爱乐之城

如果你是一名不相信爱情的单身狗，恭喜你，此片绝对是你的励志片。

而我恰恰是个有精神洁癖的浪漫主义者，所以抨击这个电影是必然的结果。

我讨厌LA LA LAND最重要的原因，是它传递的那种价值观。

成功（野心）比爱更重要。

你想想导演对他所谓梦想的设定：演电影，成名，嫁给有钱人，有钱。

开爵士酒吧，终于赚钱了，全是人，有钱。

所以整个电影对梦想的定义就是，有钱了。

呵呵。

仔细说来这个爆裂鼓手的导演真的不适合拍爱情片啊，简直是爱情片的灾难。

他的爆裂鼓手里电影刚开始十分钟男主就因为进了乐队要专心打鼓和女友分分钟说分手。

爱情在这个导演眼里就跟卖菜一样。

现在真的来正儿八经迫害爱情电影了。

这种爱情观导向真的要教坏小朋友。

虽然说LOVE这个词已经被陈词滥调说了无数遍，几乎被用坏了，现在宣扬爱，谁就被骂成撒鸡汤。

你看看这个片有多火就该知道当今世界的主流价值观早就把成功和个人主义奉为第一位了。

人们不相信宗教，不相信爱情，只相信自我成功的实现。

在此我不附上任何评价，也不知道这是时代的进步还是悲哀。

再说爱情，这个世界的浪漫是如此廉价了吗。

是灯红酒绿，是一曲对唱，是瞬间同居，是无法退让妥协磨合就散。

是多年以后的一声叹息？

别用自己那点野心和自私说成生活本就如此。

不够爱，就滚好吗。

也不要多年以后留下廉价的眼泪。

爱情是很多妥协，很多牺牲，很多痛苦，很多付出。

不是简单的，“OK，你只管自己的事情，那我们分手吧”。

"OK,我要去巴黎了。

异地咋办？

看着办呗。

”如果只是简单的小言情下也无可厚非，只是请不要在结局把立意抬的这么高好吗。

因为，明明就啥都不是。

不经过点歇斯底里，分分合合，不聚不散，根本就不配说是深爱过。

请问男女主究竟为他们的感情做出什么牺牲和付出了？

如果男主是为了女主过的更好，暂时放弃他的爵士梦，还情有可原的话，那女主究竟干什么了？

除了作，无止境的作！

再者，男主暂时放弃爵士追求流行乐说到底也SERVE他自己的INTEREST。

当镜头转到女主一身名牌成为明星趾高气扬去买咖啡的时候，当镜头转到她嫁了富豪住进豪宅时，我真的觉得自己走错了影院。

不好意思，这样的三观我无法接受。

这样的成功我也不能苟同。

OKAY，如果真的你是为了梦想不择手段，就请你做婊子做到底。

不要在走入当年旧情人开的酒吧时，感叹万分，赚观众眼泪。

情圣也让你做了，梦想也让你追了，你是有多完美？

仔细想想女主真是很可怕的人，见不得男主成功，用他的梦想道德绑架他让他不爽。

只是因为自己一事无成游手好闲。

自己却因为一场话剧失败和别人的闲言碎语就彻底放弃回老家不见人。

这样的态度也可以最后成功？

这样的成功也来的太方便了吧。

结果真的轮到她自己的机会来了，却没有为这段感情争取过半点。

所以这个电影。

梦想也没交代清楚，爱情也没交代清楚。

他们怎么就相爱了？

是因为真心心心相惜，还是电影中指出的落魄时相互取暖而已？

他们怎么就分手了？

是因为坚持不了3个月的异地恋？

还是女主越来越红地位悬殊了？

女主对演员梦想的追逐，究竟是因为喜欢演戏，还是只是想做大明星，嫁给富豪？

男主对爵士梦想的追逐到底在哪里。

他为什么会放弃流行音乐，是因为赚够了钱？

之前那段对爵士几乎放弃的说辞去哪了？

导演对于流行音乐的嘲讽和贬低也很disrepectful,好像音乐就有贵贱之分一样。

想当初爵士也称霸过整个音乐市场好吗，也就是说，它就是当时的“流行音乐”啊。

太多未解之谜。

不是用春夏秋冬的流水账能说明的。

也不是用一句5年后能敷衍的！

唯一一段赚足观众热泪的现实和梦想的对比，拜托那是照抄“与莎莫的五百天”玩剩下的好吗？

抄袭，赤裸裸的抄袭啊。。。。。

救命。

故事可不能这么讲啊，大哥。

我是付钱来看电影的，不是付钱来听音乐剧的。

不好意思，这样三观不正，逻辑混乱的电影不能忍。

真不能忍。

就算有LA华丽的外衣也抵挡不住内里那股铜臭气。

不过如果歌舞片是看个开心就好，那么我承认我是太认真了。

呵呵哒。

P.S.,关于评论的一些补充：后记1.有网友认为我玛丽苏。

男女主不在一起我就不开心了。

说实话，我强调很多遍，要黑就一身黑，像爆裂鼓手。

要丧就丧到底，就像蓝色情人节，要纯爱就纯爱到死，就像恋恋笔记本。

不要既唱歌，又跳舞，既纯爱，又现实，既要钱，又舍不得爱。

弄出一付我是逼不得已，我是身不由己，是社会逼的，是现实逼的，是好莱坞逼的。

我只能用一个词形容。

hypocrite.当然这也是很多美国人的价值观，看上去很美，就好。

i will always love you，然后就分手再也不见。

这样的I love you简直是一种诅咒。

后记2.有评论问我多大。

请问我多大和这个观点有关系吗？

好像这年头相信爱情的人都很幼稚一样。

好像轻易放手就是一种更高尚更成熟的做法一样。

好像有爱情洁癖的人都他妈是活在自己世界里的处女一样。

更有甚者直接人身攻击我不经世事在这里哗众取宠。

我想说，哗众取宠的是这部电影。

打着梦想的旗号，披着爱情的羊皮，说着一个既不是爱情也不是梦想的故事。

关于年龄的问题。

答案是，我不小了。

但仍然相信因为够爱所以仍然可以在一起的事情。

相信相遇6个月因为够爱就闪婚然后美好的在一起不分离的爱情。

也相信经历了3年异地因为够爱还是结婚生子在一起的爱情。

唯一，一点执拗和偏执，就是不能容忍，这样轻易说分手的感情，叫做深爱。

如果这都算爱情，如果分手遗憾更成全了你心目中的永恒，那么那些相濡以沫一辈子不离不弃的感情变成了什么。

回到原话，就算我80岁了，我还是坚持我的观点。

真的爱就是不离不弃。

其他，都他妈是佯装爱情的骗子。

骨子都是爱自己。

不是爱对方，也不是爱爱情本身。

现实世界是很残酷，如果长大和成熟意味着妥协对爱的标准。

认为只要曾经拥有都算爱情的话。

那这辈子要留多少不值得的眼泪。

真的爱，不会走。

反之，亦然。

套用我最好朋友COCO的一句话，爱情，至上，怎么了？

后记3.说来很悲凉。

我的原则就是。

做人。

做梦。

做爱。

都要做到极致。

一定要争取。

我最喜欢的电影《伊丽莎白小镇》里说，those who risk, win.要梦想，就不择手段去追啊。

喜欢的人，梦里梦到就去见啊。

爱的人，怎么能轻易放弃。

爱都能轻易放弃了，你的人生成什么了。

（这句话是高晓松说的。。

）如果什么努力都做了。

我认。

都是自己选的路。

跪着也要走下去。

不要回头。

不要哭。

不要像电影里一样，想what if。

用力爱，努力活，去撕啊！

