冰淇淋与雨声

从拍摄手法、场景搭建和服化道上看，《冰淇淋与雨声》是继拉斯冯提尔的《狗镇》之后再一次颠覆我的影片！

《狗镇》是用线条、人造光和极简道具来拍摄，而《冰》连这些都彻底抛弃了，手持镜头下，演员们穿着自己的衣服，用粗糙的道具和身边的物品随时随地就开始表演，他们只要一开口说台词就自动进入戏里，自带BGM。

影片的背景音乐是Moroha乐队，一个弹琴一个扯着嗓子说rap，竟然很有日本武士的风范，他们就像《兰戈》里面的猫头鹰乐队，如空气般存在，唱出人物内心爆发的情感。

与同样是戏中戏的影片《法国中尉的女人》相比，《冰》对“现实”和戏切换方法更胜一筹并且有内在的逻辑。

一开始还能从演员捧剧本和导演指令来区分“现实”和戏，但是随着时间的流逝，演员也在成长，台词更熟稔，演技更精进，最后只能通过画面比例的切换来区别，因为“现实”的人物情感已经和戏里人物完全同步。

再加上演员就用本名演出，所以有时候看得入神，甚至注意不到画面的变化。

当他们正式换上戏服站在台上准备演出时，影片却停在了此刻，谢幕了，因为大家都知道演员们的火候已经到了，他们会演得很成功，毋庸置疑。

影片还有一个出彩的地方，即对“现实”时间的艺术处理，同一个镜头下，演着演着就自动过渡到了几天之后，这种根据人物心情而不是根据场景变换来交代时间流逝的方法很让人着迷，因为这一点，整部影片真正做到了一镜到底！！

看后才知其噱头是一镜到底...但影响不大， 结构形式本身才是此片精髓——正是冰淇淋和雨声这两个元素所抛出的边界问题：哪些是电影真实？

怎么把观众现实A、电影现实B、电影中的舞台剧剧情C混合起来，让电影游离于真假之间？

第一步使用真实故事作为背景（确有一组取消演出的青少年/宣传噱头？

）及一部来自Simon Stephens的好话剧Morning，使用演员的真实名字、导演的出镜带来一定程度纪录片的效果；加上一镜到底来强调真实感、让排练穿插在B现实中（顺便讲完C剧本故事并以此映衬B时空的青春情绪）、让旁白般的配乐表演适时出现在B与C时空中并时不时对A发言；最后用话剧Morning即C时空的节奏和情绪置换B的，完成对A观众的情绪控制。

放在建筑学视角而言，就是一部拥有所谓“现象学透明性”且颇有构成主义色彩的电影，也可以说是赋格的思维，其一切组织的核心都是构成，通过不同层面的构成带来情绪节奏的张力，内容的表达则可遇不可求（于这部电影就是无关紧要了），正如导演开头就借自己口告诉观众“故事情节没那么重要”。

就此方面而言，电影是相当成功的。

然而一切美好的所谓“中间状态”的模糊都被哪天熬夜熬抽了脑子的导演给用画蛇添足的遮幅给大大减弱了…关于中间状态还有一点，此片one cut下的转场的时间是跳跃式的，一方面竟意外带来B时空层面很不错的角色情绪的连续性，但同时又有种蒙太奇感——于是就此而言中间性有点Dilemma了：为强调真实性而一镜到底，但时间跳跃带来蒙太奇的感受，又减弱了那为一镜到底而努力的意义…总之一镜到底的宣传效果大于电影意义，不过谁不想点亮稀有成就“one cut导演”呢。

电影对Simon Stephens 的Morning的改编就保留原作的意义而言相当成功，几可说是同人作了；但并不符合电影改编的目的。

原剧本简介如下，翻谷歌前两页，唯莱比锡剧场的介绍最佳：„Nichts wird irgendwas ändern.“ Als Teenager in einer durchschnittlichen Vorstadt, die Mutter krank, der kleine Bruder nervig, die beste Freundin zieht weg — die Lage erscheint ihr aussichtslos. Alles ist scheiße. Was sie innerlich zum Kochen bringt, dringt in stichelnden Provokationen an die Oberfläche. Aber die Außenwelt reagiert kaum. Es scheint die gewöhnliche Rebellion eines Teenagers bis Stephanie eine letzte Grenze überschreitet. Ohne erkennbares Kalkül, beinahe mühelos tut sie, was nicht ohne Reaktion bleiben kann. 随手谷歌，无校对："Nothing will change anything." As a teenager in an average suburb, her mother is ill, her little brother is annoying, her best friend is moving away - the situation seems hopeless to her. Everything sucks. What makes her boil inside comes to the surface in teasing provocations. But the outside world hardly reacts. It seems like an ordinary teenage rebellion until Stephanie crosses one last line. Without recognizable calculation, she does almost effortlessly what cannot go unnoticed. 另Perlego的简介It's the end of summer in a small, claustrophobic town and two friends are about to go their separate ways: one to university; the other will be staying local. But no matter what separates them, they will always share one moment: a moment that changed them forever. 'I missed first time. I could feel his skull caving in. It was like a shell.' 可见原剧本的虚无主义内核与导演插入的中二“生命力”的改编核心基本相悖，虽然原剧本的彻底工具化使内容和电影脱节，这一定程度上削弱了观众对B与C内核矛盾的感知，加上MOROHA热血缝合，大体上是糊过去了。

