Reach For The Gun”这段实在是太好玩了，使用木偶戏的场景真的是很有讽刺意味。

喜欢里面齐薇格的造型，真的很可爱。

此片中看的最多的片段是影片最后，连续3个场景演唱“Nowadays”，每一篇都独有韵味。

第一次是在Roxie被释放后，尤其是那句“And that's good”，其中good加重且加长了音，很好的唱出了Roxie无罪后的心态。

第二次是Roxie在面试时试唱，这段唱的则比较轻快。

第三次则是和VELMA合作在剧台演出，这幕场景十分喜欢，可以用恢宏壮丽太形容，仔细听的话，还可以听出ROXIE和VELMA不同的音调和语气。

后面的舞蹈场景中，可以看出齐薇格稍微瘦点，感觉其感性和调皮；而泽塔琼斯则是老到和成熟的。

演出最后齐薇格用激动的口气在说“Thank you”的时候，我忍不住笑了。

尽管这是个非现实的喜剧，但实在是值得细细回味。

现在这张原声CD一直放在手边，随时可能会听，用来放松心情真是不错的选择。

2003年作为美国歌舞片登峰造极之作的《芝加哥》拿下了包括最佳影片、最佳女配以及最佳音响在内的6项大奖，成为了那个疯狂夜晚的最大赢家。

然而当奥斯卡晚会的幕布落下，电影《芝加哥》所代表的美国歌舞片早已在好莱坞的中央舞台不见踪影。

这个诞生在有声电影初期的电影类型在一波又一波新的电影浪潮下失去了他在那个疯狂年代的无上地位。

最终空留一首《芝加哥》在加利福尼亚的夜空中延留。

作为类型电影中的代表，歌舞片是践行类型电影构架乌托邦世界原则最直接的片种，其构建的富丽堂皇、美轮美奂的舞台上漂亮的男女主人公在相互仰慕中翩然起舞。

营造出无上的兴奋和激情。

在上个世纪初资本主义普遍压抑人性的时代为人们开出一道发泄内心情感的出口，根据拉康的镜像理论，观众把电影中的主人公看作是自己，主人公在影片中通过努力获得成功，并最终娶得美人归，观众则通过镜像式的自我认同最终使得他们放下了在生活里贫困和辛劳，获得了前所未有的快感，并沉迷其中。

这就是歌舞片持续到60年代仍然经久不衰的根本原因，他前所未有的迎合了被工业社会所疏离的个体对于脱离现实前往梦幻的需求。

但是随着新好莱坞电影的到来，梦境被现实所取代，梦幻悄然的舞步被血腥的扫射所代替。

歌舞片走向衰落，而行至千禧年歌舞片手中也仅仅剩下怀旧复古这张牌了。

曾经不可一世的迎合观众奇观心理的歌舞片开始了又一次新的迎合，而这次瞄准的是战后婴儿潮对于70年代流行乐的怀念。

当然作为新兴文化工业的代表，此时的歌舞片身上也多了些别样的味道。

歌舞片所区别于其他类型电影的核心在于他的音乐和他在音乐中歌舞的人物，不同于其他类型，歌舞片需要在比较现实的叙事中平滑过渡到一个虚构的、幻想的世界中，在那个世界里沉浸在音乐和舞蹈之中，完成了对现实的摆脱。

这就是了歌舞片电影中的两个领域——现实主义的叙事领域和虚拟的歌舞领域。

在现实主义的叙事领域中，利用传统的叙事建构真实，随后在过渡到虚拟的歌舞领域上时打破这种真实感，通过这种打破来营造出歌舞片所特有的狂欢和喜悦，主人公暂时远离现实生活，忘记痛苦，在劳累中释放出来，戴上虚拟的面具，给观众带来前所未有的奇观化场景和快感。

《芝加哥》在这种领域的转换过程中来回跳切形成了特有的吸引力。

从而满足了现代社会中独特的现实需要。

极权引导佛洛姆在《逃避自由》里分析了现代社会中人为了寻求一种安全感和抚慰感，往往放弃自己的独立倾向，投身于权威之中，臣服于权威，从而获取安全感，而其所归属的威权主义则通过一系列的构建启蒙的方式来达到对人的控制，消除掉人的自我人性，从而达到一种神话式的崇拜。