奥斯汀有一睹涂鸦墙，上面写着：love is the only magic。

相信爱情，就是相信人性。

我愿意相信。

后记4. 时隔半年再回头来看，没有之前那么执着了。

对于感情，我很认真。

我很忠实。

我们也都努力过了。

那就够了。

人生有什么大不了。

一定要呆在对方身边，为此放弃一切的感情也是可悲的。

要先爱自己，实现自我，才有能力感染别人，给你爱的人快乐。

真爱的确是一辈子的不离不弃。

是有人要牺牲要妥协要承担要付出的。

不是平白无故。

但对某些人来说，厮守在爱的人身边，放弃自己的梦想不顾，是不会真正快乐的。

逼迫对方放弃自己的梦想，厮守在你的身边，对方也不会快乐。

真正快乐的，是你情我愿。

是拉着彼此的手，看到更广阔的世界，更大的可能。

不是一句”来我家吧“，而是，“我跟你走”。

不过，如果你有幸，遇见那个和你红尘作伴潇潇洒洒，喝酒谈天看星星大海的人，已经是很幸福的事。

只是，不要赖社会，赖现实，赖缘分拆散了你们。

是你们自己，拆散了自己。

没有拆散真爱的现实，只有不够爱的感情罢了。

别人都做到了。

就别骗自己了。

就算知道这部电影是为了激励那些追求梦想的小演员们，还是忍不住吐一下恶嘈。

这三颗星给的是音乐，音乐剧和摄像。

男主女主两个屌丝，一个是咖啡店的收银员在不停试镜中又写着自己的单人剧本，另一个则是对爵士乐爱的死去活来要拯救dying jazz。

两个屌丝做着白日梦，有着几次邂逅，然后某一天女主在饭局中甩开男友闺蜜直接劈腿男主。

虽然屌丝有梦想屌丝也要付房租吃饭浪漫，怎么办？！

男主的梦想是开个jazz的club；女主的梦想，我到最后也没搞清楚她要做演员还是写剧本😂 长话短说，没钱的男主向现实低头去了一个band做新jazz的琴手，乐队挺成功，要全国到处tour，女主又不满了，你老出差，我俩咋办，当然女主没有说这么直接，拐弯抹角问你的club呢？

club呢？

club呢？

你的梦想呢？

然后男主蒙逼了，我cao，我现在有稳定工作才能支持你辞了咖啡屋的收银员的活写你的小剧本，你怎么就不要了呢。

好好的一顿男主surprise晚饭被毁了，烤箱冒烟了，报警器响了，女主拎包就走。

女主烂剧本去小剧场演出，男主搞错了自己唱片录制的日期，无法去捧场，女主演的烂，又没有男主捧场，彻底毛了，冲着来晚的男主吼道：it is over over，她要home home。

这下屌丝们可以消停了吧，还没完呢。

又一个剧组打电话给男主找女主试镜，wtf？！

女主给剧组留电话留男主的，execuse me？！

这下男主又有借口了，开着敞篷老爷车根据之前女主提供的library找到了女主的home home，大半夜的狂按喇叭揪出了女主。

半夜里两人一顿瞎侃你的梦想呢？

你行的，你可以的，女主第二天一早又被忽悠去了LA。

这一次试镜人说女主你随便演，我们没script，会根据演员去巴黎随身定制，女主又开始感觉独处开始瞎编瞎唱了。

编剧导演终于要编不下去了，直接进入5年后。

女主嫁了有钱人，女主也出名了，貌似是名演员墙上有画像了。

这一次女主老公饭后要求进路边的酒吧，女主进门一看，我勒个去，名字叫seb's，这是前男友的，进去男主上台看见女主，世界又在他眼里消失了，弹着两人当年的歌谣幻想和女主结婚生娃开酒吧。

屌丝啊屌丝！

醒醒吧！

没有女神，女屌丝逆袭也是嫁了有钱人！

弹完一曲，男女屌丝觉得，嗯，好聚好散画句号了，电影也over了！

这就像无数火坑专业的学生，告诉你21世纪是生物的世纪，没告诉你的是大多数屌丝都是千年老博士后的命！

屌丝们，别再被左逼的小清新们欺骗了，大多数屌丝还是找份稳定的工作，找个实惠的媳妇吧。

这部片子除了男女主最后没在一起，两个屌丝都逆袭了，男的club也有了，女的也是名演员了，都在昂贵的LA买上了大豪斯，都成功了，唯一美中不足的两人没在一起也被编剧用男主的yy给弥补了。

完美！

欺骗了多少人的眼泪，欺骗了多少火坑专业的孩子，画了一个大大的饼。

逆袭的屌丝是踩着多少被牢牢压在身下的屌丝上去的，电影不会告诉你，生活maybe告诉你。

总之，看完被这部电影的正能量和yy给恶心坏了！

醒醒吧！

（本文同步獨家刊登於ViewMovie，如欲轉載請先詢問確認）達米恩查澤雷（Damien Chazelle）這位備受矚目的新人導編，近年遇上了一種有趣的「善意困境」。

意思即：觀眾往往會以一種自認善意來解讀他的片，將這些片的解釋朝向自己更想看見，通常也更善良的方向，令他聲勢大漲。

例如將《進擊的鼓手》（Whiplash）解讀為一位少年鼓手以苦學換來成就的勵志雞湯，或著將《樂來越愛你》（La La Land）解讀為一齣男女主角因為追夢來到洛杉磯彼此相愛，最後又為了追夢而忍痛分開的夢碎故事。

這實在令人費解。

事實上，達米恩查澤雷恐怕是世上對夢想家最苛刻、與善良最無緣的一位電影人了。

他的電影全能在以一種不張揚但不隱諱的異音，來表達他極度偏激的生活剖面──對沒有才能者的否定，與非議。

《進擊的鼓手》便是如此。

這齣故事在勵志故事的線性皮相，屢屢暗示了悲劇的種子，暗示鼓手苦學換來的絕非成就，而是悲劇。

劇中從頭到尾都迴避了此人有無才能的描寫，他苦練的成果究竟是否有他自我感覺如此良好也從未有一位外人肯定，唯獨他的偏執、心魔、把得到老師點頭與公開演出當成藝術唯一成就的瘋狂，被無限放大了。

最後他學業事業雙失，假若又真無打擊才能，他的人生將會多麼悽慘，可想而知。

這種悲劇，何來一絲一毫的勵志成分？

《樂來越愛你》便是這份悲劇觀念的延續。

塞巴斯蒂安（Sebastian）跟米亞（Mia）無法在洛杉磯一舉成名，不止因為現實殘酷，更是因為他們沒有走紅的本錢──他們想做藝術，卻無才也無德。

賽巴斯蒂安成日抱怨人人對爵士樂缺乏認識的嘴臉，正是他對爵士聖地被頂讓給森巴小吃百般奚落近乎歧視的同一張臉；他不允許第一次光臨爵士樂現場的聽眾聽錯任何一個音符，卻容許自己在多次進出的住宅社區隨地按車喇叭只為叫醒一個有手機的女人。

米亞對同居人出入洛杉磯各大派對積極找尋事業合作的舉動不以為然，認為市儈，但當她獲邀影人飯局卻吃到一半為了私事直接站起來一句未說就走人，然後在理應保持敬意的戲院站在銀幕旁擋住所有觀眾視線來找一個有手機的男人。

這倆個人成日希冀全世界尊重他們在意的事物（爵士、表演），卻嚴重缺乏理解體會其他人的世界的雅量，性格大大缺陷。

而一如《進擊的鼓手》，賽巴斯蒂安的前友人辦樂團辦得風生水起卻直到有人出事才勉強找他頂替，米亞屢次試鏡不順而自編自演的舞台劇則乏人問津更無更無好評，這些安排都婉轉暗示了他們的表現並非自認的懷才不遇，而是沒有輝煌到足令外人容許這份缺陷。