但这个纸糊的缝隙随着电影发展逐渐撕裂——尤其到结尾处女主一段吐槽音乐 电影 演出 电视 体育 吃的全都是垃圾、神和希望都不存在之后，又如何能用一句“把亿万句叹息吸进，化作希望喊出，把亿万眼泪饮下，化作决心吐出”（改自字幕）衔接呢？

许多观众对其内容乃至音乐的不认可很大程度来源于此。

对剧本正能量式的改动或许是为了契合B时空的角色心理，但这个剧本本身就选错了，“目的是描绘青春疼痛”、描绘虚无与叛逆的剧本中只有叛逆一点勉强切B时空的题。

抛开这些问题，我十分喜欢MOROHA的配乐表演，它无论从哪个方面而言都撑起了半部电影，此中尤其喜欢其用了能剧的表达技巧，配合表演又显得特别金属，现代而不失传统风味，总之特别好！

MOROHA最后一段在摄影师走向观众席上楼梯时，完全踩在几个“亿万”的节奏上，好爽。

另，40min末出现冰淇淋的时候导演竟还不忘夹带私货出现了本Byplayers剧本 : )

《冰淇淋与雨声》8.0《听说桐岛要退部》8.0①发现两部电影或迥异或相似，倒也生搬硬套能说出点关联，偷懒的想法冒出来，就干脆凑一块写了。

《冰》是74分钟的一镜到底，绵延好几周、转换多个场景的时与空，都被一个镜头串到了一起。

《听》从不同视角观察同一时空的相同事件，是错综复杂的一张网。

在观看《冰》时，观众是全程的参与者，始终保持在中二热血的亢奋中。

而在观看《听》时，我们更多是冷静的旁观者，只在结局的阳台上，小小地中二一会。

《冰》的一切目的都是为了一场早已被取消的演出，而《听》里面所有兜兜转转，都是为了一个注定不会出现的人。

他们讲的都是，疼痛的青春。

②《冰》是一部评论两极分化的电影，那么，如何测试你与这部电影的相性呢？

打开音乐软件搜索日本乐队「MOROHA」，听上一会儿，要是没有翻着白眼赶紧关掉，反而津津有味的话，说不定，你会喜欢这部电影的。

③常见的青春片总有少年升学或是转校生忽然到来，于是旧秩序失衡，各种纷争。

《听》反其道而行之，金字塔顶端的风云人物忽然说要离开，所有人于是主动或被动地被打扰，陷入无所适从。

一边是充分可信的微妙细节，一边是《等待戈多》似的荒谬主题，还真是，有意思的剧作。

20190409

剧院，就是我离开的车票了 影片的最后，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

《冰淇淋和雨声》是一部戏剧与现实不断交织，共同带动故事情节向前的电影。

最吸引人的“噱头”，无疑是74分钟的影片“一镜到底”。

就像是舞台上的演出，情绪一泄到底，酣畅淋漓。

故事主线非常简单，少年们被选中出演舞台剧，排练了一段时间后，出于某种原因演出被取消。

饰演女主角的想，兴冲冲进入排练厅的时候，典型中年商人模样的制作人，正和大家解释着因为销售情况不佳，演出需要取消。

大家那么些天的排练，都“白费”了。

少年们低着头不说话。

有些人默默接受了这成年人世界的规则。

想却不甘心，拉着一些同伴继续开始排练。

故事继续，她仍然是戏里那个即将看着朋友离开小镇的“想”。

表面上是不顾一切的青春，是为了梦想的”燃”，但《冰淇淋和雨声》的故事内核，是属于青春的“离开”。

属于青春的离开，太多作品想要讲这件事了。

曾经看过一部意大利电影，滨海小镇上打打闹闹的青年，一群人中有不学无术的，有早早泥足婚姻的——也有在清晨5点乘上火车，离开仍在沉睡中的小镇的。

“离开”，无疑是属于青春的，最重要的母题之一。

离开小镇，意味着剥离平庸，拒绝泥足的可能性。

在最初的那段排练中，我们看到想和戏中的闺蜜聊起了即将的分别。

闺蜜一心要离开小镇。

她在想的挽留中，显得决绝而冷酷。

她说小镇太无聊，一切都很无聊，多数的“朋友”都是无聊的。

“除了你。

不，大多数情况下，你也很无聊。

” 她对想说。

恰恰是这出戏中戏的内核与现实中情节内核的契合，成就了《冰淇淋和雨声》现实与戏剧交织的完美融合。

少男少女们在各种现实的场景下说起了戏中的台词，流露出戏中的情绪。

除了画幅比例的略为不同，从演绎上甚至很难分别戏与现实。

因为现实中的少男少女，也是一样想要离开。

在想要逃离平庸现实和无可避免地远离青春的不甘之间，被拉扯着。

雨天，红甘撑着伞蹲在楼下，像一朵蘑菇。

她温柔而尴尬地抬起头说，不知道可以去哪里呢。

