澳洲乱世情

虽然媒体的肆意贬低但是还是一部大片只是因为导演想要表达的东西太多显得衔接有些生硬，有些杂乱但是这并不影响该片的整体震撼力里面的风景，情节还有妮可的服装，气质和表现都很不错的值得一看后半部分很感人千万要看完才能感悟电影

实在不忍把此片归为烂片。

期待了几个月，结果竟然如此不堪。

对于澳洲历史，我怎么也想不起该国还跟鬼子二战时交过手。

专门请教了土著。

该斯说打小就知道日本人不是好birds。

感觉这地界儿广袤无垠，地广人稀，人民自给自足，放放羊，潜潜水，冲冲浪，采采菊花，悠然见蓝山，过着陶渊明般的腐败生活。

估计是得到了共鸣，我国政府觉得电影中给倪洪鬼子的近景都是极其猥琐的脸，引进的时候专门美化了名字，“澳洲乱世情”。

我最不待见这种程式化的翻译，人家好好的名字，愣是给弄的恶俗难耐，动不动什么这百分百，那百分百，什么“。。

爱恋”，什么“绝世。。。

”万恶的翻译啊毁了多少片子。

此片本想展示黑，黄，白，棕这些人们是在一起多么的其乐融融，小黑孩代表土著和欧洲的后裔，赶牛人是新移民，当然妮可是英国贵族，那个King Gorge吓着我了，特别是最后一个镜头，华丽丽的臀部。

有很多中国元素，灯笼，旗袍，汉字，中国厨子宋星。

他的名字也挺可乐，Sing Song.估计导演是想结合本片主题歌Over the Rainbow.妮可的旗袍让人无奈了，谁给设计的，胸口挖个大洞，下面还是鱼尾。

不适合啊不适合。

整个故事有点虎头蛇尾，爱情显得很突兀，中间的剧情转折也莫名其妙。

本来其乐融融的一家，小黑孩忽然要去walkabout了，所以赶牛人也忽然觉得自己这辈子不能就这么交代了，转身就离开了女人。

妮可撕心裂肺，但不动声色，黯自看他背影，说了句特俗的话，走了就别回来。

男人连头都没回。

妈的，看到这我又骂人了。

妮可的表演还是老一套，但同样是战争爱情题材，同样是妮可，“冷山”就可以把战争与和平，爱情与现实，等待与倔强表现的淋漓尽致，这个就差远了，不能怪导演，澳洲历史就那么点儿。

值得肯定的是她的英国皇家音。

男主角应该是纯澳洲人，口音很重。

bloody这bloody那, mate你mate我，crikey，哈哈。

想说算了，就当是一部风景片来欣赏，可是看来看去除了几只袋鼠蹦跶，我喜欢的考拉都没见着。

自然景观嘛，全是拙劣的电脑特技。

那群牛冲向悬崖的一幕，假的太厉害，让我想起了马达加斯加。

当然也有好的，男主角还算养眼，虽然导演给的眼神放电大特写太过矫情。

《澳洲乱世情》这部电影其实是很悲哀的，在出生之前就背上了“巨片”之名，这意味着他必须要给塞红包的来宾们一个满意的交代，无论在票房上还是口碑上，都容不得有丝毫的含糊。

待到九个月的怀胎痛楚之后，作为父亲的巴兹•鲁尔曼亲手剪断了孩子的脐带，才发现这个孩子竟拥有和自己不一样的棕黑色皮肤。

如果说黑人白人结合诞生的孩子成为了不黑不白的混血儿，那么好莱坞与澳洲嫁接诞生的电影就是一部不伦不类的史诗片。

史诗片是需要一种植根性的，民俗风情、历史关怀、人文思考一样也少不得，它必须深植与这片赖以生存的土地去讲述一个与自身混为一体的道理，才能做到最深入人心的表现，否则就会流于表面。

澳大利亚是一个骑在羊背上的国家，移民占了多数让其失去了那种植根的可能，换句话说他们的历史是漂浮的，空旷的，散落式的，所以当巴兹•鲁尔曼的电影面世之时，我们发现这部电影和澳洲的大地一样广阔，却也一样空荡。

我们不需要比较很远的电影，单是去年台湾电影《海角七号》表达出的那种台海特色就是很让人动容的，从片子备受岛内观众青睐就可以看到它与当下台湾的合拍程度；而这一部《澳洲乱世情》又有多大程度的本土之光呢？