然而，靠著與現實妥協，無才無德的人竟然成功了。

僅僅過了五年，塞巴斯蒂安（Sebastian）就有了自己夢寐以求的私人酒吧，米亞就成了自己夢寐以求的跨國明星，只因為他們捨棄了自我與因應自我而生的愛情。

這種安排，正是不該把《樂來越愛你》簡單區分為夢想／現實對立的俗論的原因，捨棄自我聽來如此罪惡，實則不然。

若用結尾那一顆「如夢一場」，與今年故事主題如出一轍、更同為三大影展開幕片的《咖啡愛情》（Café Society）拿來比較便能明白，《咖啡愛情》詮釋的現實是時間推移，令眾人被放在自己不想安上的位置，人不變但立場會變，時光永遠無法回頭。

《樂來越愛你》卻不然，男女主角能獲得一輩子最渴望的成就，正正在於他們人變了，在五年的時間內砥礪出可上檯面的才能、亦或磨掉了自溺自以為的不敬惡習，甚至兩者皆是，來換得造就自己。

換言之，妥協現實讓他們成為各方面都更好的人，才能與品德都是。

只靠犧牲一場愛情的惆惆悵悵，就能換來這一切變化，還會自動變成更好的人？

這才是比美夢成真更大的童話，名為成人童話的童話。

與夢想對立的未必是現實，也可能是另一場夢。

「當掉你的褲子，保有你的思想。

」（瘂弦引詩），《樂來越愛你》將這層關係拉的更為必然，夢與現實的關係成了一座倆頭都是夢的蹺蹺板，男女主角捨棄了一端，另一端就會自動昇空，彷彿命運是能自己決定的，只要妥協就能萬事順利，即使無才無德也一樣。

當然，這一切也許只是巧合。

達米恩查澤雷仍然是鼓勵夢想的，也鼓勵人人追夢，不要把才能與否放在心上，《進擊的鼓手》與《樂來越愛你》中的異音，不過是陪襯而已。

然而，假若如此，則更大的悲劇便會姍姍來遲，因為整齣劇真正與觀眾身處的現實靠攏的只剩一件事，便是那些對爵士樂與電影業的悲鳴。

片中講得很白，爵士即將消音，除非它能轉型；電影確實正在失去活力，中資大舉進駐與老戲院的收場便是證明（這種觀點頗有爭議，不過順其片中氛圍，姑且提之）。

換言之，這不是一齣稱頌爵士不滅、電影不死的號角，這是一首輓歌，一次反動，如同開場那段發生在公路上的百人車陣舞，塞車越是苦悶，步伐就越想跳靈活；秋天越是死沉，讚頌夏天的歌聲就越是深沉。

越大的苦痛只能用越強的歡愉來淹沒。

這就是全片的映照。

在男女主角有緣無份的愛情背後，真正邁向死寂的，是看似造就他們的舞臺本身。

虽然没有拿到最佳影片，但爱乐之城依然是本届奥斯卡的最大赢家。

仔细想想，虽然爱乐之城的呼声最高，但是没有拿到奥斯卡也不难理解。

上一次拿到奥斯卡的歌舞片还是14年前的芝加哥，对比芝加哥针针见血，拳拳到肉的辛辣讽刺，爱乐之城还是太小品了一些。

更何况奥斯卡最佳电影酷爱探讨生命，尊严，少数族群，宗教，地域矛盾等深刻议题，而两个青春大好，家底殷实，身怀技艺，面目清秀的白人小儿女在梦想与爱情之间的那点抉择，也实在很难称得上分量。

我完全不觉得爱乐之城是一部伟大的电影，但个人真的很爱很爱。

奥斯卡颁奖礼后就进入影史故纸堆的深刻严肃作品还少吗？

但爱乐之城，我是可以反复看上几年的。

第一印象的好感来源于两位主演。

第一个把两位主演Emma Stone（石头姐）和Ryan Gosling（高司令）组成情侣档的人简直是天才（虽然这是他们第三次合作了）。

这个情侣档的搭配堪称完美。

身高搭，体态搭，气质搭，甚至发色都搭。

石头姐的代表性角色基本上都是外表有点小风骚的知性美女，总会附加一个体面的背景，比如律师，差点成为律师的演员，市长女儿等。

高司令的代表角色是人格强大的文艺男青年。

他演的花花公子都有一整套服务到位的泡妞流程，他演的才华横溢的钢琴家梦想是一步步拯救Jazz。

总之，这个文青，他绝非俗物。

所以这两个擅长饰演知性和文艺角色的演员搭档起爱情片来，非常火花四溅，相较于上一波的爱情片巨星们，少了一份甜腻，多了一份清新。

石头姐是个神奇的演员。

她拥有一双大到惊人的眼睛，和及其舒展纤细的骨架，这帮助她拥有了演员的很多个层次。

当她淡妆特写的时候，她是个眼睛过大，五官有硬伤的普通少女；当她浓妆特写的时候，她的雪肤红唇中和了眼睛的比例，她看起来是个艳丽的美女；当拍到她的半身的时候，优雅的脖颈，性感的锁骨和完美的肩部线条，又让她成为一个大美女；而拍全身的时候，她伸展纤细的四肢和完美的肌肉走向，让她成为一个优雅灵动的女神。

一重又一重，这种冲突感，就是演员的苗子。

所以Mia这个角色简直是为石头姐量身打造。

她需要用普通青年的喜悦哀伤和支离破碎让观众共情。

她也需要在必要的时候变身大美女，这样男女主角的爱情故事才更让人信服。

最后，她还得成为大明星。

五年后那场戏，导演拍了她从车上下来买咖啡，只拍了她的体态，仅从她的腿，背影和腰身，观众也能知道，她成名了。

换了别的演员，这一系列的丰富的层次和蜕变不会如此有说服力。

我们来看，怎么把石头姐变丑（拍成悲伤蛙）？

突出她的超级大眼，用宽袍大袖遮住颈部和肩部线条。

怎么把石头姐变美？

拍半身，露颈露肩穿纯色剪裁流畅的衣服。

怎么把石头姐拍成女神？

低机位拍全身，穿裙摆到膝盖上边缘的短裙。

高司令也是一个气质大于美貌，骨架大于颜值的人。

高司令童年时是迪斯尼童星，出身于“米老鼠俱乐部”（同时诞生了Britney Spears，Christina Aguilera 和Justin Timberlake等一群偶像），童星出身难免经历转型阵痛，尤其是20出头时的高司令相貌平平，而童年玩伴们外形靓丽早已大红大紫席卷全球。

虽然光彩熠熠的童星和备受瞩目的演员新星之间隔了十几年，但出道够早的高司令红的也不晚，24岁凭借《恋恋笔记本》一鸣惊人，26岁凭借《半个威尔森》提名奥斯卡影帝，和希斯莱杰并列最年轻影帝提名者。

