如梦

我只能说我恨我那该死的右手，就这么轻轻一点，浪费了我半个小时的时间，抱歉，虽然电影不止这么长，但我实在是看不下去了！

袁泉的表演有够夸张，感觉像是在看舞台剧！

还有那不知所云的情节，看来人家是太文艺了，我们都太庸俗，我们哪有时间做那么长时间的梦！

我真的不好意思打1星，更不好意思说这是一部大烂片，毕竟免费看的特映，还近距离见到了活的吴彦祖（还是帅得一塌糊涂啊），主持人太有喜感了，居然说大家都很感动，彦祖gg也无比单纯的问大家有没有哭，拜托，当吴大帅哥带着忧郁无辜的眼神深情地说：“我妈死了，我的猫也死了”的时候，我跟旁边的豆友已经笑场n+1次了。。

关于电影实在没有什么好说的，我也不知道导演到底要说什么，就见袁泉和吴彦祖两个人在用演话剧情景剧音乐剧还有舞台剧的夸张表情和肢体疯疯癫癫哭哭闹闹，大部分时间无场景无配乐无情节，剩下的就是帅哥面部大特写，超长时间定格，还有唯美飘逸的MV。

一开始我以为袁泉是一只鬼，半个小时以后我以为吴彦祖精神分裂，一个小时之后我以为袁泉人格分裂，一个半小时之后我以为袁泉还要等夏雨，一小时四十五分钟之后我想，这烂片子怎么还没完啊？

加一颗星给片名，起得很贴切，果然如噩梦一般。。

好吧好吧，我不评论电影，我就是去看帅哥的。。

拍摄《如梦》这样的电影，和在电影院里观看《如梦》，都是一件奢侈的事情，当字幕出现在蓝色银幕上，头顶灯光亮起，我在四个人的大厅里站起来，还是禁不住鼓掌，方令正、罗卓瑶夫妇，用精巧工整的画面讲述了一个奢侈的故事；而在前不久罗启锐、张婉婷夫妇的《岁月神偷》之后，我又再次在原本可以容纳百人的电影院，几乎以贴近的距离，以饕餮的神情仰望了一次奢侈的文艺片。

电影就是造梦的，《如梦》造很奢侈，有些神经质，但是很好看，画面一流，四星一颗给摄影和布景。

不得不惊叹，五十多岁的夫妇两还是我行我素，保持着年轻时对电影、爱情的敏感，对影像、对新生事物充满情致，一切不减当年，这是值得加分的地方。

陈蝶衣在《霸王别姬》里“不疯魔不成活”的绝唱还鲜活在很多记忆里；疯魔，是一种什么境界呢？

就是耽溺，痴迷、执着于个人世界，无法自拔，也只有这样才接近纯粹的酒神艺术的本质。

导演、编剧夫妇对电影，也一直有着非常自我的陶醉，也算是疯魔吧。

而主演吴彦祖和袁泉都说，拍电影《如梦》，改变他的爱情观，让他们对恋爱、结婚、生子，这些事情更加珍惜和敬畏。

这也许不是一个噱头，而是一个真实的感受。

痴迷于电影里的情结，而屡屡不能自拔的人，从来都不稀缺。

《如梦》是华语电影里一个稀缺标本，无论是题材上的分裂诡谲，还是形式上的精致而考究，都是极为鲜见，文艺片能拍成这种奢侈的地界，非常难得。

把爱情片拍成了若即若离的梦境，进行人格和心理学的解析，也难能可贵；而一个“香蕉人”出身的ABC,和一个讲标准普通话的大陆女孩跨越国度和大洋的爱情，在一段似是而非虚虚实实的背景里，不浮不躁显得耐人寻味。

袁泉、吴彦祖，就是这部电影里的试验品，爱情是试剂。

从来，方令正、罗卓瑶夫妇都是一个善于炮制梦境的导演，他们电影里的爱情故事，都保持得有扑朔迷离，亦幻亦真的传统，1980年代大名鼎鼎的《唐朝豪放女》，夏文汐主演的才女鱼玄机的故事，就像一个气泡一样的梦，水汽迷蒙里不知去向。