两者一拍即合，形成了极权下的对人的自由的控制。

这原本是对纳粹极权统治的分析，但是在电影中被影片用来建构观众的认同感：《芝加哥》构建了一系列的歌舞与现实的跳切来达到对观众认同感的采集，从而获得对观众的操控，完成电影认同机制的建造，从而达成其快感制造的目的。

在一场回答记者提问的记者会中，女主罗茜在本该表演乖巧的记者会上出言不逊，律师弗林大怒，抢过话筒，此时画面一转，弗林、罗茜连同记者都置身于高度风格化的木偶剧歌舞领域，随着轻快的木偶戏音乐响起，画面在现实和木偶剧中来回跳切，弗林一面操纵着有发条的罗茜一面在背后的有节奏地回答着记者的提问，记者背后挂着长长的操纵绳随着福林的回答而摆动，镜头上移，舞台上空中巨大的弗林摆弄着提线。

与此同时镜头时不时回到现实主义的叙事领域避免观众忘记真正的叙事场景，但是在两个领域中始终存在着音乐的渲染，目的是将两个场景无缝的衔接。

在一番缠斗之后，记者们接受了弗林所宣扬的罗茜自卫杀人的谎言，立即，媒体身上无主见的、被操控的形象以及弗林掌控着罗茜发条的暗示就在歌舞升平的喜悦之中被植入到了观众的心里，若是只存在现实主义的叙事领域，说服性则会大打折扣，观众对于剧情的认同相对较低，会导致观众信任威权主义，也就无法沉浸在电影中。

反而是木偶剧歌舞这一奇观化领域中提线木偶的暗示和巨型弗林的舞动产生了巨大的说服效果。

使得观众找到了认同感，心甘情愿的归顺于电影，观众臣服于弗林的巧舌如簧，沉浸在电影为观众设好的认同机制中，为后来的弗林轻而易举的逆转审判局势以及玩弄罗茜的情绪设下埋伏——弗林可以操控这些无主见的人包括陪审团。

这就是利用歌舞的迷狂之感来完成威权主义的构造，充分吸引住观众而达成对观众认同的构建，使得观众沉浸在电影中。

同样的效果出现在影片开头罗茜欺骗丈夫替她杀人顶包的场景中，一面是叙事场景中丈夫极力的袒护妻子，将杀人的罪行往自己身上揽，一面是歌舞领域中罗茜对丈夫的行为的感激和不屑，跳切之下，丈夫极为怯懦且无能的形象跃然于银幕，单单叙事所产生的认同机制不足以让观众沉浸，是罗茜妩媚的歌舞让观众放下自由，走向了电影的威权主义，而这一次认同机制的构造同样也有着女性作为凝视对象对男性观众的吸引的作用。

接下来就谈到通过色情的凝视，电影构建起了一套完整的认同机制。

色情的凝视与女权主义作为对美国20世纪70年代歌舞剧的改编，他留下了原作歌舞剧中极富特色的元素，性感的着装和舞姿极有挑逗性，而这一点就构成了电影另一种构建观众认同感的机制——色情的凝视，在影片开场，凯莉热舞的歌舞领域和罗茜与情夫偷情的现实领域的转换中，一边是凯莉肆意的舞蹈，无论从动作还是歌词都充满了情欲的味道，另一边，罗茜和情妇偷情的场景恰好和凯莉的舞蹈形成节奏感，观众在凝视之中被构建起了认同感，随后凯莉的舞蹈戛然而止，罗茜枪击了负心的情夫，影片在哗然中拉开帷幕。