不知是否是这段经历的影响，他身上有一种不招人反感的自信。

他成为明星的银幕魅力也来源于此。

他身上糅合了不被赏识和理解的落魄感（也可以说是文艺气质吧）和自知绝非池中之物的强大人格。

他在《恋恋笔记本》和《爱乐之城》里演穷小子的时候没有看低自己的“屌丝感”，在《疯狂愚蠢爱》里演花花公子的时候也没有猥琐和油腻，反而有点孤独忧郁的气质。

另外所有爱情电影的男主角们都应该好好向高司令学学怎么演出深情。

相较于无数邪魅狂狷的霸道总裁们，眯起眼睛装犀利，用充满攻击性的方式来告白，高司令演出深情的方式是微挑眉毛，表现出孩子般的童真。

配合他的蓝眼睛，形成一种很专注，卸下心防的效果。

缺点是，相比较之下，高司令的表演虽然放在正常的剧情片里合格，可是在歌舞片里显得太含蓄了。

歌舞片是需要夸张效果的。

要知道歌舞片里随时可能唱起歌跳起舞，如果演员塑造的氛围是正剧气场，那突然开始歌舞得有多尴尬？

所以石头姐的悲伤娃表情，在花瓣飞舞的街道上奔向电影院，面试独唱等等环节，放在一个剧情片里，100%太做作了，但是在歌舞片里是绝对的加分项，撑起了整个电影的饱满氛围。

石头姐相比高司令在颁奖季的表现更优秀，也是因为《爱乐之城》总体效果上歌舞片的范er特别正，除了歌舞本身在水准之上，石头姐的演出占了一大半功劳。

不得不承认，歌舞片的黄金时代已经永远地过去了，它永远也不会复兴，但也永远不会消失。

甚至每隔几年还能再遇佳作。

看过雨中曲的朋友们一定记得，当时正值电影从无声片到有声片的过渡时期，男主角唐的新电影遇到了很大的冲击，女主角琳娜提议，为什么不拍成歌舞片呢？

这就是歌舞片最初的动机，也很大程度上解释了，为什么歌舞片在上世纪五六十年代兴盛一时，到了六十年代以后又急速衰败。

歌舞片代表了电影从无声世界，迈入有声世界的时候，用声音玩出的第一个特效类型。

而受限于技术和成本，当时的视觉特效几乎玩不出什么花来。

到了六七十年代以后，情况就不一样了。

动作片，科幻片，魔幻片，漫改英雄片，开始层出不穷，歌舞片作为一种最早类型的电影奇观，已经渐渐不具备作为电影工业中流砥柱的资格了。

从现代观众的角度来看，歌舞片当剧情片看太闹，当特效片又太没看点，它永远回不到那个黄金年代了。

可是唱歌跳舞是人类最重要的两种娱乐方式，在歌舞片掉线的这些年里，音乐和舞蹈一直都是在发展的。

歌舞片始终不缺最好的素材。

所以你看，改编一下最成功的百老汇音乐剧，就有了《芝加哥》《悲惨世界》《歌剧魅影》混个经典流行歌串烧，就有了《红磨坊》套上乡村音乐的人物传记，就有了《与歌同行》拍成迪斯尼动画，就有了《冰雪奇缘》只要有戏剧感，舞台感强，情绪饱满夸张的剧本，配合好音乐，就可以有好作品，更不用说，每过几年，人们内心那个唱歌跳舞的角落痒起来，歌舞片就可以小小的回春一把。

歌舞片的长处是善于做情绪渲染，要比一般的剧情片更容易感性上打动人。

安妮海瑟薇演的芳汀的悲惨悲惨，用一首《I dream a dream》难道不胜过千言万语？

如果没有《Let it go》，Elsa的自我觉醒会这么鼓舞人心吗？

芝加哥里，Roxy一边唱着蛇蝎诱惑的《funny honey》一边让丈夫为她頂杀人罪，这样的讽刺效果剧情片能够轻松达到吗？

但歌舞片也有两大雷区。

一类是歌实在太难听（《魔法黑森林》：？？？

）还有一类是言之无物，为了歌舞而强行剧情。

说到这里不能不讲一讲爱乐之城的故事。

爱乐之城是一个歌舞和剧情搭配合理的正确示范。

爱乐之城的故事，非常简单，但它在爱情片里也算独树一帜。

2017年，个人意识高度觉醒的年代。

爱乐之城探讨的就不仅仅是爱情里的风雨波折了，它把一个过去被糊弄过去的问题拿出来探讨：“个人意识”和“情感联结”孰重孰轻？

传统的爱情片，一定是要happy ending的。

男女主要么出身显赫，不愁生计（你看紫菱结婚后可工作过一天？

）；要么爱情与人生发展总能高度匹配，仿佛事业是爱情闯关中随机掉落的战利品；要么随便努力努力，加一段配乐快剪就登上人生巅峰了。

太过童话。

如果是剧情片，十有八九是苦大仇深，高度写实，爱情身上遍身的凡尘烟火，已经不存在让人在电影院里脸红心跳的粉红泡泡。

爱乐之城画龙点睛的结尾就把两者做了结合，获得了两者加成的效果。

如何能让爱情电影既不烂俗，又能讲出happy ending？

先让男女主角因为不同的人生追求而分开，再在重逢的时候在女主的脑海中把两人的爱情故事重剪，所有的不愉快和纷争，全都修复，所有的快乐和和睦，全部加倍。

这种时空胶囊式的超现实拍法一点也不新奇。

很容易就可以回忆出很多，《末代皇帝》里日暮西山的溥仪在龙椅座位里找到了当年的蛐蛐盒子，打开盒子，一只活蛐蛐爬了出来，好像几十年的改天换地不曾发生。

《泰坦尼克号》结尾时露丝在梦中重回床仓大厅，所有乘客全都活了过来，满脸喜悦地祝福她和依然少年面目的杰克……但爱乐之城无疑是耳目一新的，因为它是歌舞片，它可以把这一幕表现的极尽夸张，而且越夸张越美好，我们的心越痛，因为我们这一刻潜进了Mia的心里，最后的十分钟里所有的恢弘，欢乐，深情，温馨都是假的，是我们此生回望，可忆而不可追的美好。

一句简简单单的以乐景衬哀情，借着歌舞片的抒情优势，被发挥到了极限。

电影结束后，有人议论为什么他们不能努力顾全梦想和爱情呢？

因为梦想对专注的要求如此之高，而爱情对陪伴的要求如此之高，两者几乎天生相斥。

那么，若难以两全，你选择什么？

我相信，很多人选择了梦想。

爱情是甜蜜的糖，梦想是果腹的面包。

若是没有糖，我们的生活只会暂时地果然无趣，而如果没有面包，我们可能一天也活不下去。

可这不代表放弃了爱情的我们是无心肝的渣男浪女，曾经做出过，或者隐隐担心作出这些选择的我们，心里也有深深的内疚和自责。

为什么电影院里许许多多的观众会在色彩明亮，音乐欢快的结尾里痛苦流涕？

我想龙应台在《四郎探母》里说透了，“文化，或者说，艺术，做了什么呢？

它使孤独的个人为自己说不出的痛苦找到了名字和定义。

艺术像一块蘸了药水的纱布，轻轻擦拭他灵魂深处从未愈合的伤口。

艺术使孤立的个人，打开深锁自己的门，走出去，找到同类。

他发现，他的经验不是孤立的，而是共同的集体的经验，他的痛苦和喜悦，是一种可以与人分享的痛苦和喜悦。

孤立的个人因而产生归属感。

”那是一种共情在联结。

我们终于在银幕上读到了导演为年轻人在爱情与梦想的选择中，吟唱出的悲天悯人。

那一刻，在尘世中颠沛流离，梦想与爱人，终难两全的我们，感受到了理解的带来的感动和温情。

就像蝴蝶飞不过沧海，又有谁忍心责怪。

谢谢你，爱乐之城。

————————————————————————————————————本文首发于我的公众号肖恩恩恩恩肖的瓜子社(Sean_lalala) 欢迎关注。

威尼斯首日：来自好莱坞的惊喜经济、恐袭、美国大选，虽然大师云集，还是没能救得了威尼斯的人气。

与柏林的科恩兄弟和戛纳的伍迪·艾伦相比，威尼斯的《爱乐之城》上座率有些低。

但是片头片尾两次掌声（原因看下文）和记者会上的喝彩，都是威尼斯开幕片完胜的明证。

所以相比于门口苦等的粉丝和赵薇在评委记者会上怪异的装束，谈谈电影本身或许更有意义。

达米安·沙泽勒是今年欧洲三大电影节开幕导演中最年轻的，但《爱乐之城》的主题却一点儿都不新颖：一个想当演员的女子和一个落魄乐师的罗曼史，看剧情梗概的时候真是为威尼斯捏了把汗。