而在1993年陈冲主演的《诱僧》里，大将军石彦生和冷艳的青绶夫人的激情，天亮后也像一个梦，老和尚的谶语让人暗自揣度。

《非常侦探》里范晓萱的乖张，张学友的古怪，也充满梦幻元素。

2004年在澳大利亚拍的《寻找1967的女神》将公路片拍出奇趣的味道。

蛰伏多年重归香港，悄然面世的《如梦》，已经是把夫妇两人的造梦理想更加类型化。

一个人沉溺于梦境的虚像，往往象征着性格分裂，意味着在现实生活里的不幸福。

看《如梦》的故事梗概，已经就是一个精神分裂症的爱情故事：纽约，一个患有抑郁症的华裔宅男，遇见了男朋友刚刚自杀的中国女孩。

然后梦中他们相爱，最后离奇的失散，最来来到中国寻找时，却意外碰见了长相相似，却全然不同的一个女孩。

这样的爱情，像推理小说一样让人抓狂。

而华语导演里面，也只有他们两夫妇，才能用影像阐释清楚这样离奇的爱情，心理分析和实验风格贯穿了他们的电影生涯。

《如梦》这样的故事，如果把控不好，很容易变成流于形式的符号，或者大多数人都看不懂的晦涩文艺片。

罗卓瑶、方令正讲故事的方式，既得香港电影简单明了的传统，又在画面上自成一个绮丽妖冶的风格，对人物心理的拿捏往往让人惊叹，所以《如梦》恍然如梦境一样的画面，在蓝色底板上氤氲着奇幻的疏离感，而清冷干净、水声淅沥的配乐，让人痴迷。