然而就是这样利用色情凝视建立起认同机制的非女权主义电影，在电影的的尾声用一场盛大的Ending宣告了她们作为千禧年那个时代女性地位崛起社会背景的现实映射。

罗茜和凯莉重获自由两人联手重启歌舞事业，而这首歌舞中途，两人拿起了枪，那个他们曾经用来反抗男权但是导致他们锒铛入狱的枪，如今他们又拿起来伴随着舞步挥舞缠动，而这次却引发了台下观众的欢呼，两人背向观众，向着象征着男权的红色背景扫射，背景墙上留下罗茜、凯莉的名字，无疑就是宣告着在两人的通力合作之下，女权主义取得了成功，完成了对社会背景的映射。

影片向我们展示了处于上世纪大企业黄金年代的美国芝加哥，在那样一个表面经济繁荣的社会形态下，人民心态受经济影响而产生的畸变是多么的可怕与荒诞。

导演通过影像的手法淋漓尽致地把歌舞升平的芝加哥中暗涌的名利暗流以及在这种涌动中人性和社会价值观念的异化呈现在观众的面前。

《Chicago》作为一部典型的歌舞片，以一定的剧情为主线，以音乐的叙事方法，通过绚烂的歌舞形式来烘托出主题。

在歌舞片中，常常会通过配对的人物来实现“拯救”的主题，通过一系列对抗性的情节，最终实现双方的相互拯救（引自《电影阅读方法与实例》）。

女主人公Roxie在影片开始时企图通过出卖自己的肉体来得到一个成名的机会，为了一个纯真的梦想而割舍了现实自己的纯真是多么的可笑与荒谬！

人民的心态在那样一个浮华糜烂的社会风气之下变成如此颠覆传统的意识。

好在，故事的最后Roxie和女二号Velma在经过了一系列的波折之后，最终通过自身的努力和合作赢得了掌声，而并非像最初的通过利用他人、捏造事实、依仗社会舆论等来得到注意。

当然我们也不难看出，这种特属于芝加哥的娱乐方式是被社会常态化的畸形的娱乐。

人们只有通过鲜血、暴力、或是层出不穷的罪恶才能达到兴奋，才能满足对于新鲜事物的欲望。

这是一种多么荒诞又让人无法理解的人性悲剧。

就像片中那个匈牙利女囚的死亡一样是否是在告诉人们，代表高雅的芭蕾已经像她一样死亡和没落了呢？

我们究其根源，虽然社会的经济形态起着决定作用，但社会舆论也需要在其中负很大的责任。

大众爱八卦，媒体爱话题，人要出名就要靠广播报纸的大肆报道，在这种恶性循环之外更是催生了一大批像Roxie这样的普通民众以及Billy这样需要靠传媒靠话题为生的律师。

甚至到影片的最后媒体的操作已经影响到了司法公正，社会舆论的力量已经改变了人们生活的方方面面，在如此这般黑暗与丑陋的芝加哥，人们怎样维持住自身的纯真呢？

影片中充斥着大量宣扬女权主义的话语，但又很戏剧性地让Billy这样一个男性人物去拯救那些杀害男人的女人们。

即便影片最后她们两个是靠自己的努力与合作赢得满堂彩，Roxie和Velma的成功也是不可否认地建立在Billy对她们最初的拯救之上。

所以纵观整部影片，男女的地位始终处在一种相对公平的状态下，世界是男女搭配下才能平衡的。

而社会经济体制下、社会舆论的控制下人们价值观念的改变着实是非常可怕的。

除了《Chicago》的主题层面之外，作为视觉元素的摄影手法也是相当值得一提的。

影片一开场就是主人公一双眼睛的特写镜头，并紧接着推镜头通过放大使之得到强化，形成巨大的视觉冲击力，牢牢地抓住了观众的注意力。

马上镜头带领观众来到了一个人声鼎沸的酒吧中，通过快速高频率的镜头切换让观众大致地扫视了整个酒吧的环境与其中的人物。

而这种快速无序的画面剪切与拼贴在整部影片中不断使用，通过大量的跳接给观众带来视觉接受上的断裂，造成观众审美接受上的间断性和跳跃性，从而加快了影片的节奏以及紧张感。