特别是年度另两大电影节的开幕片都拿好莱坞和美国电影工业作为主题或背景之后。

然而影片从第一秒起就告诉所有对它有预设偏见的人（包括笔者在内）：你们错了。

片头字母骄傲地宣布用CinemaScope拍摄。

这是一种盛行于上世纪五六十年代、用于宽银幕的摄影和放映技术，在Dolby Stereo大行其道的今天，它已经不知“过时”多少代了。

这是《爱乐之城》的第一个关键词“怀旧”，这旧怀得彻底，贯彻在剧本、结构和技术的每一个角落。

没有名宿的光环，沙泽勒深谙年轻导演需要从开头就摄住观众，《爱乐之城》头几分钟的一场歌舞可说精彩至极。

这是一群被堵在高速路上的年轻人，焦躁不堪的他们忽然窜出车窗载歌载舞，生活的焦虑和梦想的力量以暗喻的形式喷涌而出，这是影片的第二条线索。

更难能可贵的是，这一幕几乎是一镜到底，歌舞、表演、布景、灯光，一气呵成，导演的场面调度令人叫绝。

我不确定摄像机是否用了手摇，但即使用了稳定器，肯定没有好莱坞惯用的推轨，从形式到内容上都打破了创作和欣赏的双重定势。

记者会上沙泽勒说，他喜欢经典歌舞片中连贯的镜头，不像九十年代后靠剪刀剪出来的节奏。

歌舞片是在调度、镜头上超越歌舞剧，而不是靠把舞台传统的表演、布景剪辑得鸡零狗碎。

这段揭幕歌舞结束后稍微静了几秒，银幕上出现片名，媒体场内掌声雷动：开场十分钟内就有掌声，也不是我们这个时代的电影能随便做到的。

爱情故事难免有些惯用路数要走，要出新可以整体破坏浪漫和套路，也可以在细节上不落俗套。

沙泽勒选择了后者，而且其效果是完美级的，当然两位演员的出色表演功不可没。

如果高速上男女主角相遇不爽的剧情有些俗，镜头救了场；如果循音遇人的梗也无甚新意，男主的侧身一撞救了场。

之后是高司令由冷到热而不过火的表演，艾玛·斯通则把一个现代女性的敢爱敢做巧妙地镶嵌进浪漫喜剧的氛围中。

梦想的主线与爱情有机地交织在一起。

一边在咖啡馆打工一边梦想演电影的米亚（艾玛·斯通饰）试镜屡战屡败，在塞巴斯蒂安（瑞恩·高斯林）的鼓励下重拾写作之笔，为自己创作剧本。

塞巴斯蒂安自己的梦想是建立一个纯粹的爵士酒吧，拯救衰落的爵士乐，但为了实现这个梦想，他重新加入了一支旨在“现代化”爵士乐的乐队，并取得了商业成功。

追梦途中的弯路让他们产生了分歧，而梦想火花的重新迸发又让他们重聚在一起。

剧情的处理和结局体现了影片在怀旧同时绝对的现代性。

在这个时代的爱情中，我们全力支持对方实现梦想；如果为了圆梦必须暂时分开，那就潇洒地走，努力地干，要对得起舍弃的一切。

唯有如此，才能在重逢的时候，互相坦然面对。

影片收官之前，导演用梦幻的手法展示给我们剧情的另一种可能性，一种生活轨迹完美的可能性，一种没有任何遗憾和叹息的可能性。

但那不是生活，也不是艺术，那是肥皂剧。

导演达米安·沙泽勒出身知识分子家庭，父亲是法国人，普林斯顿大学教授。

这位三十出头的电影人本来想成为音乐家，但用他自己的话来说是“没有那方面的天赋”。

从小醉心于音乐歌舞片之王、法国导演雅克·德米的他，第一部长片就是这一类型。

但那部片子失败得非常彻底，以至于拍《爆裂鼓手》（2014）的时候，为了说服资方，还先拍了个同名短片来自证。

这第二部长片拿下圣丹斯头奖，给了J·K·西蒙斯（他在《爱》片中也有客串）一个奥斯卡最佳男配角，也让年轻的导演一炮而红。

然而很多影评人，包括笔者在内，都对《爆裂鼓手》颇有微辞，认为他实际上只是用精湛的电影语言讲了一个好莱坞的烂俗故事，又把艺术家的修炼拍成了运动员的训练。

现在想来，这或许也不失为一种类型颠覆。

但无论如何，《爱乐之城》这部让好莱坞音乐歌舞片起死回生的天才之作，都足以让任何人与导演和解。

记者会上有人问沙泽勒，衰落的音乐歌舞片是否也需要像片中衰落的爵士乐一样，被“现代化”、拍得更热闹。

沙泽勒说你错了，你看到的是我用了现代电影技术，做了一些飞起来的特效，做了一些以前做不到的编舞，但你没有看到我的剧情也是现代的，男女主人公的困境是现代的。

沙泽勒所维护的传统，在于音乐歌舞运用的克制，他说：“唱段不能硬塞进去，要顺应剧情，在情感达到的地方顺势而出、引吭高歌。

”这正是德米歌舞片的精髓。

游移在法国“新浪潮”边缘的德米身前是阿涅斯·瓦尔达的丈夫，这样的组合怎么看着都别扭，因为瓦尔达就算在“新浪潮”导演中都属于顶顶艰涩、严肃的。

德米问鼎戛纳之作《瑟堡的雨伞》（1964），如果放在今天，也绝没有可能摘下金棕榈。

但没有人能否认他歌影合一的最高境界，还有美丽音画之下对社会进程的观察。

就前一点而言，沙泽勒略显笨拙地把歌曲在背景音乐和剧情音乐间切换，手法还是输了大师一程；但就后一点而言，他是我们时代里用音乐歌舞片观察社会的最佳代表。

记得有一年在巴黎，一家独立艺术影院放《瑟堡的雨伞》，我顺便去凑了一把。

观众中有好几个穿戴整齐的老人，女的红唇雅装，男的西装革履，活脱脱像是老电影里走出来的人物。

那样的场景就像沙泽勒对音乐片的解读：这个片种真正“打开了梦与现实的边界”。

《瑟》片的时代，女人只是在嫁这个男人还是等那个男人间抉择。

沙泽勒要的是现代的爱情，双方都面对事业的压力和梦想的抱负，如果音乐片属于过去，那它更属于现在这个人人逐梦的时代。

片中不断复现的歌曲《星光之城》暗指浮华毁人的洛杉矶，却也是梦如星河般灿烂的美与不可限量。

导演说《爱乐之城》是献给所有梦想者的，是献给情感的，因为情感可以超越陈规，梦想能够拯救现实。

或许明年奥斯卡上，就是沙泽勒梦圆的时刻，只是这一路走来的遗憾，我们只能在音乐和光影之间猜测。

（本文首发于《三联生活周刊》微信公号，未经授权严谨转载。

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看这部电影之前，一位女性朋友忠告我带上纸巾，免得哭鼻子时没纸。