是牛羊、黄土、牛仔，还是庄园？

这些景象在世界各地都屡见不鲜，《大地雄心》有过，《走出非洲》有过，《与狼共舞》也有过，你仍然可以拿这些滥觞的景象作为你澳洲的不二标签吗？

想来妮可•基德曼踏上澳洲大陆的那一刻没有一种由衷的激动，1992年她还不是汤姆嫂的时候便有过一次渡海争田的艰难之旅，那一次充满了颠簸流离和情感纠葛的遭遇可以涤荡人心，17年后再次重演居然是平淡无奇。

也许是心境的变化造就了她的麻木感，剧本的单薄也促成了她的表面化，如果说《红磨坊》那般俗套的故事尚可以打造一个冷艳绝世的伤心女，那么《澳大利亚》展示给我们的就仅仅是一个靠美丽吸引眼球的花瓶。

与之配戏的是同样属于观赏性动物的休•杰克曼，《x战警》这样的系列样板片成就了他，却也害苦了他，活脱脱令一个可以有魂的演员堕落为银幕硬汉。

《澳洲乱世情》是无法直面自身历史的，所以代之以爱情，都说爱情最俗套，它还依旧是史诗片里最重要最核心的元素。

战争和动乱总是被推过来当作爱情发生的背景，让人物在山雨欲来的摇曳之风中显出他们的困顿、希望、孱弱以及坚强，在这些史诗片里，战火可以烧的尽一切，唯一烧不掉的就是爱情。

《澳洲乱世情》有着风华绝代的怨妇、洒脱不羁的牛郎，却没有给出一个情感发展的一波三折，莎拉和牛郎的爱情更像是一种“圈养”的行为，关系的错位在这个芜杂紊乱的时代里竟然蔓延出一种滑稽的质感，片中的牛郎没有《大地雄心》中汤姆哥那种小人物拼搏大事业的勇气，只是满足于一个歇脚的地方和一个女人的怀抱，渴望得到一匹性格暴烈的良马而已；拥有野心的则是莎拉，她渴望土地、牛群、男人，为套住牛郎连番采用利诱、色诱以及孩子的情感攻势，可怜旁人说一句“丈夫还尸骨未寒”，这个女人却忍不住自我放浪。

所以当导演拿一场从天而降的大雨给她们打开情感之门时，那个在戏院门口肆无忌惮的拥吻在我们看来是那么的虚假不堪，当两个人在床上云翻雨覆之后，莎拉伸手抚摸着牛郎那性感浓密的胸毛，我们才发现这原本就是一场被动又疲累的爱情。

那个混血孩子纳拉成为了两个人荒谬关系的挡箭牌，“做坏事”的概念被当成了遮羞布在两个人之间拉拉扯扯，最终又扯到孩子身上。

说起来导演试图用孩子去平衡这种人物关系，是因为这个男女关系具有很不牢靠的一面，女主人与男牛郎的地位、身份天壤之别，他们的爱恨或许只能统一到那个可怜的孩子身上，为此不惜残酷的把孩子的亲妈做掉，亲爸炒掉，成就了这样一个异样的“拼合家庭”。

当然两人的情感冲突也要以孩子做引线，孩子要怎么走，像爸爸还是像妈妈，成了制造两人分合的借口，实在又太羸弱。

如果两个人的感情是这场史诗的主线，那么关于种族问题的思考就是电影的副线，巴兹•鲁尔曼妄图抓住“被偷走的一代”大做文章却没想到他们本人（包括妮可•基德曼，休•杰克曼）就是被好莱坞偷走的一代，摄影棚里的多年机遇让他们的思想更加美国化，以致早已背离了作为一个澳洲人的思考模式。

所以巴兹•鲁尔曼拍摄《澳洲乱世情》仿佛一场重新殖民的过程，他让混血儿纳拉拒绝当局的教育，却让他在《飞越彩虹》的歌曲里接受膜拜和熏陶，本身就是一个温婉奴化的现象。

马克思主义哲学课本上有讲过：文化具有阶级性，所以我们的电影不能分级，你也甭拿“音乐无国界”来说事。

纳拉的父亲是白人，母亲是黑人，所以他自己都称自己一半一半，这个特征没有带给他两个圈子里的通行证，反而让他在夹缝里求发展。

至于他亲近庄园的女主人，学资本主义的音乐，自愿抹个黑脸去看《绿野仙踪》，本身就是一个追求自我奴化的过程。

导演没有过多的笔墨去写纳拉追求自己的文字、音乐、信仰、生活习惯，而只是用一个潦草的魔法概念来代替，显然是欠缺对土著人文化的一种考究和求证，重心依旧着眼在刻画小孩子对白人文化的一种“媚态”，那些整天吆喝《海角七号》媚日的人们听好了，如果想对这个电影唱赞歌，先拖出去斩了。