《如梦》保持他们一贯的审美方式，请吴彦祖当主演，看来也是别出心裁，演精神分裂，故事些“妖”的电影，吴彦祖是还算在行。

吴彦祖是70后年轻演员里，比较有觉悟的演员，从来不满足于打打闹闹的商业片搞些插科打诨的营生。

一直都在用一些文艺片来磨练演技，而且这些角色都体现出非正常的生态，真有些“疯魔”的意思。

几年前在金马奖大获异彩的《妖夜回廊》里，同样是扑朔迷离，充满意识流的影像里，他塑造一个诡谲的双胞胎兄弟。

在回来寻找身份的时候，发生一些妖风阵阵的故事。

去年，在尔冬升导演毁誉参半的《新宿事件》里，吴彦祖自我毁容式的的妖冶，再一次让人震惊。

回到《如梦》这样的纯情文艺片里，吴彦祖俊朗的外形，加上以往“非主流”的表演体悟，让自己沉入电影里演到疯魔，让观众看到美男的另一面是极有可能。

从来方法派的表演路线都是旁人难以捉摸。

自我突破是吴彦祖的追求之一，电影应该是吴彦祖一个天分所在，除了表演，三四年前由他导演的《四大天王》曾获得了业内不小的肯定，略见一斑。

这次和袁泉的配戏，吴彦祖虽然还差一些火候，但是其用心和努力在胡子拉渣背后，已经让人看到了诚意。

一代代表演天才们常常说不要去揣摩角色，而要理解角色，走入角色内心世界，甚至要走进生活去进行深刻的体验。

随着年事见长，吴彦祖早就不满足于做偶像，显然已经了有方法派演技方面的追求。

《孔子》让发哥觉得自己是南丫岛的孔子，《异度空间》让张国荣执念于情结，摆脱不了了魔咒；而《色·戒》几度让梁朝伟难以摆脱抑郁症。

《如梦》能改变袁泉和吴彦祖么？

且看时间证明。

首先要说的是，这部片子我很喜欢。

可能很多人都看出来了，它是现代版的《牡丹亭》和华语版的《维罗妮卡的双重生命》（也就是《两生花》）。

不少人说它伪文艺，这不要紧，在这个被商业片鲸吞了的华语电影市场，还有人愿意静下心来做这样的片子，这本身就是非常了不起的事了。

而且，它的反响还不错，不是么。

它成功地掌控了我的情绪，但总让我觉得还有一些不完美。

一、梦可依，难成眠，怎奈醒时更远。

Max在梦里遇到艾玲，似乎相处得不错，逐渐相爱，但醒来却感到压力和排斥感，他怀疑梦境，他想要逃避，却又不可避免地被其诱惑。

柳梦梅在梦里遇见杜丽娘，同样相爱了，而他醒时依然坚信，这世上真有一个杜丽娘，且必在某处等着他，他要在现实世界寻着她，与她携手人生长路。

我为你而来，你为我存在。

Max终因噩梦难缠，远赴上海，在那里，他看到了那个一袭白衣，眼神凄楚迷离的女子，那是，他梦里的丽娘。

而他没有过多的时间停留，这一趟，终是要错过的。

到这里，剧情稍稍将我们带入了一个《牡丹亭》般的冲破现实距离的东方浪漫主义的爱情传说中，可就在此时，西方人文主义细胞又在导演体内复活了。

二、双生：而你是你，而我不是自己。

Max在此来到大陆，却因机缘巧合到了杭州，遇到了那个和梦中人有着同样面孔的女孩依依，而她不是她，她活泼，热血，和梦中人一点都不相似。

依依答应帮他找艾玲，也是帮自己找到失散的双胞胎姐妹。

可以肯定的是，双生题材是纯西方的东西。

我不是说这电影里就不能东西结合了，我想说的是导演既没有把握这两者的精髓，也没有决定到底哪个为主哪个为副，让整部影片缺乏一种协调感。

大多数的双生题材，都有一个重点：作为双生的两者，必须共有某样事物，比如共有一个身份（休.杰克曼《致命魔术》）、共有一个生命体（《维罗妮卡的双重生命》，话说《如梦》中有太多情节抄袭此片）。

近年来，许多东方艺术家也尝试了不少这样的题材：共有一段爱情（岩井俊二《情书》）、共有一个身份（山本文绪《蓝，另一种蓝》）、共有一个名字（矢泽爱《NANA》）。

以上这些都无一例外地抓住了双生题材的精髓，两者是独立而统一的，两者因相互依存而完整，而作为不同的个体，却是要完整一段故事或是发现生命的不同可能性（此前的东方艺术家更习惯用轮回来达到这一目的）。

而本片的导演却违背了这一宗旨，不但没有突出他们共有的事物，还活生生地把她们撕开了，摆在两个有着极端冲突的对立面上，更是残酷地让男主角择其一，让这对双生花拼个你死我活。

双生这个元素的渊源，我觉得应该是西方强调个体独立性和多样性的结果。

也可能是强调独立意识后人们为填补内心的孤独感而产生的美好想象：这世上还有这样一个我……如果这个元素运用得好，同样可以成为文艺片中的经典，只可惜导演在东西方主色调之间一直在徘徊，此时，她的东方主义情怀又发酵了。

三、影子或者替身原来你爱我，不过是因为我像她，只要她一回来，我的一切就都结束了。

这样的桥段曾是多少东方式经典爱情悲剧的主题啊。

改编自歌剧《图兰朵》的魏明伦的《中国公主杜兰朵》就有一个任何西方导演都想不出的东方式结局：公主杜兰朵后悔莫及，披上被她害死的女奴柳儿的外衣，放下身段，成为柳儿那样的平凡女子，去寻她的爱郎。