结果，这包纸巾根本就没开封。

我期待这部高分电影带来一个惊喜，结果拆开音乐剧的包装，只看到一出彻头彻尾的陈词滥调。

我能理解为什么朋友喜欢这部电影。

电影的男女主角都是怀揣梦想的年轻人，想着用自己的努力和才华在洛杉矶赢得世界的关注。

相似的心境让两人坠入爱河。

当事业开始起飞时，男女主角又不得不各奔东西。

中国观众早已熟悉类似的主题，比如“北漂”。

不少观众可能正经历类似的遭遇：胸怀梦想而生活拮据，充满热情却不被人理解。

看到男主角被亲人质疑时，我们都想冲着屏幕喊：走开，别管我们年轻人的事！

生活出现巨大的裂缝，这本是吹起激昂号角的时候，男女主角的应对却一点也不主动。

男主角莫名其妙地加入到一个成功的乐队，放弃自己对爵士乐的坚持，获得经济上的成功。

他最终靠着乐队的收入开了自己梦想的爵士乐吧，但在我眼中，这一成功充满了讽刺的味道。

如果说男主角的成功还能起到点反省作用的话，女主角的奋斗简直玛丽苏到家。

她之前的面试毫不成功，社交中也清高自傲，创作的话剧恶评如潮。

当然，剧本不敢随意枪毙女主角，所以还是生硬地安排一个星探“发现”女主角的才能，给了女主角一个面试的机会。

面试的题目是讲一个故事。

女主角思忖良久，开始讲：我的阿姨跳进了塞纳河……然后……就没有然后了。

女主角接下来絮叨了一堆关于梦想的大道理，似乎所谓的梦想就是做跳入塞纳河这样常人不做的事情。

但没关系，电影里的女主角还是因此获得机会，并成为大明星。

整个电影就像女主角讲的故事一样，看起来饱含深情，细想起来却没什么道理。

男女主角的爱情也是如此。

两个“北漂”的爱情故事，有很多可以挖掘的题材。

电影中男主角对女主角说，“你最初爱上我，或许是因为我那时的落魄，能让你对自己的感受好一些”。

我当时以为电影会以此为契机，探索更深刻的面包与爱情的道理，没想到电影接着在世俗故事里无法自拔，再不愿深入讨论。

电影的最后，女主角成为大明星，和丈夫一起来到男主角的爵士酒吧。

男女主角幻想着另一种生活的可能。

这原本是升华电影主题的一个好机会。

可惜的是，幻想的生活中，两人的爱情继续依然要建立在物质成功之上。

似乎除了成功，生活再没有其他可能。

如果我是剧作家，我大概会把幻想的桥段换做两人在贫贱生活中相濡以沫。

毕竟，那才能衬托出所谓成功的本质。

但导演一定不想这样。

他想要的，大概只是载歌载舞的励志MV。

<一>十二月在三番看的La La Land，上映的第一个晚上和两个朋友一起去看的。

结束以后朋友分别打Uber和Lyft走了，我住的比较近就去坐地铁回家。

走出地铁站的时候，快午夜了，街上很空，一两个从对面走来的人，除此以外，只有路灯。

虽然这条路我已走过无数遍，几乎每天下班回家都会走，但是突然，out of nowhere，一种莫名的孤独从心里升起来，好像瞬间被拉回了电影里Mia参加完party发现车被拖走只好自己走回家的那个夜晚。

啊，原来我还在电影里没有出来。

没有同伴，没有车，和热闹告别以后独自走的一条的回家的路。

路过街边酒吧的时候，我像电影里一样，朝酒吧里望一眼，希望能看到一个气质很好的在弹钢琴的人。

That someone in the crowed.每一个刚来到大城市的我们，希望被发现，被赏识，遇到贵人，发掘潜力，证明自己很好，很值得被爱，很充满希望。

Except you don't always find that someone. 第一个瞬间，是有关在这座城市里的迷茫与失意的瞬间。

<二> 看完电影回来发了一条短评。

有个朋友看到了问我，所以是想到谁了？

想到谁了呢？

想到在剧场里旁边女孩好看但又不敢多看的侧脸，想到深夜醒来突然想到的诗句，想到一个春日的夜晚，在海边散步拍照闲聊大笑，想到一个秋日的午后，车里放着Jazz，载着喜欢的人缓缓驶过金黄色的三番街头。

所以我说，并没有特别想到谁啊，想到很多自己。

非常喜欢的是石头姐和高司令在山顶散步去找车的那一段，两个其实已经深深被对方吸引的人，却都要死死咬定对对方没感觉，但又对对方的没感觉表示质疑，充满了戏剧性。

但这其实是我们这代人爱情的写照不是么？

“喜欢一个人也不能表现得需求感太强，否则会吓跑对方”，“在一段关系中，要保持一定的距离，给彼此以空间”，这些现代都市爱情的common sense很多时候让人们不太表达自己真实的最强烈的情感，或者选择性地表达。

一个小细节：末了，石头姐说，啊我的车就在这里了，你的车停的远么要不要捎你一段？

高司令说，哦不用了，我的车就在附近。

然后石头姐开走了。

高司令走了很久走回了他们散步刚开始的地方，上了车。

第二个瞬间，是有关这个时代的我们在爱情面前的口是心非。

<三> 看完电影之后的日子里我开始一遍一遍听电影的原声soundtrack。

新年的时候在玻利维亚旅行，我感觉要写点什么辞旧迎新，想了一想，摘了soundtrack里面一段的歌词：Here's to the ones who dream,Foolish, as they may seem ;Here's to the hearts that ache; Here's to the mess we make.这段歌词是Mia在试镜(audition)的时候讲述她一个曾经敢于光脚跳入冰冷的河里的阿姨的故事的时候唱的。

I remember that she told us she jumped in the river once, Barefoot. She smiled, Leapt, without looking. And She tumbled into the Seine! The water was freezing she spent a month sneezing, But said she would do it, again.跳入冰冷的河里当然是一个比喻，这段歌词真的想讲的是，真正敢于追梦的人都是某种程度上非理性的，有那么一点点的疯狂，在别人看起来好像很傻。