就整部影片中摄影机的状态来说，运动摄影毫无疑问的占了主导地位，尤其是像《Chicago》这类的歌舞片，多角度多机位多功能才能将歌舞的情绪色彩以及其视觉快感表现出来。

其中女二号Velma出场时的跟镜头不仅交代了环境而且同时让观众与剧中人物产生同样的紧张感，跟随着其脚步参与到故事的发展中去。

又如，阿莫斯出场时点缀用的移镜头，从记者拍家具商的尸体开始镜头不断移动，扫描了整个房间中的状况后镜头移到了阿莫斯，模拟了警长怀疑其口供的视点。

还有在牢房探戈开始之前的一个典型俯拍镜头，画面突然只剩下Roxie以及一张圆桌和一把椅子，一种压迫感和宿命感随即产生，追光灯的使用更是加强了上帝视点的效果，预示着紧接着就将发生什么。

因而，相比较固定摄影，移动摄影更能够增加影片的节奏感，使观众的感受更贴近真实状态。

另一方面，就影片的构图来说，《Chicago》属于动态构图以及开放式的构图。

由于歌舞片的基本要求在里面，构图的封闭会使画面缺少动感而失去影片所要营造的节奏，而且画框中的世界并不是孤立存在的，它时刻要与外界发生着关系。

例如警长在审问阿莫斯以及Roxie产生心理活动的时候，画面中舞台上同时出现了他们两个人，而且明显Roxie所占屏幕的比例比阿莫斯多，这种构图加大了两人的疏离感，形象地表达出两人关系的恶化，同时将观众的注意力有效地引向了画面内容中去。

另外Roxie在监狱厕所中偷听妈妈与Velma谈话的那段，导演通过狭小的一条缝模拟了Roxie的视域，将画面两边遮挡，形成偷窥的胆怯感，让观众同样产生身临其境的感觉，增加观众对主人公的认同感。

电影的构图不同于绘画摄影等静态的视觉艺术，它不仅是动态的视觉艺术也是表现电影完整意义的重要因素。

因而研究电影的构图要从各个方面进行探索。

《Chicago》中的色彩绝对是分析影片时不能忽略的，其重要性是毋庸置疑的。

整部影片都给人以高反差的视觉效果，首先是现实世界中偏冷的效果与心理活动中暖色效果的对比，其次还有舞台表演时不同人物的冷暖色效果对比都强烈地表现出一种讽刺的意味。

在心理感受上，红色作为暖色传达出紧张感与积极感，例如Billy的出场舞蹈、牢房探戈、木偶舞等几乎所有的舞台表演都是运用的红色舞台灯光，营造出一种快节奏突出、向外扩张的态势。

而在影片前段中Roxie与阿莫斯同时出现在舞台上的那段，Roxie微微泛橙色的红和阿莫斯的冷调深蓝色形成强烈的反差，一方面表现出阿莫斯郁结孤独感，另一方面也说明他们两人关系的进一步恶化。

而整体舞台色彩比现实中的鲜艳，更是讽刺地说明芝加哥是个声色犬马的世界，营造出荒诞嬉笑的电影氛围和一种强烈的讽刺效果。

最后，影片中的用光更是值得称道。

光是电影拍摄中最为重要的因素之一，光运用的好，对于整部影片的艺术价值提升具有非常重要的作用。

《Chicago》舞台上的追光灯等直射光的运用对于表现人物的轮廓与立体感起到重要作用，也增强了影片的戏剧性。

影片中阿莫斯的歌舞和Roxie唱《funny honey》的那段，逆光的运用使人物的轮廓表现最佳，获得剪影的效果明显。

其中唯独阿莫斯的歌舞用光使用的是单纯的暖色光，不像其他主角的歌舞表演用的是红色舞台光，这也从另一方面表现出整部影片中只有阿莫斯是诚实善良的，但这种品格在那个年代简直就是他的痛苦与不幸，这又是何其的讽刺和悲哀啊。