没有一个西方导演会这么做，因为他们强调个体意识：我就是我，我为什么要像别人呢。

而《如梦》中依依这个角色也确实有着这样的背景和骨架。

一个乡下女孩，仅管有着和Max梦中的艾玲一样的面孔，却没有她那样的城市气息，她那样的时尚感，冰冷的气质。

依依，土里土气，热情，活泼，单纯却因善良和质朴而显得可爱。

比起艾玲神经质的冷漠，我当然更爱依依，爱她，是个有血有肉，脚踏实地的人。

当她换上精致的衣服，干净的妆容敲开Max房门的时候，Max问她：“不是很累吗?你的头发。

不是说，不吃饭吗？

”她忍住了，她并不是想要扮成别人的样子去偷来一点不属于自己的幸福，她只是不想让Max白来一趟，失望而归。

她宁愿暂时不要做自己，放下自尊和自我，也要成全他的幸福，哪怕只是一个没有逻辑的梦。

可是这太可怕，这亦是她的噩梦，她离他越近得到越多就感觉越失落，他抱着的是她，想这的却是另一个人。

当Max吻过她以后，她不得不让自己清醒，她失魂落魄地走了出去。

第二天还要装作什么都不知道的样子出现在Max面前，继续帮他寻找艾玲。

而Max对她的态度的急转直下，越发让她觉得自己可悲。

她给他留了一张纸条，劝他回去。

当Max在纽约迷失自我的时候，她却清醒地做着傻事，她在上海工作，要继续Max未完成的梦。

直到Max再次来到上海。

其实当Max在午夜的广场再次把她错当成艾玲的时候，她完全可以将错就错地演下去，此时她已经可以演得没有破绽。

而她没有这么做，因为她期待他喊出的是她的名字——依依。

她留MP3的那一段，像是一把利刃，刺穿每一个当过影子的人的心。

她想赌一把，只要他也梦到过她，哪怕只有一秒，她就有信心 把这个信梦的傻瓜唤醒。

可是没有，她还是输了。

她退出了，让他继续那个可悲的梦，去寻那个真正的梦中人。

其实她可以自私一点的，任性一次的。

故事讲到这里，我几乎把全部的爱和同情心都给了依依，而狠心的导演却又把天平硬生生地倒向了艾玲。

Max根据依依给的地址找到了医院里昏迷的艾玲，还有她那本记录他们共同的梦的日记。

他把她从梦镜中救出，团聚了，最后艾玲还是不可避免地死于脑部退化。

这样一来，艾玲就成了绝对女主角，那依依算什么，既然大篇幅都是以依依的视角切入，前面大半的浓墨重彩都是放在依依身上，现在又突然这么来一下，你让观众之前对依依付出的感情情何以堪啊。

当然你可以说，Max不是说过吗“再精确地机器也计算不出，他到底爱她们两个中的谁更多一点。

”他爱依依吗?笑话，你不觉得这句话很牵强很违和吗？

四、它值得更好的结局我看到一大半的时候，曾经做过这样的假设，而且我觉得这样的结局更能让人接受。

1.艾玲和依依是同一个人先前Max梦中的艾玲，其实是后来得了脑部退化将不久于人世的依依，穿越到从前Max的梦中的结果。

也就是说，那个上海女孩艾玲，其实就是依依的后来，她为了帮助Max寻找梦中人，留在上海工作，逐渐成为了一个如Max梦中人般的时尚白领，而她因经历了与Max的感情，性格也发生了一些变化。

梦中男友自杀的情节可以改动一下以前后呼应。

接着，就可以安排依依留给他“大学医院313”的地址其实是她自己的病房。

然后可以有一个人告诉Max全部事实，Max才发现一直错过的忽视的就是一直要寻找的。

2.艾玲和依依是两个人艾玲就是个配角，也确实经历过男友离世，但并没有那些与Max相同的梦，不接受Max，态度恶劣或者接受Max只为骗他钱，当他一穷二白后离开他。

而依依始终对他不离不弃，在他无法接受梦与现实的落差时帮助他重现站起来。

最后，Max解开了童年的心结，认清了梦境与现实，选择走出梦境，真实地生活。

以上两种结局的好处就在于，主调明确，也不用把对女主角的喜爱割裂，依依的存在显得举足轻重，增强协调感。

所以我说，这部电影最大的败笔在于：导演一直在东西方精神哪一个做主旋律的问题上犹豫，在两个女主角之间徘徊，亦在“梦与现实”和“梦是什么”哪一个做主题之间踌躇。

电影的确很精彩，但是却显得老练而不够成熟。

电影缔造梦境，梦境予人幻想，可是幻想又会摧残人心。

人们以为规模宏大的电影是适合在影院里观看的，那令人瞠目的特效、震耳欲聋的声响、甚或是万千血肉之躯组成的汹涌潮水，这些往往都是票房的保证。

如果给你几个亿，你不知道往哪方面花，那么我建议你去拍电影——既能娱乐他人，又能娱乐自己，更重要的是，你拍得好了，人们马上就认识了你，你若拍得不好，人们也不会把你骂到陈凯歌、张艺谋之流的地步。

那么文艺片该怎么办呢？

中国的院线都交给国外的大片了，少有的场次要么被用来放映《建国大业》，要么被满屏幕的刀枪剑影所占据，虽然时下文艺青年越来越多，但是带着点装逼范儿的文青们更愿意去买十块钱一张的盗版碟也不愿意花费六十块钱坐在电影院里看着纠结的、毫无头绪的、小清新的故事。