但却正是生活中那些疯狂，心痛的时刻让我们感受到情绪的波荡起伏，让我们感受到我们此时此刻在鲜活地活着。

A bit madness is the key, to give us new color to see.第三个瞬间，是有关追梦时的鲜活和色彩。

<四> 我觉得La La Land拥有一个绝好的结尾。

已为人妻的Mia和丈夫路过那个曾经由她提议名字的酒吧，坐定，看到昔日的男友重新弹奏一曲。

所有的时光回转，他从第一天起所有的决定都不再一样，不再有争吵，不再有分离，他和她一路走下来，执子之手，与子偕老。

然后曲毕，回到现实，什么都没有改变，她看向他，他看向他。

剧终。

为什么不是一个happy ending？

因为生活就是这样啊，有不完美才有遗憾，有遗憾才有执念，有执念才明白那些道理，才知道原来生活中的美好是如何的。

如果时光再来一遍，你的选择会不一样么？

(文/杨时旸)“可是，这太怀旧了。

”“就是因为它太怀旧了啊。

”处于热恋中的米娅把自己写的剧本分享给男友塞巴斯蒂安。

她不太自信，急需鼓励，但也害怕言不由衷鼓励会鼓动着自己更加不切实际，但塞巴斯蒂安真的喜欢那剧本中散发着的迷人的怀旧气息。

有关怀旧的这两句对话几乎就是85后导演达米安·沙泽勒借着男女主角的口说出了自己的心绪。

是的，《爱乐之城》是一部“太怀旧”的电影，显得和这个时代大银幕上溢出的塑料感的流光溢彩格格不入。

达米安·沙泽勒像个坚定的反潮流者，怀揣着一颗与生俱来的老灵魂，固执地把一个当代故事涂抹上做旧的色彩。

从开场那段在拥堵的高架桥上的歌舞开始，这一点就已经显露无疑。

其实，不只是色彩和韵味，《爱乐之城》中的一切都是“怀旧的”——爱情、梦想、失落与遗憾，这些主题又有哪个没有泛着复古的光泽呢？

换句话说，这部电影有着有趣的“分裂”，它有着与众不同的、夸张的外部形式——大规模的歌舞和那些烘托感情的超现实拼接，而与此同时，它故事中的一切又都如此古典。

客观地讲，无论是出演塞巴斯蒂安的高司令还是饰演米娅的石头姐，他们的舞姿也不过尔尔，并不花哨和讨巧，但就是有一种特别贴合主题的、恰如其分的笨拙。

这个故事书写了爱情最经典的样貌：二人识于低微，相互扶持，坚信未来终会闪耀。

沦落于饭店弹奏圣诞歌的塞巴斯蒂安梦想恢复爵士乐的伟大传统，屈居于咖啡馆做服务员的米娅坚信戏剧的独特力量，但现实却有着不动声色的强硬和残忍，他们各自偶遇机会，也曾短暂迷失，后来在某个岔路失去了彼此，又在多年后重逢，但也只能相视一笑。

你看，还有什么比这更古典的都市爱情故事吗？

所以，北上广的年轻人们对于这部电影心有戚戚，并不令人意外，一对儿奔赴大城市实现梦想的年轻人，在各种阻挠中，奋力抓住彼此。

那对恋人又是多少人的镜像呢？

贫困中的热恋，分手后的成功，梦想的通路与歧途，人生的一切不可知与不可得。

《爱乐之城》中呈现了爱情在普遍意义上的一切甜蜜与哀愁。

从某个角度看，它像是歌舞版的《Begin Again》，又像是《爱在……》三部曲中的男女主角错失了彼此后的续集，他们的爱情突然而至，降临如电光火石，最终到了岔路的路口，二人也同样不知所措，顺水推舟，各自漂流。

他们坐在山顶的长椅上，米娅问，“我们到哪了？

”塞巴斯蒂安顾左右言它地说了个地名，米娅说，“我是说我们之间走到哪了？

”是啊，这几乎是每一对恋人的终极命题。

你总要有个说法，要么更进一步，要么各自撤退。

在很长的时间里，他们都处在了一种小心翼翼维系平衡，但故意躲避抉择的状态中。

那种状态不可能永恒，但就是那种微妙的不可知让所有人迷醉。

或许，这种感觉才是热恋吧，摇晃、刺激、一切都有可能，而一切也都会在瞬间熄灭。

《爱乐之城》的有趣之处在于，它不只呈现了某种炽热，还呈现了爱情中的吊诡。

塞巴斯蒂安的老友在他落魄时来找他，让他加入自己的乐队，有着不错的薪水，大公司的资源，全国的巡演以及各大杂志的封面，只是，那音乐有点别扭，部分满足自己，部分服务他人，按照塞巴斯蒂安以往的性格，他或许会不屑地拒绝，但彼时，他已经反抗得太久，即便他再格格不入，即便他再有着“原教旨主义”的爵士梦，但他也会被润物无声的现实感染和融化掉一角。

他接下了那份工作，逐渐沉溺于掌声和商业回报。

他觉得自己的选择会讨女友米娅的欢心，至少这些物质基础会让二人的关系更加稳定，但在米娅心里，对方的行为或许正在流于平庸，那些时髦的电子音乐正在默默地腐蚀这个男人曾经坚固又伟大的梦想，现在，坐在自己面前，讨论着巡演和收益的塞巴斯蒂安，不过正在成为一个操持着钢琴的业务员，开始认可平庸，甚至享受平庸。

有时，爱情就是如此不可言说，有些人注定只能彼此牵手走过荆棘，有些人只能共同享受坦途，当你觉得为了讨好对方，试图改变自己，有时却正在走向反面。

《爱乐之城》呈现了爱情和梦想，但其实并没有声嘶力竭地歌颂爱情与梦想，它写它们的光彩，也写它们的无奈，那些意料之外的欣喜，也有命中注定的分离。

所以，你眼见着爱情即将成全，梦想即将成功，但导演就倾覆了一锅鸡汤。

米娅和另一个男人在一起甜蜜的生活，成为耀眼的明星，塞巴斯蒂安有了自己的爵士俱乐部，面对人头攒动的观众，他无需再去用那些时髦的音符迎合大众。

你说，这一切是人们努力奔赴的结果，还是命运中不可捉摸的定夺？

他们就是无法在一起实现这一切，圆满终是梦幻。

出生于1985年的导演达米安·沙泽勒对于音乐题材有着近乎偏执的热爱，无论是上一部备受关注的《爆裂鼓手》还是这次的《爱乐之城》，其中的主人公都像他自己一样执着又疯狂。