在光线的影调层次上，舞台光都是采用的高调光，用以表现其活跃与热闹也加强了空间的虚幻感。

同样是舞台上，在Roxie最后试镜的地方就相比较更为低调，表现出一种暗淡与凝重。

而在光线的造型效果方面，本片集自然光效与戏剧光效于一身，但着重还是偏向于戏剧光效，这与影片的题材是密不可分的。

在现实的世界中，自然光效能够充分的体现其逼真性与纪实性。

而戏剧光效的大量运用更加突出了与现实之间的差异性和人为装饰性，使物质世界与精神世界形成强烈的反差，从而表达影片的主旨。

本片不仅在以上方面有着突出特点，其影片的视点也是涉及到好几种。

像刚开始时Roxie的主观视点，到后来的预告性视点等让观众在观赏影片之时带有紧张感，更容易投身于角色中去，加强了影片的可看性。

综上所述，本片是一部集所有商业片要素于一身的商业片，同时又是一部具有现实批判性和艺术性的文艺片。

影片不断利用歌舞片段来切换现实世界和人物心理活动，运用人物的重复出现和人物动作的一致性来表现剧情，突出了事件发生的重叠性和重复的主题。

在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中，将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。

《芝加哥》不乏浓墨重彩,歌舞升腾。

但是在一组组幽默的、搞笑的镜头后,依然发射出冷峻、犀利的锋芒。

影片中的情节设置和人物设置都赋予幽默和搞笑,以诙谐、游戏的态度反衬严肃的主题,以喜剧的形式表现悲剧的内容,让观众在轻松的剧情里思考着不轻松的主题。

首先,片中的剧情始终围绕着律师比利如何想方设法帮助罗克茜成为舞台上的明星。

舞台是一个表演的空间,不同于真实的世界。

舞台上表演的成功离不开台下的精心策划、反复演练。

这就使得剧本中包装明星的一切造假活动得以顺理成章地展开。

比利为了让罗克茜成为明星,首先是对罗克茜的身世、经历、作案动机重新编造,对她进行形象包装,然后他们不分昼夜地进行演练,直到罗克茜能把编造的台词背得滚瓜烂熟,脱口而出。

接着,比利进行了精心的策划:一是罗克茜答记者问那场戏,借助新闻效应,罗克茜一夜成名,由一个杀人凶手摇身一变,成为一个受人同情的无辜的弱者;一是法庭上比利为罗克茜辩护的那场戏,罗克茜无罪释放。

同样是借助新闻效应,罗克茜与凯莉成为舞台巨星,她们那精彩的双人舞赢得了观众雷鸣般的掌声。

但给观众印象最深的却是台下比利那灿烂的微笑``````舞台后的暗箱操作与舞台上的完美演出、罗克茜的谎话连篇与老百姓的信以为真、比利的惟利是图与法庭上的道貌岸然都构成了一组组强烈的对比,具有很强的讽刺性。