为了呈现一台精彩的剧而拼劲全力，忽然目标被抽离，就好像奔跑的赛道被人抽走，倏忽之间的下坠感。

我曾经了解这种无所适从。

是因为太突然了，大多数人会对例如团队解散、项目取消一类的事情感到“无所适从”。

下一步应该怎样做呢？

不知道啊。

就连亦舒小说中的女主角，在接到医院电话的时候也会想：戏剧真好，写一个情节，接下去就是一个转景，不用学习“接下来该怎样做”。

比如接到电话，就僵在那里了，应该怎样做呢？

戏里的孩子们想要逃离小镇，离开平庸的生活。

戏外的孩子们则通过不断地浸入戏剧，来实现他们对残酷人生的逃离。

戏里的人生，多么猎奇又多么刺激啊。

戏里的想和闺蜜成了杀人犯，神经质的想危险又富有魅力。

戏外的想是个人缘极好的女孩子，却也忍不住想要试探着超出规则之外。

“戏已经取消了。

” 对于这件事，她拒绝接受。

她在每一次与团队其他成员见面时，绕回戏本身；甚至在原定公演当日，冲破安保，站在台前奉献了真正属于舞台的演出。

她的拒绝，代表着她对于“青春渐逝，现实残酷”的拒绝与“逃离”。

冰淇淋是甜美梦境，雨声则是现实的噪音。

当然如果你愿意，雨声也可以是催人入眠的伴奏，冰淇淋则是带来满足的“毒药”。

虚幻与现实，安谧与诱惑。

红甘与想，在雨中走过拥挤的小巷，一路交谈走进剧场。

伴随着淅淅沥沥的雨，她们吃着棒冰。

一路走进剧场，梦的焦点。

剧院对人们而言，代表着什么？

对于现实生活着的人们而言，剧院就是一台造梦机。

有多少上班族，日夜加班，唯有在剧院的那一夜得以喘息，投身另一个精彩纷呈的世界；有多少戏剧制作者、演员，领着微薄的收入，只因为在舞台的释放能够燃烧真正的自我。

想和同伴们，躲过了安保，绕过了人群，偷偷来到后台，化了妆等待“开演”。

大幕拉开前，他们围成一圈为彼此打气。

我喜欢他们围成一圈的样子。

我记得4月看《罗密欧与朱丽叶》，每次开场前，那群人必然要在大幕后面这样打气。

看了十场，每次如此，让人觉得……他们有团魂？

这样说不知道是否合适，以我浅薄的理解可能确实如此了。

想和伙伴们，也是这样。

这大概就是年轻人应该有的样子。

大幕拉开，舞台呈现，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

这样，它结束了。

将虚幻与现实揉碎，捏成好看的形状，调和一些不那么美妙，非常情绪化的音乐和唱词。

这，就是它了。

即便如愿公演，想和她的朋友们，最终要面对剧院外的雨声。

我和影城的观众在周六的上午，其中有一些人哭得像晒化了的冰淇淋。

十年过后，一切都都化为虚有。

大家都想听到神的话语，但这也是不存在的，大家都想在黑暗中拥有一束希望之光，这也不存在。

吸进亿万句叹息 幻化成希望的语句将其呼出 饮下亿万滴眼泪 幻化成决心的话语将其吐出经历亿万场风雨 亿万朵花凋零散尽即便如此 也拼上一生一次的生命 绘出生命的色彩吸进亿万句叹息 饮下亿万滴眼泪经历亿万场风雨 亿万朵花凋零散尽即便如此 也拼上一生一次的生命在心中绽放的花朵 名为火花只要活着 喊出花语拼上性命 绘出生命的色彩时间啊 时间可以解决一切失恋 屈辱 后悔 全部都会在时间中得到解决以前也是这样过来的憎恨 疼痛 苦楚 甚至连有过的梦想 嫉妒过的对象 无法转交的思绪时间都会一一解决 将之化为乌有这样就可以了 这样就放下了 这样应该就好了但是我还是不想这样还是不愿这样 因为那些东西都是属于我的因为再坏 再不堪 也是我的一部分还给我 还给我让时间带走一切你甘心吗还给我 还给我都还给我对不起爸爸 给您添麻烦了对不起妈妈 害您担心了过年我也不打算回家了毕竟没有一件能挺直胸膛汇报的事啊数到十并不会就结束人生往后还有十一和十二在等待我都知道 但还是让我再稍微尝试一下吧像“放弃”这样令我憧憬的词语还是很想日后有说出口的勇气的这是只有能直面严寒的家伙才能脱口而出的话我尚且还不具备那个资格吧所以 现在我还不会说什么“丢弃梦想”因为心中没有盛放它的垃圾桶啊想要最后漏出笑容 不对我想要一直笑到最后

说起影史上一镜到底的电影，除了艺术家安迪·沃霍尔的《帝国大厦》外，很多影迷第一时间想到的经典之作应该是索科洛夫的《俄罗斯方舟》，短短100分钟内，穿越俄国两百多年的历史，并且实打实地仅仅是用一个镜头调度出来的，相当厉害。