网络宠坏了这些死文青，也断送了那些新锐导演的前途。

当然，罗卓瑶算不上新锐导演，毕竟在多年以前她和李碧华合作的《诱僧》让大陆观众为之一震。

李碧华是个看点，因为中国最好的几部片子都改编自她的小说，但是并不代表所有的好片都需要有优秀的原著作品为蓝本。

我想《如梦》应该是这样一部影片，它是适合在影院里面看的——但是只适合在空旷的影院。

《如梦》是什么？

是空旷的街道？

是城市里冷冰冰的建筑？

是两个人在夜色中的相遇？

还是昏暗的空间里不断扩大的裂纹？

似乎都不是，似乎又都是。

在梦里与另一个人相遇，这本是无法想象的。

只有在童年时才会傻乎乎地问另一个人，嗨，我昨天梦到你了，你梦到我了没有？

或者说，喂，昨天晚上在梦里你居然打我，来，让我打你一下。

又或者对某个喜欢的女孩子说，你不是说喜欢我的吗，现在怎么又不承认了？

在影片的开始，吴彦祖抱着他的死猫——我的猫死了，怎么处理？

是挖个坑埋了还是煮了吃了？

一切令人震惊的处理方法都来源于网络。

可是网络不能代替你处理生活中的困惑啊，所以吴彦祖选择用比较传统的方式来处理，埋葬了他的猫。

一个人在生活中可能会对某些事物感觉到依赖，或许你并不喜欢，但是你已经习惯，吴彦祖和他的猫似乎便是这么种关系。

有些人在失去以后会想办法进行补救，比如重新买只猫；有些人则对过去念念不忘，认为失去的如同时间一样不可挽回。

因为不适应，吴彦祖开始频繁的做梦，并且总是梦到同一个女孩。

梦里的女孩很落寞，很悲伤，她像一切恐怖片的女主角一样在空无一人的街道上来来回回，如果说影片总分是十分，那么女孩的表演应该能占到了六分，她的一举一动无时无刻不在感染着看到她的人。

我爱死了袁泉，因为她的演技太好。

空空的梦境、长长的街道、高耸的建筑、盘旋的回声，这些都是构成舞台的因子。

《如梦》成为一个露天的话剧，似乎是这电影的与众不同之处。

与之相比，吴彦祖的台词却显得冗长，比如他讲述的那小孩的故事，如果你长时间盯着一个人看，他又在讲一个无比悲伤的事情，他一边讲一边哭，而观众呢，他们刚刚酝酿好情绪，也许正要流几滴泪，却发现这个故事居然还没讲完——天已经亮了。

我只喜欢点到即止的煽情。

所以我喜欢看那些若有若无的爱情。

梦里的爱情是不切实际的，但世界那么大，总有几个傻乎乎的人愿意去相信。

拍电影大概也是如此，你如果不喜欢，你对它批判再多，也很难改变别人对影片的第一印象。

因为人们是不同的，他们如果觉得电影中的某个桥段触动自己了，很可能是那个桥段与他本人的记忆接了轨，而不是这个段落拍得有多么的好。

吴彦祖我当然很喜欢，虽然在关于这部片子上，他讲了几句冷笑话。

但是好的剧本，好的演员（这片子演员并不多）让这样一部原本该沉闷无比的影片显现出了更多光泽。

尤其是当电影舞台上的袁泉和话剧舞台上的袁泉终于找到了契合点时，我相信至少有一半的观众并未对这部电影失望。

吴彦祖对梦中的女孩着了魔，于是他真的去上海寻找袁泉了。

人生的际遇是不可捉摸的，梦中的女孩没有找到，却找到了女孩的同胞姐妹。

当另一个袁泉语无伦次的解释着，因为知道世界上有另一个自己的存在，现在她感到不安，总是在想关于她的一切时，我是有些小感动的，直到她在自己的孪生姐妹耳边悄悄说，我们曾经拥抱了十个月……吴彦祖在两个女孩之间挣扎不定，他心里感受到不安，因为现实和梦境的区别实在太大了，你在梦里谈恋爱，不会出现第三个人，你在梦境之外——到哪里去找那个和你做着同样的梦，在遥远的两地都还能手牵着手，甚至亲吻过的人呢。

梦中女孩的逝去让人心中隐隐作痛，因为从此以后你只能静静等待着在梦中与另外一个人相遇。

也许喜欢这电影的人可以一个人去看，因为一个人时似乎更能体会什么是梦，什么才是错过后的意味深长。

看完《如梦》我情绪非常糟糕，正好北京又在下半死不活零零散散的小雨，走在马路边上，后面汽车喇叭按得此起彼伏，我觉得自己要死了，没事居然吃饱撑着来看一场文艺电影，哪怕出发点仅仅是想多看两眼曾经属于大众情人的吴彦祖，身为一个有操守的成熟妇女，我已经不爱已婚的吴彦祖了。