而他也不只会书写癫狂，他会在不经意间给你柔软的一击。

米娅曾经随口说了一嘴，自己的老家在一座图书馆的前面，在他门分手许久之后，一个导演的选角电话打到了塞巴斯蒂安的手机上，他凭借着那句话的印象，找到了米娅的家。

爱情意味着，有些事，你偶然提起，我却永远记得。

这部电影的原名是《La La land》，这个词汇很难准确的翻译，它是洛杉矶的昵称，也是俚语中迷醉和白日梦的意思。

米娅和塞巴斯蒂安多年后的重逢，他们相视一笑的告别和那段音乐中对二人感情的回溯与幻想，这一切，在如今看来就像个泡沫与幻梦。

啦啦啦，我们唱过，然后淡忘。

想不通，这样一部埋汰文艺青年尤其是文艺女青年的电影，还真有人看得稀里哗啦的。

请问各位妹纸，你们真的看懂了么？

对比男主角剧中的男主塞巴斯蒂安，剧中很多的细节都透露出这俩人根本不是一路人，尤其女主米娅，就是个大写的绿茶啊！

1.开场，男女主角在拥堵路上的偶遇。

男主开的是一辆美产老爷敞篷车，车载的音响还是磁带，男主不停地在倒带。

而女主开的是一辆日产丰田。

通过开什么车这个细节，编剧想透露的信息是男主是一个具有强烈浪漫主义情怀的文艺青年，而女主则是一位实用主义者。

注意，在很多美国电影中，开日本车，尤其是满大街的那种便宜货，是被誉为不具有“美国精神”的败类，象征着只求实用而不讲情怀和立场。

所以，在后面的一场戏中，米娅让塞巴帮她去泊车处拿车钥匙，有个细节就是塞巴说“好多丰田钥匙，不知道哪个是你的。

”与之相比，塞巴开的敞篷车则是独一无二的，同时也象征着塞巴的性格：保守、坚持、情怀。

所以仅通过汽车这个细节，编剧就向观众释放一个信息，男主和女主不是一路人，一个是梦想家，而另一个是实用主义者。

2.说道女主的实用主义，片中还有一个细节。

就是当女主第一次试镜失败回到出租屋的时候，大家看到这是一个合租屋。

选择合租的目的只有一个，就是便宜，因为女主没名也没钱。

但请大家注意，同样没钱没名的男主塞巴，却是一个人居住。

什么样的人即便手头拮据也要一个人住？

很多人不是因为不合群，而是因为他们看重空间的独立性，这是内心执着的一种外化表现。

而女主则不同，她非但跟人合租，而且还在没有跟室友打招呼的情况下借穿了她的蓝色礼服，就是四个女生去party路上跳舞穿的那件。

相比之下，塞巴连一把别人送他、具有意义的木椅都不让人轻易坐，最后还供在自己的酒吧里。

这里也体现出了两个人性格和价值取向的迥然。

3.还有一个细节，就是当米娅勾搭塞巴的时候，其实米娅是有男朋友的。

就是那个有个土豪哥哥空降一起陪吃饭的格雷，最后米娅为了和塞巴看电影撇下一桌子人跑了。

明明有个高富帅的男朋友，还跑去勾搭塞巴这样的男文青，只能奉上一个字——作。

其实现实中，很多女的在年轻的时候都喜欢作。

觉得身边的男朋友条件也还好，但就是无趣、没共同语言。

于是，当突然出现一个魅力满满的文艺青年或大叔的时候，就立马春心爆棚，感觉自己不作一把爱情不够浓烈，青春太过苍白。

但这样的女生爱的并不是这个人，而是她们未曾经历过的一种体验罢了。

说白了，米娅是觉得塞巴这样的男生有趣，没试过，于是那种强烈的新鲜感和占有欲支配者着她要和塞巴来一把！

可怜的塞巴。。。

4.塞巴起床，听见米娅和妈妈打电话，说塞巴目前还没有稳定收入之类巴拉巴拉。

我在这不禁要问，确信米娅不是故意让塞巴听到的？

因为效果很好，受到刺激的塞巴傻傻地去加入原本不想加入的乐队。

为了赚钱，为了稳定的收入，为了让未来的丈母娘放心。

哦，可怜的塞巴……然而，真当乐队的演出获得成功，在台上的塞巴引得一群迷妹狂呼的时候，台下的米娅却黯然神伤。

为啥？

或是因为米娅觉得塞巴如果先自己成功，两人都是穷逼的平等关系就被打破，所以米娅才会因为不自信而带来的不确定感去伤心。

终于，米娅找了个“没时间陪我”的理由和塞巴大闹一场。

人家有时间的时候你嫌人家没钱。

人家去赚钱，你又嫌人家没时间。

请问这不是作是啥？

临走还不忘给人扣了个“你忘了你的梦想嘛”的大帽子。

5.最后，在塞巴的极力劝说下，米娅才抓住了最后的机会，飞往巴黎。

五年后，米娅功成名就，生活中再没有一丝塞巴的影子，俨然过着豪门贵妇的生活。

而在塞巴的生活中，米娅却一直存在。

包括当初米娅给他设计的酒吧logo，包括每天路过的街角墙上米娅的巨幅海报，包括看见台下的米娅，于无言中弹起那首两人相遇时的旋律……而此刻的米娅，在曲终后，起身对老公说“我们走吧。

”赶紧走，走得越快越好。

所以，米娅喜欢塞巴，是因为在她人生最低谷的时候，遇见了一个和自己命运相似却又充满趣味的男人。

塞巴爱上米娅，则是因为同样的命运中，遇到了一个能够理解自己梦想的女人。

只是，塞巴从没想过，其实米娅从一开始就没有喜欢过爵士乐。

塞巴单纯地以为遇到了真爱。

其实自己只是一个在特定时间、特定地点，被一个人需要的人而已。

文青们，都醒醒吧！

尤其是男文青们，还不赶紧找份有稳定收入的工作赚钱。

瞅瞅那些唱民谣的，最后有几个过得好的再见！

看完La La Land从影院出来时我沉默了非常久，身边的朋友亦然。

之前的大多数宣传都把这部片子的取向往爱情上引，国内更是选在情人节上映，以致我出影院时还在反复思索，这片子让我惆怅的地方大概是说爱情靠的不是相爱，大概是幸运和命运吧。

但这么一来，这片子也太平庸了，哪怕有着优秀的场景调度与音乐，但其中的爱情没有真实感，剧情没有真实感，一切的发展都是标准的浪漫的好莱坞框架下的标准桥段，新鲜感究竟在哪里？

艺术价值究竟在哪里？

最关键的是，它让我无以名状地喜欢与惆怅的理由究竟在哪里？

我到家后，在原声带中反复咀嚼着这部片子的情节与音乐，我依然反复地落泪，我才知道，这部片子的不真实感恰恰是因为，这部电影一方面是一部写给好莱坞的浪漫的情书，也是一部写给好莱坞的浪漫的悼歌。

它的浪漫与不切实际从开场就已经确定了，一群人在洛杉矶的背景下，在车顶上载歌载舞，片名La La Land被大大地印在屏幕上，La La Land，不现实的梦境，这个梦一直到结尾，那个复古圆形框里消失的The End。

全片都美好得像一个梦境，吊诡的地方在于，观影的我们在看的时候，明知这个故事假的不能再假了，因为才华不计世俗一见钟情，在洛杉矶的夜景下起舞，最终大家依靠才华梦想成真……我们还是不愿意戳破，选择沉醉在这个童话里。

对，这个童话的终极表现形式就是片尾那几分钟完满到无以复加的长镜头，像个平行世界，是这个电影的缩影，是这个电影中的梦中梦，而它的作用之一就是提醒你，除了那个梦境，这个电影本身也是个梦境啊，只是导演开了个玩笑，让这个梦境里的男女主角也没什有走到最后，但他们至少丰衣足食，所愿得偿，一个成了明星，一个成功地开了爵士俱乐部。

而在电影的浪漫梦境之外，一切都更加冰冷，而这些伏线都在电影里展露了头角，那些一无所成的失败，那些到处钓人的室友，那些身不由己的妥协。

如此看来，那个长镜头，到电影本身，到我们的生活，不过就是三个渐次劣化的平行世界。

记得他们唱的吗，”City of stars/Are you shining just for me?/City of stars/There's so much that I can't see”，这座星光之城，浪漫的版本是大家在寻找爱，但实际上是大家在寻找梦，不断地燃烧，不断地破灭，变成了这个城市背景上的点点星光。

城市终将璀璨，无论多少人黯然离场，总有人来追梦，而后陨落。

这是现实。

这一切的情感都爆发在Emma的Audition中，the fools who dream，讲述了她潦倒一生却依然不悔冒险的舅妈。

这个仅仅存在歌声中的隐形的舅妈，才是这部片子中最接近真实的大多数的角色。

“我舅妈曾在巴黎住过一段时间，记得她每次来我家就会给我们讲，异乡生活中有趣的故事，我记得有一次 她告诉我们 她曾调经大胆跳进过冬天的河水，赤着脚，丝毫不露怯色，纵身一跃，一头扎进塞纳河，河水太冰冷，她打了接下来一个月的喷嚏，但她说 ，要重来她还会再跳一次。

”至此，这部片子的主题才昭然若揭，哪怕现实再糟糕，再潦倒，也要大胆选择梦想。

但隐含的却是背后的一地枯骨。

这也是为什么我说它是写给浪漫主义的情书，同时也是写给浪漫主义的悼歌。

它致敬着爵士，这个每个角色都可以自由发挥的音乐，去暗和City of stars，却改变不了浪漫行将消失的今日。

它的复古，更像是个不切实际的呼唤，像是我们在满面尘劳后对着青春期拍的照片做的傻事的会心一笑，身后依旧是滚滚红尘。

正如王尔德说的，我们生活在阴沟里，有些人却依旧在仰望星空。

哪怕星空之下，依旧满地鸡毛，它却保存着我们心里最后的一点点火焰。

之前看Glee，有个情节让我印象很深，其中的男老师每当感冒生病时，就会躺在床上不停地看Singing in the Rain。

我如今对La La Land大概也是这样的感受。

它记录着我们这些做梦的傻子们心中的浪漫，不是甜到发腻一张纸片的浪漫，是裹着冰冷与遗憾的浪漫，提醒我们，嘿，满目疮痍之下，我们竟还有梦可做。