亚历山大·索科洛夫《俄罗斯方舟》但纵观百年光影，像《俄罗斯方舟》这么出名的“一镜到底”其实并不多，毕竟很少有导演能够一次就拍成功，而假如要反复NG重拍，所耗费的精力与财力都无可估量。

也正因此，某些不像索科洛夫那么“较真”的导演，也会尝试用组接的方式“伪造”所谓的一镜到底。

比如冈萨雷斯·伊纳里多的《鸟人》，看似一镜到底，其实中间有16个剪辑点；再比如希区柯克的《夺魂索》，其实是十个镜头组成的；还有贝拉·塔尔的《麦克白》，是由两个镜头构成。

亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多《鸟人》

阿尔弗雷德·希区柯克《夺魂索》当然，近些年也不乏敢于挑战“一镜到底”的勇士，会偶尔站出来。

比如德国导演塞巴斯蒂安·席佩尔，就曾在2015年拍了部一镜到底长达138分钟的《维多利亚》，拍了三次才成功。

比如日本导演三谷幸喜的《大空港2013》，则以100分钟的一镜到底牵引出整个机场的人生百态。

塞巴斯蒂安·席佩尔《维多利亚》

三谷幸喜《大空港2013》当然，可能很多人还会提到毕赣导演《路边野餐》中的42分钟长镜头，或者《地球最后的夜晚》中长达1小时的长镜头。

但因为这两部都并非一镜到底，在此就不展开了。

而今天我们要深聊的这部电影，来自非常年轻的日本新生代导演松居大悟。

这部新近出炉的日影《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声），最初吸引我的便是“74分钟一镜到底”这个技术性噱头。

有颜又有才的松居大悟导演放进影史序列看，74分钟一镜到底可能并不算什么；影片真正闪光之处，还在于那些排演时刻迸发的灵魂火花，虽为日式中二热血，也难免让我想念约翰·卡萨维茨的临场魔力。

而影片中某句歌词也令我一直记忆犹新：“看不到我的未来，我终于松了口气；因为未来平庸到让人反胃。

”

作者| 松原公号| 看电影看到死前阵子，北京温度骤降还下了雨。

在这样的天气里跑去电影资料馆看《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声）倒也很衬这个题目。

抱着这样的想法，我满怀期待进了场。

之前，看本片导演松居大悟编剧并执导的《Byplayers》颇感惊艳，也有所耳闻导演前作《安昙春子下落不明》因为较为大胆创新的手法、而收到褒贬不一的各种评价。

《安昙春子下落不明》而今年这部《冰与雨声》则是以74分钟一镜到底的拍摄手法和打破虚实界限的华丽青春群像主题深深吸引住了我。

悄悄观察影厅其他观众，我猜或许大家也都是如此吧？

资料馆的大厅都没有坐得很满，而观众大多数也很年轻，大家几乎表现得像是来见一个朋友一般。

松居大悟的才气也确实在这部电影中展现得淋漓尽致。

正如导演自己在映后的对谈中所言，《冰与雨声》并不太能够被定义为到底是怎么样的电影，而是处在某种“中间状态”，因其模糊了现实与虚拟、电影与戏剧，甚至观众与银幕的诸多边界；然而，也正因如此，这部电影才有了自己的迷人之处，也即成为导演本人想要探求的某种真实。

影片《冰与雨声》展现了热爱戏剧的少年少女为了一次演出努力练习、却在最后被告知演出取消，因而奋起反抗的故事。

在这些年轻人的生活里，戏剧是一件随时可能发生的事情——随时都能进入故事，随时都能进入表演状态。

导演通过画幅的改变，暗示我们什么是在电影中的现实里发生的事，什么是在电影中的戏剧里发生的事。

而我们年轻的主人公们就在戏剧和现实中肆意穿梭，串联起既是现实又是戏剧的双重剧情，推动两个不同故事共同发展。

此外，还有不经意间就会出现的主人公对着镜头喃喃自语的画面，既是展现内心独白，又像是和观众对话。

整部电影的氛围相当自由却不至于令人费解，仿佛是一次对自己中学时代的回忆，相当轻快。

事实上对我来说，在观影过程中能感受到的是三重时空的同时存在。

所谓三重时空，一重是我本人所处的现实，一重是电影中主人公们所处的时空，一重是电影中的戏剧时空；三重时空交相呼应，形成奇妙的观影体验。

在画幅伸展缩放之间，电影中的少年少女直视镜头喃喃自语之时，现实和虚拟的边界就被淡化了。

由此更进一步，甚至观众和银幕的边界也是被淡化的。

假如当天在电影资料馆坐得足够靠前，那么在电影的最后那个场景中——镜头对准站在舞台上的少年少女们，前景是空无一人的座位，简直会产生此刻就坐在空旷的下北泽小剧场中的错觉，正看着舞台上的这群年轻人——多么微妙的感受！