这部戏一开始就让人觉得多余，镜头摇晃最终固定的影像界面，有点类似八九十年代的怀旧电影。

等干净的吴彦祖出现时，电影唯一的优点体现出来了，拍得画面干净，不乱七八糟，起码视觉上好比踏入一间整洁的房子，愿意坐下来继续等待。

直到袁泉出现，一切土崩瓦解。

这个传说中中国唯一还在走纯文艺路线的女演员，不知道为什么我老觉得她明明长得很三八，下巴的痣，高耸的颧骨，要不是病态的瘦，她其实可以去做另一个丁嘉丽。

你看一个女人不爽，那她做什么你都不爽，伴随着莫名其妙毫无说服力的情节，我时时拿出手机频频看时间，此时此刻，我多么想旁边有一个人能跟我一起点评下画面上各种奇怪的设定。

可惜整个大厅空无一人，我对自己的选择更加绝望，一切完美的气氛中，主题却是一部烂电影。

看着袁泉表演歇斯底里，我很尴尬，仿佛身处一间卤煮店里有人在唱a thousand kisses deep，恨不得煽他一巴掌，哥们你正常点成吗？

假如它像上半部分就这么文艺下去，其实我也可以忍。

你知道的，硬要给我划个圈，我只能站在文艺圈里，装B装优雅装失意装崩溃，我也是可以假装一下的，谁不想要看上去很诗意的生活嘛？

也不是没在家喝过红酒，也不是没在家点过蜡烛，虽然我内心已经想好了解释，前者是为安眠，后者是为驱蚊。

问题是导演任性地选择了一个让人崩溃的下半部分，她让袁泉去演一个乡下姑娘，蹦蹦跳跳脾气暴躁举止粗鲁，我看了只能义愤：她为什么这么侮辱郊区女青年？

一个郊区女青年的心在放映厅里砰然裂成八瓣，太TM侮辱人了。

《卖花姑娘》中的村姑都没那么讨厌，袁泉演的杭州市井小妞则想让人一脚踹死。

她完全忘记了这样一个现实，无论什么出身的姑娘，都会有独特的美感，而不是她想当然创造出来的那些萌点。

城里来的导演拍出了一副她以为的村姑形象，企图与另一个脱离世俗之美的袁泉拉开反差，忘却现实后成功制造出来两个神经病。

我则在下面求饶：真的，导演，文艺并不是神经病。

据说吴彦祖问过大家，你看这部电影哭了吗？

观众都强忍住笑默默无语，实际上我流了两滴眼泪，在袁泉抱住她的濒死双生姐妹，动容说“我们曾经整整拥抱了十个月”的时候。

我只能被一些以真实为出发点的情感打动，流淌点俗人的眼泪。

电影结束，无疑噩梦一场，走出放映厅，看到海报我忍不住笑了，宣传语居然是“宅男春梦，玉女迷情”，要是有人被这句话吸引进去，没准开场看15分钟就想暴打导演，整部电影中吴彦祖搂得最紧的，是那只死去的猫。

晚上9點半在灣仔會展中心看了《如夢》的首映，吳彥祖如約亮相出場，然而他卻不僅僅是一個帥哥那麼簡單，正如這部《如夢》不僅僅是一套愛情片一樣。

在鋪天蓋地的電影節目單上首選了《如夢》完全是被它的簡介誤導，令到搞語言學的我眼睛一亮，以為看到了二語習得實踐的豪華虛擬版。

導演羅卓瑤善用遊子題材，自1985年畢業作《外國的月亮圓些》或多或少都在研習類似課題。

雖然本片出現很多疑似橋段：《巴黎日和》里的死貓，《兩生花》里的另外一個我，《無痛失戀》里無夢不成戲的感情宣泄。

雖然臺詞有時幼稚的令人忍俊不禁，但是袁泉的話劇表演功底實在可圈可點，那場幾近片尾的雙人舞，可謂是一種靈魂的溫柔撫摸，將傷口撫平，隱疾治愈。

直到片子結束出來字幕才知道原來，兩個女孩，一席白衣沈溺在傷痛中的是“艾玲”，開朗直率內心細膩的是“依依”。

至於，他們是否代表夢境與現實兩個世界，並不重要。

因為夢即是現實，現實即是夢。

似真似幻之間，一個遊子失去心靈依靠靈魂出竅踏上找尋歸宿的路；半醒半夢之時，一個迷失身份的孩子帶著對母親的懷念遊蕩在陌生而熟悉的街。

導演或許力撐本雅明，活化了一個都市“夢遊人”的形象，紐約，上海，杭州，還有僅僅作為夢境出現的台北，這種靈魂與肉體的分離令人精神憔悴。

而在夢境里，名字，場景，時間，一切都不重要了，重要的是感官，溫柔地牽住一雙手，在雨中纏綿而絕望地起舞⋯⋯ 一種強烈的俄底普斯情節，力量強大地支撐著整個夢的深入和延續。