导演为了把这种媚态隐藏起来也没少花心思，不吝加重笔墨延长篇幅来把影片打造成一个醒世童话，纳拉具有和童话故事里一样的悲惨的家庭、不凡的际遇以及让他脱离险境的魔法，追求奴化的过程却用“梦想”和“童话”来掩盖，为此不惜搬出《绿野仙踪》和秀兰•邓波儿，镜头从银幕之后摇过对准了呆在横杆上的小黑脸，再切到另一边舞会上的风花雪月，对比之间让这个属于孩子的纯洁梦幻的世界成了最好的挡板。

我们可以说，导演巴兹•鲁尔曼的心里没有澳大利亚，他一手抓起爱情，一手拎起童话在这个风景秀丽的外景地做了一场属于自己的痴心梦想。

他把史诗的华丽气质凌驾在这个虚无缥缈的梦想之上，用一场刀与火的硝烟去检验这个百年之间颠扑不破的命题，自然是俗套的，却又是华丽的，只是这种华丽太晃眼，它的绚烂、它的印染，它的不均匀超过了我的眼睛所能承受之重。

除了史诗包裹的两个命题，我们还能看到什么呢？

《大地雄心》的故事，《走出非洲》的情调，《与狼共舞》的命题，《乱世佳人》的气势，还是想都沾一点？

我想这就是电影的弊病，太追求雍容华贵的表象而忽略了原本最宝贵的真诚的心。

文/灰狼

啥叫史诗片儿啊，看看本片就知道了。

有气势恢弘的战争，有荡气回肠的爱情，有感人至深的亲情，还有一些发人深省的思考，“飘”就是这类片子永远无法逾越的经典。

以上元素在这部长达165分钟的史诗大片中无所不包，您爱看哪个看哪个。

这部片子其实每一点都做得还不赖，可是连起来看的话，节奏稍显拖拉，而且主题不是很明确。

从片头和片尾来看，似乎是想写土著，写这片土地原来的主人，写“被偷走的一代”，写种族歧视，片中不时穿插的纳拉的自白也说明了这一点。

可是到了男女主人公金风玉露一相逢的时候，就胜却人间无数了，没办法，总要有爱情的嘛，何况男女主角那么大牌。

也就是说，本应该作为点缀的爱情戏夺走了本应是本片主旨的种族问题的光芒，这大大削弱了本片的史诗程度，使本片沦为了非常精美的花瓶，虽然炫目却无法直达人心。

当然，中文译名也说明了本片的卖点是爱情。

影片里有一个细节让我挺在意的，就是最后去传教岛救小孩儿的那段。

去救的人是牛佬，他的黑人兄弟，传教士，酒吧老板，三个白人一个黑人。

最后当然要按照编剧的安排牺牲个把人，用脚趾也猜到了是黑人挂了。

想想以往看的电影里，似乎这种情节也不算少，反正我印象当中是没看过白人牺牲救黑人的片子。

你可以理解成是想突出黑人的牺牲精神，不过我更愿意相信，即使过了这么多年，白人骨子里还是歧视有色人种的，所以编剧永远是写黑人牺牲，白人做英雄。

片尾还出来了可笑的字幕，还总理道歉，道歉之后呢？

字幕没写，事实是澳大利亚政府拒绝赔偿，赔点儿钱都不乐意，您还能指望白人能怎样平等对待有色人种？

相当的美国主旋律。

1、逃不脱所谓的普世价值观。

不断强调家庭这一内核，驰骋草原爱自由的牛仔休杰克曼也最终归家，说出没有什么比家更好这样的话。

土著为救男主牺牲前的遗言也是带孩子们回家。

欧美资产阶级和澳洲土著通过家庭这一内核在价值观层面价达成了统一。

但鸡贼的是，土著小男孩的土著亲生母亲死了，只剩下和女主这一白人母亲亲情深厚。