电影作品中不缺少一镜到底的经典先例，而在这74分钟之中，导演却很好地利用长镜头发挥了电影的特质，在镜头的停滞和字幕的提示之间完成时空转换。

长镜头跟随演员，在演出开始前的狭小公寓中来回游走，或旋转，或停留，以此展现演出开始前不同时段主人公们不同的行为与相异的心境。

或者说可以这么理解，在演出最终开始之前，主人公们的日常就是不停地重复排练戏剧的各个部分，在每个时间节点导演截取的只是一种“横截面”，但这种“横截面”却能因其相似性而互相连接，然后再用这个长镜头的“容器”将其装载。

不得不说，还是挺有想法的。

而《冰与雨声》中的戏剧特质，除了主人公们突然地进入表演状态之外，也展现于担当配乐的MOROHA中。

这个只有两个人的音乐组合，包括了负责说唱部分的Afro和负责吉他的UK，在《冰与雨声》中担任了类似于戏剧中“歌队”的角色。

自戏剧诞生以来，歌队就在其中担任着叙事和抒情的双重功能，比如提示情节、暗示命运。

《冰与雨声》中的MOROHA也是如此，用他们一贯以来那种宣泄似的歌声告白主人公们内心理想受挫的愤懑和不知去向何方的迷茫。

从片头开始，导演让MOROHA时不时于电影中出现甚至可以与主人公互动，运用他们的歌声在影片情绪浓烈之处加以渲染，Afro的诉说也与主人公们抗争的心境相得益彰。

电影中加入诸多具有戏剧特质的重要元素，同时又不舍弃电影调度本身在时空转接上的优势，因此在整部《冰与雨声》之中，电影和戏剧的边界也是不甚分明的。

因此，在这两个层面上，《冰与雨声》所展现的就是那一种“中间状态”——模糊了现实与虚拟，也模糊了电影与戏剧。

然而，电影的感情却是再分明不过了，那种似曾相识的少年心气。

因为戏剧是唯一的寄托，所以失去了戏剧就不知道再有什么可以热爱的了，所以不甘心呀，不甘心向往的远方就这么被剥夺了，所以冒着被赶出去、被斥责甚至承担可怕后果的危险，也要溜进剧场，所以就算台下观众席空无一人也要开始表演，因为失去这个就一无所有了。

松居大悟导演在映后说这是由真实的故事改编而来的，这些孩子是真的因为原定的戏剧表演取消了，才会有这部电影作为替代——而松居大悟本人也在电影中“真实地”扮演了戏剧导演的角色。

而在真正的现实中，这些演员也正是怀着对戏剧和表演的热爱才会聚到一起——差不多都是高中生的样子，没有事务所甚至没有正式表演的经历，其中一位还是从大阪来到东京下北泽，甚至做好了要是不成功就坐夜班巴士回去的打算。

也难怪这部电影中的感情会如此真实——这也是虚实之间的又一次互相映衬啊。

电影的背景所在地下北泽，是东京新兴的流行文化区域，也以诸多剧场著称。

不少著名演员就是在此完成了自己人生的首次登台亮相，也是许多热爱戏剧的年轻人寄托梦想的地方。

忍不住会想在《冰与雨声》背后的下北泽，还会有多少类似的年轻人，怀着相同的少年心气，在此奋力一搏呢？

从电影中的青春群像到电影背后，最终又回到电影中，这正是《冰与雨声》构造的“中间状态”的迷人之处。

不过直到映后，我才知道自己一直以来都意会错了《冰与雨声》的含义。

用松居大悟导演的话说，雨声就好像剧场里的掌声，而“冰”事实上应该被翻译为“冰淇淋”，是把他带回到现实中的事物。

将这两种物件并置，正如电影和电影之外的同构，作为题目真是太好了。

能在影院体会到这种模糊诸多边界的“中间状态”，也真是太好了。

本文原标题：被模糊的边界与真实的少年心气——《冰与雨声》及其展现的“中间状态”作者| 松原；公号| 看电影看到死编辑| 骑屋顶少年；转载请注明出处

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「时间能解决一切 无论是失恋屈辱或是后悔 都能靠时间解决 所以我只是吃饭呼吸洗澡睡觉 仅此而已 然而 为什么我 为什么你还是 拼命想要抓住这份稍纵即逝的情感 为什么 为什么」「请不要因为失落而原谅自己 和只会苦恼的自己作斗争很无耻 这只是为了说服自己而做的样子吧 分析弱点做出总结 理应比昨天更进一步 为什么 是错觉 不如说是恰恰相反 我一步都没有向前 原地踏步 只有时间在流逝」「时间啊 时间可以解决一切 失恋屈辱后悔全都会在时间中得到解决 以前也是这样过来的 憎恨疼痛苦楚 甚至连有过的梦想 嫉妒过的对象 无法转交的思绪 时间都会一一解决 将之化为乌有 这样就可以了 这样就放下了 这样应该就好了 但是我还是不想这样 还是不愿这样 因为那些东西都是属于我的 因为再坏再不堪 也是我的一部分 还给我 还给我 让时间带走一切你甘心吗 还给我 都还给我」