其次,影片中的人物都表现出扭曲变形。

人丧失了智性情感,不再高雅伟岸,温柔美丽,而变得猥琐渺小,滑稽可笑。

从律师到“无辜的受害者”,从新闻记者到法庭审判官,从明星到追星族都成了揶揄调笑的对象。

即使是忠厚善良的老实人汤马斯———罗克茜的丈夫也不例外。

忠实的汤马斯,为了不让妻子入狱,强忍戴绿帽的耻辱,主动承认自己是杀人犯;为了给比利付5000 元律师费,汤马斯东拼西凑,倾家荡产也在所不惜。

当听到妻子编造的怀孕日期时,老实人终于爆发出对妻子不忠的愤怒,但他并没有放弃对妻子的救赎。

法庭上,众记者烟消云散后,只有他在那儿耐心地等待着妻子的归来。

这反而让罗克茜觉得奇怪:“你要干什么?”“我想带你回家———你想要的,还有孩子。

”“这不可能!”罗克茜尖叫起来“, 天啊! 你真的相信? 我没有孩子。

”说完,罗克茜再也不关心丈夫的存在,只顾看着窗外,为自己不再受关注而百思不得其解。

“没有?”可怜的汤马斯好象掉进了一团雾水里,独自一人悻悻地转身而去。

在影片中,诚实善良反而变得可笑,痛苦和不幸成了开玩笑的对象,人类的处境变得冷酷而荒谬。

人们不再天真,不再有理想,不再有崇高感和悲剧感。

面对自身这一现实处境,人们甚至没有愤怒,只有麻木,就象汤马斯一样。

正如哈桑在《后现代转折》中所说:“后现代不再狂躁,他在冷漠的世界中,展示了后现代艺术家眼中那恐怖和卑琐的世界。

”但在这种表面平静中,却蕴藏着内里的冷嘲、戏谑与解构。

“戏笑释一切”、“一切皆戏笑”是该片的特点,也是后现代电影共同的基调。

但该片在镜头语言的使用上,有时过于强调后现代电影的拼贴意识———对故事的叙述采用无序的拼贴、画面与画面之间使用大量的跳接,这样有时会给观众带来视觉接受上的断裂,造成观众审美接受上的间断性、跳跃性。

尽管这样《, 芝加哥》依然是一部上乘之作,它的成功给我们带来很多的启示。

首先,该片包含了成功的商业片所具备的多种元素。

如该片具有很强的视觉冲击力,片中大量的歌舞表演都具有很强的时代性、观赏性。

在那充满着动感诱惑与活力四射的歌舞表演中洋溢者浓浓的异域激情和个性张力。

该片的好莱坞色彩也十分浓厚,造型、剪辑、声音的优质要求使得这部作品是一部符合好的工业标准的作品。

此外,该片情节曲折,凶手与美女、嫉妒与阴谋的情节设置使得片中剧情环环相扣、层层深入。

其次,该片还具有很强的现实批判性、艺术性。

因为一部影片仅仅具有商业性还是不够的,有艺术性的电影才会有长久的生命力。

《芝加哥》结构紧凑,人物个性鲜明,让观众在色香味俱佳的视觉拼盘中感悟那深层的社会内涵和强烈的批判意识。

马赛尔·马尔丹曾说过:电影是一种企业,也是一门艺术;是一种语言,也是一种存在。

影片的商业性和艺术性并不矛盾。

《芝加哥》就在电影的商业性与艺术性之间找到了一个很好的平衡点。

很久以前，就看了芝加哥的电影版，立马就被深深地震撼到了。

影片通过大胆的编舞，服装道具设计，加上凌厉的剪辑，在虚实中来回切换，把故事人物那种迷恋金钱和权力的虚伪，游刃有余地操控舆论，整个芝加哥娱乐业乃至整个社会的堕落和冷漠表现得如此具体和精准。

即使电影版的故事，音乐还有一些概念性的元素都是源自音乐剧，但导演还是充分利用了电影的特有优势，在原有的基础上进行了再创新，融入了很多新的想法，生动地展现到观众的面前。

一个明显的创新之处就是将舞蹈世界和故事里的现实世界进行了的切割。

当舞蹈和歌曲展现角色内心世界时，用的是暖色调和各种夸张，金色闪亮的道具来强化他们内心堕落糜烂的形象；而在现实世界则用冷色调来反映周边环境、群众只追求爆炸性新闻的刺激和冷漠。

比如女监狱长莫顿的登场，在舞蹈的世界里她的造型穿金带银，皇冠，大金链子，大羽毛扇，无一不象征了她在监狱里的绝对权力。

而在现实世界里，看看是如何介绍她的初次亮相的？

第一个镜头先给到她的大胸，导演用这样一种隐晦的方式暗示了她的话语权。

当然这种风格上的反差只是形式上的，内容上导演则用快速剪辑通过角色连贯的动作将两个世界连贯起来。

此外还有一些其他的细节，比如用木偶戏来表现律师一手操控自己的客户，为她塑造“人设”，一手又操控新闻记者为舆论造势。

这个idea也许音乐剧里就有，但是电影版里导演用自己的想法将这个idea以这样更生动的方式展现出来。

又比如经典的cell block tango，开头用水滴声，脚步声和手指敲桌子的声音，混合组成了这段舞蹈配乐的前奏，让我想起了鲁宾·马莫利安的《公主艳史》的开头，这样声音的蒙太奇剪辑，妙啊！