而對於一個出生在美國的香蕉人來說，這個戀母情節就顯得更加微妙而不便明示。

葬禮之後，世界安靜下來了；遊歷大江名川之際，一切終於有所了結。

一句孔子的“逝者如斯夫，不捨晝夜。

（《论语·子罕》）” 終於放下內心中的糾結，說了告別。

終於體會到導演和觀眾見面時說的那句“這是一部非常中國的電影”的原因。

P.S.剛剛從北京回來香港，便去看了一部別有用意的電影。

而事實上，這種夢遊的感覺伴隨了我很久，常常覺得自己是在夢裡，有時北京是真實的，有時香港是真實的，而我卻似乎永遠是虛構的……

如果不是这个片名，如果不是有吴彦祖，还有对袁泉的那么点小兴趣，我不知道会不会去看这部电影。

看完之后，先说演员。

吴彦祖很好的又挑战了自己，扩宽了自己能够承担的角色。

然而，女主角，算是一个败笔。

不说说袁泉不好没有气质，而是她的气质就是那样安静，有些文静内敛的。

她的气质没有办法改变，这太根深蒂固的气质反而导致她在表现country girl的时候是如此的做作，那些特意显现出来的没有素质的动作，大笑都夸张的那么假。

电影就变的不像电影，像是在演 戏。

在故作天真上，袁泉远远还是不及另外一个精灵女演员，周迅。

在天真与沉静上，袁泉只能胜任后者，两者都能胜任的，周迅应该可以。

难不成是考虑到周迅和吴彦祖身高差距太大了么。

再说说这部片子。

罗卓瑶算是一朵奇葩。

之前看过城画上有关她的一片报道，这个被认为是情毒的导演确实让人捉摸不透，让人震惊，让人唏嘘感慨。

如梦是一部诡异的片子，然而她的情节又是完整的。

只是艺术的画面不能完全遮掩最后有些狗血的剧情。

抛开那些文艺的幕布，情节其实非常的单纯又狗血。

概括起来人物关系也不过几句话。

所谓的两个人相遇在回家的路途中在我看来，似乎多了一丝恋母的成分。

不过让我喜欢的，是猫的意象，这部片子，至始至终都是由一只猫引起的。

猫的还魂，让这些诡异的梦变的有迹可循。

记得那片罗卓瑶的报道，特意提到袁泉带领吴彦祖去看他爸爸遗体的那一幕。

小小的脑袋，装满了人生。

这是再高级的电脑也无法媲美的记忆。

每个人的脑袋，从一开始就开始记事，从一开始就注定了要纠结，要悲伤，要面对。

从这个角度来看，还是如梦的，至少我们都知道，人生如梦。

到最后，那些记忆都成为了梦。

如果她不叫如梦，这部片子还是这部片子，上海纽约特质也都不够明显，还是部裹着文艺外壳来展示人生复杂与宿命的片。

只是因为文艺的一层渲染，这部片子变的有了倔强的气质。

所以说，这部片的文艺衣服确实穿的挺有档次的。

PS: IT男的不修边幅在片子还真实淋漓尽致的体现啊= =

记得《八月未央》里说，人生就是一场幻觉。

这句话用来形容人生未免过于超现实，但是形容爱情就变得再恰当不过了。

艾玲让Max扮演自己死去的男友，结果Max因此爱上了艾玲，Max在上海碰到依依，依依听了Max跟艾玲的故事爱上了Max，并不惜扮装成艾玲。

艾玲的梦成了Max的梦，而依依多么想进入到Max的梦里。。。

（以上仅为山寨剧透，请淡定）那犹如一场幻觉般的爱情啊，让我要怎么来歌颂你才能看起来更有说服力一点？

这是个挺科幻的命题，关于爱情与幻觉。

剧本写得太实太满，一个两个身处异地的人可以在梦中相见这么科幻的理论基础，还非要在两个小时之内把一切都合理化，简直就是一个自我纠结的没必要完成的任务。

所以，因为剧本太纠结于此，导致了一些过于明显的细节表现和情节填充，最后本来可以很好玩的电影变得闷得要死。