一镜到底：时间的凝固与流动松居大悟的《冰淇淋与雨声》以74分钟一镜到底的拍摄手法，将青春的热烈与虚无编织成一场视觉与情感的实验。

长镜头既是技术挑战，也是叙事核心——它既凝固了排练到演出的线性时间，又通过空间调度实现了时间的跳跃式流动。

演员穿梭于公寓、街道、剧院之间，镜头如幽灵般游走，将几周的排练压缩进一场“即兴”的连续表演。

这种手法既呼应了青春期的混沌与无序（“时间在流逝，我们却原地踏步”），也让观众被迫直面角色情绪的连贯性与破碎感。

然而，长镜头的意义不止于炫技。

当镜头跟随女主角森田穿过走廊、推开门的瞬间，场景切换与时间跳跃被无缝衔接，现实与戏剧的界限悄然溶解。

正如导演所言：“一镜到底是现实与电影永远无法实现的奇迹”，它既是对传统蒙太奇的叛逆，也是对青春“不可逆性”的隐喻——每一步都是唯一，每一次选择都无法撤回。

---虚实边界：画幅与身份的暧昧游戏电影以画幅的伸缩作为区分“现实”与“戏剧”的视觉密码：16:9的日常排练与2.35:1的舞台剧场景交替出现，仿佛在提醒观众“此刻是表演，彼刻是生活”。

但这种提醒本身却是虚晃一枪——演员以真实姓名出演角色，导演本人客串剧中导演，戏中戏《Morning》的台词与排练者的心声重叠，形成三重嵌套的叙事迷宫。

更微妙的是，当演员直视镜头喃喃自语时，第四堵墙的打破不再是一种间离，反而成为情感的共振器。

观众被迫直面角色的困惑：“我不知道什么是现实，但这样很有意思。

”这种暧昧性在结局达到高潮：空荡的观众席与雨声般的掌声交织，舞台剧的失败与青春的胜利在此刻合二为一。

冰淇淋的速朽与雨声的短暂，最终被凝结为一种永恒的“中间状态”——既非纯粹的现实，也非虚构的幻梦，而是青春独有的、虚实交错的诗意。

---中二与虚无：青春的双重面相影片的争议性恰恰源于其主题的撕裂感。

一方面，MOROHA乐队的说唱以近乎暴烈的节奏嘶吼着“饮下亿万滴眼泪，化作决心吐出”，将少年的热血推向极致；另一方面，戏中戏《Morning》的剧本却充满虚无主义的底色——弑母、背叛、逃离小镇的绝望，与现实的“无观众演出”形成残酷对照。

这种矛盾正是青春的缩影：中二的激情与虚无的底色并存。

正如女主角森田在排练中反复质问：“改变世界的革命在哪里？

”答案或许藏在乐队的一句歌词中：“梦想是否实现不重要，追逐的过程已让人生熠熠生辉。

”影片拒绝为青春提供标准答案，而是以近乎笨拙的姿态拥抱其复杂性——热血是真实的，徒劳也是真实的；反抗是必要的，失败亦是必然的。

---形式与内容的辩证：一场未完成的实验《冰淇淋与雨声》的缺陷与魅力同样鲜明。

批评者指责其形式大于内容，台词流于空洞（如“所有人都是无聊的”），角色的愤怒缺乏深层动机。

然而，这种“粗糙感”恰恰与青春的本质相契：未经雕琢的呐喊、未完成的剧本、排练中的走音与错位，共同构成了一种“活着的证据”。

导演松居大悟的野心或许不在于讲述一个完美的故事，而是通过形式实验捕捉青春的流动性。

当镜头最终定格在空荡的舞台，雨声如掌声般倾泻而下，我们看到的不仅是六个少年的谢幕，更是所有人在成长路上必经的仪式——即便无人喝彩，也要将热情烧成灰烬。

---结语：在速朽中寻找永恒《冰淇淋与雨声》是一封写给失败者的情书。

它用冰淇淋的融化隐喻青春的短暂，用雨声的喧嚣替代缺席的掌声，最终在虚实的裂缝中完成对“存在”的确认。

正如片中那句台词：“时间会湮灭一切，但这份热情可以被保存。

”当银幕暗下，我们或许会想起自己曾为某个“不可能”的梦想奋不顾身的时刻——那一刻的笨拙与纯粹，正是青春最动人的遗产。

虽然电影节还没有结束，但这部电影却是遇到的一份惊喜，很可能是最大的惊喜。

观影过程也同样精彩，坐我旁边的小哥哥开场不到十分钟愤而离席，另一侧的友人早已被镜头晃晕，而我，沉浸在这个中二气息浓厚的美妙梦境里热泪盈眶。

在短暂的71分钟的时间里，所感受到的艺术体验确丰富多彩。

像是在看一部关于舞台剧演出的电影，又像是看一部关于话剧排练的纪录片，再或者像是看一部影像化全景式的舞台剧表演。

这重重的梦境交织在一起，打破了艺术门类之间的壁垒，带来了实验性极强的迷人色彩。

电影 当然，这是一部彻头彻尾的电影，手中的电影票可以坚实的证明这重身份。

“戏中戏”的设计也极其巧妙，将话剧的内容和排练中的演员交织在一起，通过不同画幅的转换，编织了一出情绪饱满连贯的戏中戏。

梦想啊失落啊，故乡啊逃离啊，所有悸动得的偏执的属于青春的姿态，这里都有。

纪录片 当女主角打破第四堵墙面对镜头说话的时候，当男主角怔怔地直视着前方与我的目光相触的时候，一种纪实的质感铺面而来，仿佛是一群舞台剧演员在排练过程中的种种情绪，被我在银幕上观看者捕捉着。