2、土著与资产阶级的虚伪联合在故事中，土著和资产阶级则联合起来，成功对抗从工人阶级出生（模糊交待是祖上在这边土地劳作），为了进入权势阶级而不择手段的反派。

最终土著下一代也与资产阶级体系和平相处，呼应了现实中澳大利亚多年后终于允许土著抚养儿童的法案，彰显资本之主义文化的包容性。

达尔文的酒吧大概是社会的浓缩了，女人不能进入，土著人不能进入，男主在以为妻子养子双双去世后在酒吧悲愤地质疑老板，让其为土著朋友进入，并同样使用玻璃杯喝酒大概是全剧种族平等教育的高潮了，但实际上，这种种族平等教育非常虚伪，因为紧接着下一场戏，这个土著人就领盒饭了，是为了救白人主角，还是为了“正义”（比如阻挡日本敌军）而光荣牺牲，实际是为了维护英美资产阶级利益。

所有土著在故事里都是炮灰，露脸多一点的土著人都死了，休杰克曼娶过的土著白月光在也是死去了的白月光。

白人依然是中心。

3、东方主义和新时代的“傅满洲”对于东方元素的使用也非常东方学，日本人是杀人机器的具象化，是资本主义最极致的负面战争这一资本主义矛盾不可调和产物的具象化。

至此，对于东方的负面形象具象化不再是傅满洲，而是将完成资本主义化的东方社会呈现为资本主义最负面的一面。

从此西方资本主义代表资本主义好的一面，东方则不再是资本主义对封建主义降维打击的审丑，而是资本主义的坏的一面，不得不说很鸡贼。

性别设定上，中国男人是厨子，绝大部分时候都畏畏缩缩，甚至连勇敢的桥段都懒得安排情节展现。

东方女人则是穿旗袍的性感东方尤物，电影里妮可基德曼穿了旗袍美得不可方物，东方元素是女性美的具象化。

而东方文化是什么呢？

是宴会上的灯笼，无关痛痒，只增加情趣的装饰物。

4、“故事”的本质电影里说：“为什么讲故事最重要，因为可以让你记住永远爱你的人”。

故事的确重要，因为故事是统治阶级的价值教育，将意识形态的潜移默化植入内心。

基德曼很漂亮，不过有点凶，不宜此片角色。

话说回来，四十岁了，长这么好可真叫那谁羡慕。

我想发问的是，她有露点的片子吗？

俗话说“老不老，不能只看奶罩”。

史诗太高估。

爱情也莫名其妙。

小黑黑跟贾宝玉似的，明明不想出家，还是为了矫情跟着癫道赖僧（老黑黑）走了。

正宗烂片。

看完此片，我觉得可以假托这部电影的编剧说几句，以享观众：是的，我要搞，我想搞---一部大片。

我的手段很简单，尽量把一些元素给框近来。

只要这些元素在，又很明显，观众就认可了。

至于这些元素是否被很好地融合，贯彻或发挥是完全不重要的。

消费主义的年代，是供应商通过媒体来定义，培育，挑逗（有时也挑衅一下下）需求的麻。

简述如下：我需要一点本土，寻根的元素。

这是最关键的一点。

我的道具是主要是一个土著的孩子和一个土著的老头为首的一群土著。

作为编剧我们都了解，有些电影道具是属于编剧的万金油，比如，孩子，土著，精神病患者，和其他神秘主义的角色，因为我们可以随意安排他们的行为举止，而没有人能够凭借内省和经验来挑战我们的随意编写是否符合生活的逻辑和现实一致性。