Max的身世本来可以一笔带过的，改用细节的时候导演选择了使用大段独白。。。

为了突出艾玲跟依依的性格区别我可以理解，但是也没必要把依依弄得疯疯癫癫的吧，杭州那段的开始实在有点看不下去了，可怜的袁泉。

演员方面，袁泉的台词太太太话剧了，这片子梦境部分完全就是舞台剧表演模式，对于没有观众互动的电影大荧幕来说，此类情节实在是无法抓住观众，让人很难不走神。

对吴彦祖的表演没什么意见，不过跟袁泉的舞台剧范儿太不搭，点火无数次，却始终没有火花。

所以，很好的想法，却拍出了个风格模糊的影片。

要说的可以说的点太多，却一盘散沙般乱摆在镜头前。

感觉导演也不知道自己到底要怎么表现，堆砌般描述了自己的所有想法，却无法准确传达给观众。

文艺片不是女主角穿白衣服不说人话就文艺了的，电影是一个很开放的多方位的表现空间，而谁会利用它谁低手，也是一比就出高下的。

总之，很有意思的小故事，却不值得上大银幕。

今天有幸和边同学去看了一场文艺片，其实一开始不是冲文艺去的，用手机查的时候，显示的是悬疑爱情喜剧，还有美男吴彦祖（虽然已经结婚了，心痛）。

于是我们继“决定中午一起撮一顿”之后又一次一拍即合，颠儿颠儿的买了电影票。

事实是虽然票价2元，这部电影也不能如此侮辱我们。

自电影开场之后，边同学就紧闭嘴唇不发一语。

我很惶恐，但是后来证实这只是因为这部片子实在是引起了她的愤怒。

《如梦》看完之后真有种入梦的感觉。

暗色调的画面，摇晃的镜头，阴郁的男主以及梦呓般的女主。

当然，后面还有一个努力扮乡下姑娘的疯子，她叫什么来着？

提这事儿了吗？

一切都表明这是部幻灭的文艺小资大闷片。

我想起了很久之前看过的德普的《亚利桑那之梦》，但是这种联想是对后者的侮辱。。。

我错了。

影片开头的猫咪确实吸引了我，但是几秒之后发现原来是只死了的。

杂乱的房间里，男主出场，去海边埋了它，并去看了医生。

恩，一切都很正常，文艺的正常。

但是后来当男主开始频繁做梦之后，我开始想象这部影片到底要表现什么。

再后来，女主频繁疯癫又忽而假扮温婉的梦中人，继而又在淋浴后再次疯癫，我又开始和周围同学一起猜测，此刻的袁泉到底扮演的是哪一位。

最后，男主终于见到了那对双生花的时候，我开始期待影片最后起码要给个交代。

当男主和梦中的女主跳起舞的时候，我彻底崩溃了，以致后来边同学愤怒的喊着“这到底是什么？！

”的时候，我实际上已经不知道演到哪里了。

影片的最后，男主在一个风景秀丽的地方，念起了内心独白。

他说，他想起了一句古语，“逝者如斯，不舍昼夜”。

然后，我听到放映厅里响起了释怀又带着自嘲的轻轻笑声。

我问边同学，这部电影是不是就想告诉我们，死了的人，我们都会留恋，但是我们还要好好活着？

边同学沉重的点了点头。

我骂道，他妈的为什么不直接告诉我们呢？

电影结束，走回宿舍的路上，边同学扭头问我，你竟然喜欢看文艺片。

我说，我不知道这就是文艺片。

你才爱看文艺片呢，你们全家都爱看文艺片！

我记得我初中的时候很喜欢一部法国电影，《天使艾美丽》。

我一直以为那就是很美丽的文艺片了，并自我矜持了好一阵。

但是今天开了眼，原来我一直是错的，我文艺的等级太低，还远远不够。

我宁愿在宿舍看《越光宝盒》，不，《三枪》都行！

我也无法忍受再一次的文艺洗礼。

也或许是我们根本已经深刻的脱离了文艺道路，所以如有不妥之处，权当是一个受了折磨的低俗女的自我剖析。。。。