在加上晃动的一镜到底的设计，这种真实粗粝的质感越发强烈

舞台剧 这是一部将舞台剧的电影，但为什么不能说是一部舞台剧呢，一部“影像化全景式的舞台剧”。

这个蹩脚的名字是我胡诌的，但在这部电影中似乎看到了一种更广阔的的戏剧可能。

现在的我们有“大型情景舞台剧”，有“浸入式戏剧”，那是不是也有一种可能，能够坐在剧场里，看一出中心舞台与剧场外实景（影像拍摄）相交的戏剧呢，打破剧场和置景对戏剧的限制，用把戏剧带入更广阔的维度。

就在结尾，银幕上六位主角在谢幕的那一刹那，我仿佛感觉自己置身于剧场当中，刚刚看完一场情绪饱满的话剧表演。

从这样新奇的体验中，期待着未来的更多可能。

另外： 非常值得一提是MOROHA的音乐，虽然不甚了解，却意外的很受感染。

这种歇斯底里地呐喊和青春的气息非常契合。

也正由于这种中插的音乐，更加强化了影片带了的舞台剧质感，仿佛在看一场孟京辉式的先锋戏剧，

现实 查询影片资料的时候发现，现实中的演员名字正式影片中所用的名字，同时也像影片中戏剧导演所说的“要在排练的舞台剧中用你们真是的名字”。

这重重的交互，暗含着艺术与现实的互文的关系，更加令人着迷。

电影、纪录片、舞台剧、现实，四重梦境共同营造了一场美妙的艺术体验。

在这样一趟电影旅程中，艺术的壁垒和隔膜被打破，引导着我们去探索无限的新的可能。

青春和励志题材的电影，二选一，你选哪一个？

不了吧，我选择睡觉。

老实讲，近年来这两个题材的电影确实让我踩了不少雷。

如果一部电影敢把青春和励志加在一块，要想拍得不难看，其难度不亚于用新闻联播的稿子做剧本拍武侠片吧。

可万没想到，这部青春励志片《冰淇淋与雨声》却把我看感动了。

除去电影故事本身，更让人惊喜的是它的拍摄手法和表现形式。

《冰淇淋与雨声》海报2017年3月，日本小镇，一出舞台剧即将上演，但这场舞台剧终止了。

故事的结局赫然写在了电影开头。

演出前一个月。

被选中参演舞台剧的六位学生演员第一次相聚排练，这场舞台剧的导演是松居大悟，他也正是这部电影《冰淇淋与雨声》的导演。

不仅如此，片中所有角色的名字都是演员的真实姓名。

导演松居大悟舞台剧讲述六个朋友中有人要搬离小镇，其余人极力挽留，借以追述痛苦的回忆和青春时期的挣扎，改编自话剧大师尤金·奥尼尔的《早餐之前》。

但这不重要，重要的是六位演员出演这出舞台剧的过程。

电影以舞台剧排练开场，导演一声令下，排练开始。

这个时候注意看电影画幅的改变，画面的上下方迅速出现两块黑色幕遮，画幅由正常的16:9转变为宽幅的2.35:1。

第一段的排练结束后，导演喊了一声“停”，画幅又再次变回2.35:1。

这种转变像是事先制定好的游戏规则，用以区别舞台剧与现实，提醒观众别混淆了。

在画幅上做文章的电影不在少数，比如冯小刚的《我不是潘金莲》选用了4:3和圆形画幅；贾樟柯在《山河故人》和《江湖儿女》分别用了4:3和16:9两种画幅，区别九十年代和现在。

我不是潘金莲 (2016)6.72016 / 中国大陆 / 剧情 喜剧 / 冯小刚 / 范冰冰 郭涛不过，画幅变化玩得最有诗意，也最令人印象深刻的当属多兰的《妈咪》。

男主用手扒开屏幕，画幅由4:3缓缓变为16:9，也暗合着剧情里新生活的开始。

这是一个天才镜头。

《妈咪》

妈咪 (2014)8.22014 / 加拿大 / 剧情 家庭 / 泽维尔·多兰 / 安娜·多尔瓦尔 安托万-奥利弗·波尼安除了打通舞台剧和现实的结界，电影偶尔还会打破第四堵墙，让演员冲着镜头外说话，让人分不清这是在排练还是在自我拷问。

打破第四堵墙舞台剧的剧情外延至现实，影响着演员的生活。

除画幅的改变，电影在表现形式上也有亮点。

一是在同一时空下表现时间的流逝，二是通过乐队的演唱作为主人公的内心旁白。

演员森田低头看剧本，再抬头时，身后的场景已然置换一新，时间也往后流逝了一周。

这有点像舞台剧的转场。

这种将时间铺开在时间轴上瞬时跳跃的做法，最典型的例子在王家卫的《花样年华》中。

张曼玉与梁朝伟在饭馆用餐，镜头在横移后，注意看张曼玉已经换了一身旗袍，说明这不是二人的第一次约会，但视觉上给人的感觉就像这还是之前的那顿饭。

《花样年华》

花样年华 (2000)8.82000 / 中国香港 / 剧情 爱情 / 王家卫 / 张曼玉 梁朝伟《冰淇淋与雨声》的音乐制作是由日本乐队MOROHA完成的，他们出现在镜头内，将人物内心的想法具象化，用歌唱的形式表现，代替了传统的画外音旁白。