他们可以一会儿像个白痴或疯子，一会儿又非常有内涵地说出一些哲理和启发性的东西，甚至能现场进行心理分析（比如你放弃是害怕，害怕失去）。

而神秘主义的角色，例如这个老头的魔法（他明显会飞）可以起到剧情的一切危机的解决。

这真是的，不必再由编剧我来费心经营剧本了。

为了加强这个寻根元素，我在影片开始伪装了一个土著的孩子的主观叙述视角。

这个视角在随后便弱化或隐去。

观众哪里会在乎或察觉。

骨子里，我们都是白人至上主义者，对这些土著，我们是秉承本质主义的观点的，就是从TM哪里来，回TM哪里去。

在完成了剧本中挥之即来，招之即去，全心全意臣服和辅佐“好白人”来打击“坏白人”功能后，他们当然要回到他们的蛮荒里去消失掉。

不再污染我们的视野。

此外，为了貌似文化多元，我还可以加个中国人的角色吧。

天知道中国人是什么思路，干脆让他当个谔谔啊啊的傻愣凑数得了。

我需要一个简单的非黑即白的善恶对抗的主要矛盾贯穿整部影片。

观众是愚蠢的。

他们只要感觉到这个主情节和主要冲突在，便会觉得影片是情节完整，他们不会去考虑影片的其他元素的完成性如何。

所以，为了照顾观众的这点愚蠢，我在片头就通过坏蛋的对话点出了坏蛋的阴谋。

后来再用土著孩子跳出来再揭露一把。

再用一些镜头来暗示一下下。

主要是怕他们没看懂啊，这里我小编是下了点功夫地。

为了保持这个善恶冲突贯穿始终，我的坏蛋杀死配角时是冷酷无情的，一招制敌的。

然而对于主角，他却要迂回曲折（例如水攻，火攻），还要软硬兼施，反复谈判。

观众是不会在乎这种蠢到家的明显漏洞的。

我需要一个童话和音乐主题。

我选择了绿野仙踪这部家喻户晓的影片。

我把它和一点美国西部片元素（酒吧混战，浪子忠义，关山飞渡），凉拌在一起。

我需要一点乱世的感觉，所以用了一个类珍珠港式的战争场面（当然做的时候省钱了一点）。

我要一个大卡司，那就是那个高女积德慢。

作为一个澳大利亚人，她的野心不会让她辞演一部题目那么大的电影的。

这些因素就像倒在比萨饼上的配料，只要让观众看见花花绿绿，材料俱全，冒着热气就行了。

在这个快餐盛行的年代，他们哪里有能力区分不同比萨饼的调味是否到位，是否有品。

我还要把比萨做大，两个半小时才符合屎湿的当量。

以至于我们制片人看样片醒来又昏睡，昏睡又醒来后，说了八个字：真TM长，好歹能卖。

当然快乐结局是一定的，有情人终成眷属，坏人遭报应，尘归尘，土归土。

这地球人都知道阿，呵呵。

此致敬礼！

《澳大利亚》的爱情乍一看似乎是《红高梁》的澳州版本，从死去的丈夫那里继承一份庞大产业的坚强女子，需要一个在事业和精神上的双重“助手”，机缘巧合，一位剽悍的男子汉闯入她的世界，成为其生命中的主心骨。

如果用《知音》杂志的文体风格来概括的话，就是“痴情女老板啊，义薄云天的汉子为你撑起了整个世界。

”故事发生在二次大战前夕的澳洲，优雅的英国贵族莎拉，为了保护她所继承的土地，千里迢迢的来到地球另一端的蛮荒之地——澳洲。

当她抵达这片一望无际的土地时，她发现除了必须克服陌生环境所带来的重重挑战外，在遭遇丈夫被人阴谋害死的困境之下，她只好和当地粗野不羁的放牧人“牛仔”共同合作，在与当地的恶势力卡尼和弗莱彻的对抗中，她与“牛仔”产生了爱情，继而，又在日军侵略的乱世之中，爱情得到考验，这似乎也是所有荡气回肠爱情的必然桥段，一定要在战火与灾难中，爱情才能得以升华，比如《乱世佳人》、《珍珠港》、《泰坦尼克号》……虽然说在拍摄此片的过程中，妮可·基德曼因为生孩子而在某些电影片断里身材欠佳，但看到光彩照人的她和脏兮兮但性感的杰克曼一起在农场找到家时，还是会忍不住被电流微电了一下。

不过，这颗妖娆动人的爱情西红柿可不是导演巴兹-鲁尔曼锅里的唯一炖品，像对于做一个《乱世佳人》式的电影，他更热衷于做一部《走进非州》或者《与狼共舞》，即通过爱情的主线，再串联起澳洲大陆迥然不同的壮丽景观和民风民俗，塑造一部史诗。

而二次世界大战的爆发，还有日军占领达尔文市等背景的置入，明显就是对澳州史的倾情回眸。

鲁尔曼虽然不是加西亚·马尔克斯，但他对魔幻现实主义那一套似乎颇为迷恋，对于只有三百多年现代文明史的澳大利亚来讲，融入一个混血土著男孩听从古老文化的召唤的元素，似乎更能使这史诗显得宏伟、瑰丽而传奇。

因此，你在电影中就会看到爱情线索与另一主题的潜在冲突，每当老土著代表“乔治王”以沧桑而坚定的姿态出现时，电影院里就爆发出一种莫名的笑声，鲁尔曼对澳洲土著文明的虔诚致敬，到了观众那里，却变成了富有嘲讽意味的格格不入。