难怪可以拿奥斯卡最佳音响

在舞蹈中巧妙地用红丝巾代表鲜血和谋杀。

整个编舞也是充满了力量和性感，同时还是用快速的剪辑来暗示每个人在作案时的冷漠和残忍。

我只能说，我从未想到过一个黑色犯罪题材可以和歌舞片能够融合地如此完美。

所以前一阵，当发现深圳有芝加哥音乐剧时，我自然是非常期待，希望能再次被震撼到了。

然而遗憾的是实际看下来的效果实在令人失望，看完感觉还挺出戏的。

出戏的原因主要有以下几点：第一，语言上的障碍。

由于芝加哥音乐剧全程英语对白，中文字幕只通过两边又窄又短而且还是竖着的屏幕展示，这个中文翻译得特别简单不说，更主要的是导致整个过程中我的目光要不断地在边上的字幕板和舞台中央来回游走，根本无法集中注意力欣赏表演本身。

而电影的字幕在屏幕下方，观看起来方便多了。

我算能听懂一些英文并且对剧情有所了解，尚且如此，那些完全是第一次来看的观众想必就更累了。

此外，也由于现场座位和舞台的距离，很难看清台上演员的面部表情，即使有细节的呈现，没有像电影那样的特写镜头，也很难捕捉到，代入感大打折扣。

第二，音乐剧是在舞台上实打实的表演，比较难在时间和空间上自由切换，有时候从左侧表演直接切换到右侧就代表了地点和时间的转换，过渡的节奏很快，观众很容易跟不上；同时也缺少交代故事发生背景和地点的背景板，导致看的时候总有一种不连贯的感觉。

听不懂讲什么，看不明演了什么，自然就出戏了。

更不用说去仔细欣赏演员们的唱功了。

第三，灯光和舞台上的道具也比较单一，很少有大型道具支持，如果舞台本身就这么大，怎么搞出大排场来？

无非还是靠剧场内本身的机关(主要是舞台中央的升降机，还有两侧可收放的垂直梯子)和灯光来营造，烘托气氛。

但是这些手段完全无法呈现故事本身传递的那种浮夸，纸醉金迷的感觉，灯光效果也一般，无法和电影版的效果相比。

只有在结尾是从顶上洒下了blingbling的碎屑算是把故事推向高潮。

（电影版的灯光非常用心，如下图，白色，红色，黑色异常分明,有条理地分割着同一个画面，每种颜色背后都代表了不同的涵义。

但是在我看的音乐剧版本里就没有这样的效果。

)

总的来说，音乐剧和电影相比，缺少多样的表现手段，电影有太多的手段来丰富最终的呈现效果，可以通过蒙太奇的剪辑实现时间和空间的跳跃，通过后期的特效来强化视觉表现力，通过不同的镜头给到特写或者远景来展示故事的背景或调动观众情绪。

但是音乐剧这些都没有。

我觉得剧院的条件对于音乐剧的呈现效果起着很大的作用，我去的南山大剧院，舞台的长度和纵深都不算大，各方面配置也都很一般，基本也就决定了演出效果的上限。

当然，我并不想说音乐剧被电影完爆，音乐剧作为另一种艺术表达形式，自然有它的优点，我作为音乐剧方面的小白，能想到的优点之一就是音乐剧的演员在声乐和舞蹈方面的经验和专业程度是远远超过电影里的演员的，而现场观摩如此高专业度的演出一定是另一种享受。

举例来说，我在B站看过一段悲惨世界25周年《do you hear people sing》 的片段，同样也没有什么逼真的布景，但里面的演员从脸上的表情到声音的情绪，咬字发力，都远远超过悲惨世界电影版的演绎，即使隔着屏幕我都被感染到了；当然也有一部分原因是因为给了演员脸上的特写镜头，不过现场也是有三块大屏幕的，相信现场体验绝对震撼。

我想还是会期待以后有机会去百老汇，看一看正宗的芝加哥音乐剧到底是什么样。