日本乐队MOROHA之所以这么做，一是大胆创新，二是为了保持连贯性，因为这部74分钟的电影只有一个镜头。

是的，74分钟的长镜头，一镜到底。

这也是电影又一亮点。

在日复一日的排练中，每个演员的状态都被调动了起来，都把这出舞台剧当作了自己的一个小小梦想，彼此间也结下深厚友谊。

有人错过了末班车无法回家，所有人就留下来陪他一起办了个party。

在停电的夜晚，所有人便席地而坐，围着烛光开玩笑，聊梦想，就像顾城的《波兰来客》里写的那样，“那时我们有梦，关于文学，关于爱情，关于穿越世界的旅行”。

旁白在唱着：“我们真的很幸福了，有大大的梦想，有能谈论梦想的朋友，虽然没有女朋友，但酒真好喝。

改变这错综复杂的世界，掀起革命，推翻黑暗。

”

然而，就在演出一周前，所有人却被告知，演出被迫取消了。

因为预售的情况非常不理想，主办方不做亏本买卖，终止了这场演出。

这无疑是晴天霹雳。

沮丧和哀怨写满了每个人的脸，也有愤怒，也有不甘，但冷静下来后细想，更多的还是无奈，对现状的无奈，对自己无力的无奈。

为这出舞台剧倾尽所有的女主角森田看着一个个离去的同伴，内心的想法是：在有限的岁月里，我想要尽情地享受这被赋予的生命。

梦想不会来到你身边并实现，梦想只有努力追逐才会变为现实，是否能够实现并不重要，只要有梦想人生就能熠熠生辉。

于是，即使在被告知无法上台演出的情况下，森田仍然对留下的伙伴们说，来，一起来排练吧。

距离之前定好的演出时间还剩2天，森田召回了所有人。

就像青春校园版的复仇者联盟，他们又聚到一块儿了。

“既然剧院不让我们演出了，那怎么办？

只好硬闯了”。

演出当天，大家在完成最后一次排练后，撬开了剧院后门的锁，溜进了剧院。

这个时候乐队的旁白是：拜托大家了，请听一听。

但实际情况是，台下空无一人。

演出前一分钟，画幅再次出现轻微变化，仔细看，上下两块黑色幕遮正在慢慢消失，在那一刻，舞台剧和现实融为一体。

对于这些被选中的孩子来说，这出舞台剧，就是他们当下全部的人生。

“虽然不知道什么是现实，但很有意思”。

哪怕台下空无一人，这场演出，也要微笑着演完。

负责旁白的乐队声嘶力竭地唱着：“饮下亿万滴眼泪，幻化成决心的话语将其吐出，经历亿万场风雨，亿万朵花凋零散尽。

即使如此，也拼上一生一次的生命，绘出生命的色彩。

时间会湮灭一切，但这份热情可以被保存，一看到就可以回想起这份热情，可以回想起那处风景，可以不让任何人发现，可以出演这场舞台剧，可以燃烧这个剧院，还可以把烧毁的剧院修复如初。

”

这是属于所有演员们的少年心气。

登上舞台，这是梦想的实现；没有观众，这也是梦想的破碎。

但无论如何，这份努力过的热情不会消失，在日后回想起，还是会露出笑容。

对于这些演员来说，他们最光荣的时刻，就是现在了。

至此，电影结束。

不同于一般电影，这部电影的名字直到最后才出现—《冰淇淋与雨声》。

冰淇淋与雨声，这都是美好但容易速朽的东西，一如短暂而绚烂的青春。

即使这些终将被时间带走，但冰淇淋留下的清凉，雨后留下的彩虹，青春过后留下的美好回忆，都将被铭记。

用导演松居大悟自己的话说：“雨声就好像剧场里的掌声，而冰淇淋则是把演员拉回现实的物品。

”将这两种物件并置用作片名，正如舞台剧和现实、电影和生活的同构。

日本这一类热血中二的青春励志电影对观影君很有杀伤力，类似的还有电视剧《火花》，电影《垫底辣妹》、《五个扑水少年》、《唇上之歌》。

《五个扑水少年》海报

五个扑水的少年 (2001)8.32001 / 日本 / 喜剧 运动 / 矢口史靖 / 妻夫木聪 玉木宏虽说是青春励志电影，但不会无由来地打鸡血，也没有故作感伤，对成功也没有病态的渴求，没有冠冕堂皇的说辞，有的只是一股傻劲，和青春时期不服输的愣。

你能从中，看到属于自己的故事，这是最难能可贵的。

青春正好，与命运的这局棋，我是先手，且会全力以赴，不让半子。

哪怕最后被杀到片甲不留，也绝不会中途主动投子认负。

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