因为，这部“澳大利亚史诗”的意义可能就变得有所不同，可能它真正的史诗意义在于，在这部电影中，网罗了好莱坞所有最出色的澳大利亚籍演员，妮可·基德曼、休……即使希斯·莱杰因为拍《黑暗骑士》而缺席，这部电影的卡士也足以名留澳州电影史。

喜欢的男孩的类型，其实这些年都没有太大变化。

喜欢像牛仔一样的男孩，冒险、独立、桀骜不驯、有沉醉的嗜好，习惯于依靠自己而不夸夸其谈，用行动说话而不是言语，走入一片旷野，有长草和风，有沉寂不羁的孤独。

喜欢过的人多半有着独行侠式的个性。

可以和人打成一片，但并不倚仗人际关系来生存。

可以玩得自得其乐，可以肆意奔跑，但即便跑成第一名，也不吆五喝六笼络控制一帮人溜须拍马跟在身后。

曾经幻想自己长大以后也像牛仔一样生活在一片荒芜人烟的旷野里，与冒险、小路、未知和广袤做伴，与众不同，有自由、原野、拓荒与天高地阔。

那时侯喜欢看武侠，但不喜欢江湖。

喜欢仗剑走马的快意，但不喜欢帮派。

十年之间，生活从幻想变成真实。

在一步一步变得坚实的日常世界，开始知道自己将不会按照幻想去活，开始走入红尘世界里正常丰满的俗世生活，虽然心甘情愿，但那种幻想却并没有忘记。

旷野的图景内心深处幻化成一种精神意象，化成远离人群、独自漂流、自由自在的一切身份象征。

那种幻想充满装腔作势的文艺小青年特征，说出口极易受人鄙视，但在心底深处记着，在眼前看到清楚的幻象，未来的生活就能获得一种难以言传的极为实在的精神力量。

昨天去看了《澳大利亚》，电影的后半开始拖沓，战争场面、失散与相聚、爱的追逐都和珍珠港、赎罪等等战争爱情没有多少差别，但前半段却让我看得心动不已。

仍然是西部片式的典型设置和人物，一眼可以看出结局的老套故事，但还是喜欢，看到那片荒野，看到那些奔驰的马，看到那种牛仔式的笑容，我还是像小女孩一样心动了。

人长大了不会轻易心动，除非是看到什么让她回到小时候容易心动的年龄。

喜欢福克纳《我弥留之际》里面那一段驯马的描写，喜欢海明威笔下的沉默的私酒贩子，喜欢那一个年代美国各种作家电影人作品中透露出来的漂泊感，那是我对美国文化仅有的眷恋。

这些年美国西部片消失了，场景换到了澳大利亚。

很多人说西部片死了，就像说小说死了、历史死了、上帝死了。

记着一句台词：我不隶属于任何人，也不被任何人解雇，人最终的财产是故事。

不想评论其中的历史问题，因为实际上这个片子并未能达到讨论历史所需要的深沉厚重。

整个片子并不算新奇深刻，但我仍然给了四颗星。

为了这片今年新年刚刚到过的广袤的土地，也为了自己曾经所有的爱情。

又是一部好莱坞流水线上的产品，但是属于大牌大制作。

故事很简单：英国女贵族为丈夫在澳大利亚的产业奔波，在丈夫死后爱上帮忙打点业务的蛮荒牛仔；二战开始，响应号召各赴其职，一场战事最终撮合两人重逢。

毫无新意吧，而且两段故事割裂感太强，完全可以拍个上下集。

但是估计制片料到铺太长人都走光了，还是一锅端放在一个碗里。

演员在这里不需要太多演技：妮可的脸都已经僵化了，从《黄金罗盘-黑暗物质》开始，她的戏原来越不值得推敲；休在这种电影中没有什么发挥空间，还是演好他的金刚狼吧，过几年看看有没有机会演007。

恶俗的导演太多拼凑的痕迹：用异族儿童的眼光来讲故事；无所不测，有通神灵，关键时刻现身的神奇巫医；酒鬼会计为了取悦观众而献身……我差点没坚持看完。

这种类型的电影，最经典的还是《燃情岁月》：人物多且性格分明，矛盾突出，故事婉转，画面精美，音乐出彩。

相比之下，《澳大利亚》只是一部很烂的大片。